CHILDREN OF THE LEAF

Dei tanti momenti enigmatici di quel capolavoro videoludico che è Inside, ce n’è uno ambientato su un ponte. È battuto da un vento di cui non si conosce l’origine; l’unica cosa che si può scoprire – rigorosamente a proprie spese – è che quello sbuffo brutale e periodico, che avviene a intervalli rigorosi, è così potente da catapultare il bambino giù dalla struttura. E questo vuol dire morte certa. In realtà, quel momento è costruito per interi minuti. Prestando attenzione mentre si conduce un gruppo di umani su una piattaforma per aprire il portone di ferro che conduce al ponte, si può avvertire un cupo rumore di sottofondo, come un battito del cuore. È costante, è profondo, ed è terribilmente inquietante. È la profezia di ciò che sta per accadere. Per Francesco Ameglio, che ha curato il design della serie Planet of Lana fin dai primissimi momenti della sua ideazione, si tratta dell’esempio più alto di design sonoro all’interno di un videogioco: perché il suono c’è, ma non si vede – va al di là dell’immagine. E non è una forza da poco, nella società di Instagram. Significa sfondare il confine di una cornice prestabilita.

A neanche tre anni di distanza dall’uscita del primo capitolo, lo studio di sviluppo Wishfully – supportato nella pubblicazione da Thunderful Publishing – torna a Novo per scrivere un nuovo capitolo nell’avventura di Lana e Mui. Con una precisazione: non è necessario aver giocato Planet of Lana per godersi questo seguito. I primi minuti sono dedicati a una messa in scena cinematica che riassume quanto accaduto finora. Ci troviamo sul pianeta Novo, e una ragazza, Lana, incontra una sorta di gattino nero intergalattico, Mui, il quale è persino più furbo dei mici normali (già graziati da Madre Natura d’intelligenza sublime). Inizia così un percorso di collaborazione che porterà i due alla ricerca di Elo, sorella maggiore di Lana, rapita da un gruppo di invasori misteriosi che iniziano a devastare il pianeta e a mettere in discussione la sopravvivenza dei suoi abitanti. Nulla di troppo originale nel panorama delle narrazioni di fantascienza, ma erano gli aspetti artistici e la squisita cooperazione tra Lana e Mui a rendere Planet of Lana memorabile e perfettamente riconoscibile – tanto che il successo di pubblico non ha tardato ad arrivare.

I videogiochi indie più interessanti di marzo 2026

Eccoci arrivati alla fine di febbraio. La primavera è alle porte, e mentre i piani alti dell’industria del gaming sono sconvolti dall’inatteso cambio al timone di quel titano che porta il nome di Microsoft Gaming, gli sviluppatori indipendenti continuano a darsi da fare nel vivace sottobosco dell’industria. Questo mese vedremo tornare quella che è ormai una serie sci-fi da subito amata dal pubblico, ma anche tante novità e un rinvio: MOUSE: P.I. For Hire, previsto all’interno di questa puntata di Radar, è stato rinviato di circa un mese. Insomma: ne parleremo a tempo debito. Vedremo se le uscite di marzo riusciranno a catalizzare l’attenzione del pubblico, o se in molti non riusciranno proprio a staccarsi dal fenomenale Mewgenics. 

Accendete il vostro radar: si parte!

REQUIEM

Se dovessi dire qual è l’aspetto più caratterizzante di Resident Evil Requiem non indicherei la doppia anima – horror e survival da una parte, gore e action dall’altra – che pure Capcom, durante il lungo percorso di comunicazione del gioco, ha rivendicato come elemento centrale della produzione. Quello che più mi ha colpito di Requiem è stata infatti la sua capacità di cambiare, di evolversi come un ceppo mutante del Virus T, trasformandosi sotto gli occhi del giocatore in maniere a volte sorprendenti. E a volte, purtroppo, distorcendo e infettando le sue forme, fino a corrompere le strutture che hanno fatto la fortuna della serie. 

Resta vero, ovviamente, che Grace e Leon rappresentano due interpretazioni molto distanti dell’orrore videoludico, e che i due protagonisti si spartiscono quasi equamente il palco di questa nuova disavventura: miss Ashcroft tenendo le redini di una prima metà quasi perfetta, ispiratissima, magistrale nell’atmosfera e nel level design; l’agente Kennedy, invece, rivendicando la centralità della scena in una fase meno ispirata, più lineare e troppo esagerata nei toni. Una seconda parte in cui Requiem fa quello che purtroppo fanno molti Resident Evil nelle sequenze finali: la butta in caciara, esagera per il gusto di esagerare, incalza sui toni da B-Movie che hanno sempre fatto parte del DNA della saga ma che finiscono per contaminare racconto e azione più di quanto sia opportuno.

NIOH 3

Una lama che squarcia il tempo

Nell’ultimo lustro e spicci abbiamo assistito all’approdo sulmercato di diverse produzioni in qualche modo imparentate con Nioh,disseminate lungo la rotta creativa tracciata da Team Ninja dopo illancio del secondo capitolo. Digressioni che non sempre hannoconvinto appieno, ma che evidentemente hanno permesso allo studio disperimentare soluzioni diverse e sondare i limiti della propriaformula action rpg. D’altronde Nioh 3 rappresenta per molti versil’apice di questo variegato percorso: un ricettacolo di ideevecchie e nuove che si mescolano in un armonico distillato di purofomento. La libagione offerta da Team Ninja non è ancora perfetta,sia chiaro, ma diamine se è gustosa.

Come da tradizione, il nucleo narrativo di Nioh 3 è un amalgama di confluenze folcloristiche e frammenti di storia, questa volta tratti da uno degli snodi cardinali del periodo Edo, ovvero l’investitura del terzo shogun della dinastia Tokugawa. L’ascesa di Iemitsu è importante non solo per il suo ruolo fondamentale nel consolidare – spesso con metodi brutali – l’autorità assoluta dello shogunato, ma anche perché il nipote di Ieyasu fu il principale promotore del Sakoku, la politica di totale isolazionismo che per oltre due secoli ridusse praticamente a zero i contatti fra il Giappone e il resto del mondo. Pur trattandosi dello stesso personaggio, il protagonista di Nioh 3 è ovviamente un individuo di tutt’altra pasta: artista prima che guerriero, mite studioso più che scaltro politico, in testa alla campagna Takechiyo (il vero nome di battesimo di Iemitsu) viene tradito dal fratello Kunimatsu che, rigonfio di hybris e gelosia, cerca di reclamare il trono con l’ausilio di un oscuro potere e della solita vagonata di Yokai. Messo alle strette dalla scellerata possanza dell’usurpatore, il nostro nobile alter ego – liberamente personalizzabile - viene proiettato indietro nel tempo grazie all’aiuto del suo spirito guardiano, il lucente Kusanagi, nel tentativo di identificare l’empia origine della malvagità che ha corrotto l’animo di Kunimatsu.

Intervista a Mike Fridley, CEO di Squanch Games

Creare una nuova IP nel mercato attuale è un’operazione estremamente complessa. Si azzarda poco e si preferisce andare sul sicuro anziché rischiare investimenti a vuoto. Squanch Games ha avuto coraggio con High on Life, aiutata sicuramente dall’importanza che la figura di Justin Roiland aveva in quel periodo tra i fan dell’animazione più sboccata, ma oggi si è trovata di fronte a una sfida forse addirittura più complessa: quella di creare un sequel che riuscisse a consolidare le idee del primo capitolo e che al contempo riuscisse ad espandere sia il lato ludico del gioco sia l’universo narrativo ideato dal team. Ho avuto l’opportunità di discutere di questo e molto altro con Mike Fridley, CEO e Studio Director di Squanch Games, in un’intervista esclusiva che mi ha permesso anche di sbirciare dietro le quinte di un’azienda che sembra essere guidata da un’ambizione sconfinata.

MEWGENICS

SE AMI I GATTI, MA ANCHE SE LI ODI

Non so quale slancio di bontà avesse attraversato il mio cervello, ma ero abbastanza convinto che Mewgenics fosse un videogioco per gli amanti dei gatti. L’idea si è volatilizzataa circa dieci secondi dall’inizio dell’avventura, quando il perfido dottor Beanies ti fa scegliere due gattini in un gruppo da tre e quello che resta lo trita. Sì, il termine non è iperbolico: lo lascia cadere in una sorta di enorme tritarifiuti che lo fa a pezzi. Ti rassicura dicendo che le sue parti non andranno sprecate, le utilizzerà per i suoi esperimenti. E questo è solo uno dei crudeli sgambetti che Mewgenics ti fa prima che ti abitui a quel putrido e scorrettissimo immaginario. I gatti che accogliamo in casa vengono utilizzati come materiale genetico, come carne da macello o – peggio ancora – come moneta di scambio. Sembra che tutti, in questo mondo pazzo che Edmund McMillen e Tyler Glaiel hanno tirato su, non vedano l’ora di mettere le mani su ogni tipo di felino: cuccioli, adulti, veterani, feriti, mutati. Morti. C’è un mercato per ogni gatto in Mewgenics. Bisogna farsi un po’ la scorza dura. Solo dopo un po’ capisci che pensare che questo sia un videogioco per gli amanti dei gatti è un po’ come pensare che The Binding of Isaac sia un videogioco per chi adora i bambini.

Nessuna crisi d’identità per l’operaio generico Mario e il suo nuovo torneo di tennis

Di Camelot, lo studio che si occupa delle serie di Mario Golf e Mario Tennis, è difficile scegliere cosa dire. La sua storia nasce con i giochi di ruolo, ma da oltre un quarto di secolo è una materia a cui sono tornati a dedicarsi sempre più raramente. A fregare quelli di Camelot è stata l’accoglienza trionfante riservata alle loro prime collaborazione dirette con Nintendo, quando hanno portato Mario Tennis e Mario Golf su Game Boy Color, ma soprattutto su Nintendo 64. È in quel momento che si sono meritati la chance per rifarlo ed è quando hanno imbroccato anche il secondo giro, con le apprezzabili uscite per le generazioni di Game Boy Advance e GameCube, che hanno venduto l’anima ai tornei sportivi nel Regno dei funghi. Tra le incertezze del cammino su questa terra e in questa dimensione, c’è la sicurezza di poter avere a che fare con un episodio di Mario Tennis a ogni nuovo giro di console che Nintendo elargisce all’umanità (Mario Golf non ha avuto la stessa costanza ed entrambi hanno saltato la generazione Wii). E a occuparsene sono sempre loro: Camelot.

Tutto è un remix

Il suo videogioco si chiama VVVVVV, ma lui è così minimalista da chiamarlo soltanto V. Era un dubbio che assillava un po’ tutti intorno al 2010, anno in cui uscì un titolo seminale per lo sviluppo indipendente, in un periodo straordinariamente fertile per quelli che amo definire “videogiochi piccini”: ma come cavolo si pronuncia VVVVVV? In tanti, in ambito anglosassone, dicevano “Six V’s” (“sei V”), altri si affannavano a contare le V mentalmente per dirne sei di fila (non una di più, non una di meno). Il dubbio venne risolto alla Game Developers Conference del 2010: era tutto uno scherzone. “Credo che la ragione per cui è venuto fuori [il nome, N.d.A.] è perché è molto divertente provare a pronunciarlo”, dichiarò Terry Cavanagh, autore di VVVVVV, in un’intervista a David Wolinsky concessa proprio nel corso di quella GDC. “Io lo chiamo soltanto ‘V’”.  

VVVVVV, per gli amici V, è uno di quei videogiochi che possiamo definire “a meccanica unica”. Perché sì, Cavanagh è un minimalista a tutto tondo – anche nel game design. Ci troviamo davanti a un videogioco platform martellato da una colonna sonora chiptune clamorosa in cui non si salta: si inverte la gravità. La grafica è grezza e non importa, perché l’unico focus è su questo aspetto, semplice solo all’apparenza. Un’inversione di paradigma e un capovolgimento del modo in cui siamo abituati a ragionare quando approcciamo un videogioco platform – e, a dire la verità, anche titoli appartenenti ad altri generi. L’avventura del Capitano Veridian è ancora oggi iconica, e vi segnalo con piacere che è giocabile (con un bel bollino verde conferito da Valve) su Steam Deck, oltretutto con traduzione in lingua italiana. Non perdetevi questa pietra miliare dello sviluppo indipendente.

Una notte al museo

“I ‘giornalisti’ mainstream lo ricopriranno di 9 e 10 su 10, perché non sono videogiocatori, sono attivisti, e questo genere di schifezze è perfettamente allineato con le loro politiche estremiste.Gli YouTuber lo faranno a pezzi perché è una schifezza razzista che promuove una ideologica divisiva, razzista e criminale, prodotta soltanto perché persone ricche e stupide adorano fare virtue signalling”

- Commento dell’utente DarkFenix in una pagina di discussione su Relooted su Steam, 9 giugno 2025

- RECENSIONE -

Dopo una tripletta di titoli più sperimentali, progettati per assecondare l’interesse di Justin Roiland nei confronti della realtà virtuale, nel 2022 Squanch Games tentò l’assalto al panorama mainstream col suo High on Life: un impeto sostenuto sia dall’eco reboante del “cugino” seriale Rick and Morty, sia dalla macchina comunicativa degli Xbox Game Studios, all’apice del di un percorso di ampliamento costellato di investimenti miliardari. Grazie a questo possente slancio, rinvigorito da un immaginario orgogliosamente stralunato e denso di richiami pop, registrò numeri importanti in barba gli evidenti limiti e le storture in seno alla produzione. Per quanto gradevole fosse il chiassoso assurdismo al centro dell’opera, infatti, c’era tanto da mettere a posto ed era più che lecito aspettarsi che il team avrebbe tentato di alzare l’asticella con un sequel. A onor del vero, con High on Life 2 Squanch Games ha effettivamente imboccato la trafficatissima via del “bigger and better”, ma anche questa volta i risultati non sono proprio entusiasmanti, almeno non in modo uniforme.

Animali (non) umani

“Il linguaggio che abbiamo per parlare del mondo naturale è corrotto dal linguaggio della supremazia, dalla designazione degli animali da compagnia come ‘animali domestici’ subordinati, dalla riduzione a ‘bestiame’ di esseri viventi dotati di capacità d’intervento. Persino la differenziazione tra animali ‘selvatici’ e ‘addomesticati’ implica la stessa violenza culturale dei termini applicati agli esseri umani di altre culture, come ‘selvaggi’ e ‘primitivi’” 

James Bridle, Modi di essere. Animali, piante e computer: al di là dell’intelligenza umana, 2022

Annunci, aggiornamenti, ritorni e raccolte per i prossimi mesi di PlayStation.

Anni di trasmissioni come State of Play (Sony), Developer_Direct (Xbox) o Direct (Nintendo) hanno di fatto definito un genere “letterario” dentro cui si muovono o dentro cui il pubblico si aspetta che si muovano. Gli oltre sessanta minuti con cui, nella tarda serata del 12 febbraio, il mondo PlayStation ha fatto rapporto a milioni di persone, si sono districati piuttosto agilmente dentro quei confini. C’è stato l’annuncio iniziale a sorpresa e pure “one last thing”, che è coincisa con il sempre apprezzato disvelamento di un gioco che viene messo a disposizione nell’esatto momento in cui se ne sta parlando (il più tradizionale degli “shadow drop”). 

Tanto per cominciare vale la pena smarcare subito l’usuale quota di giochi da catalogo, cioè riproposizioni di titoli già pubblicati in passato. I continui recuperi di giochi che sono già stati è la logica e prevedibile conseguenza del modo in cui i grandi editori hanno deciso di strutturare il mercato, cioè alzando delle barriere (tecnologiche o meno) tra generazioni di hardware che rendono impossibile continuare a utilizzare un’ampia porzione di videogiochi. Ma è anche una necessità per quegli stessi editori che a operazioni simili si affidano per puntellare i risultati fiscali, da nutrire anche quando un nuovo gioco di altissimo profilo non è ancora pronto. Tenuto conto dei tempi sempre più dilatati che richiede lo sviluppo di un gioco AAA e dei rischi a cui va incontro, i ripescaggi dal catalogo sono e saranno sempre più presenti. E, dopotutto, è anche un modo sensato per trattare un pubblico demograficamente sempre più ampio (l’opzione più rispettosa sarebbe quella di smetterla di rendere inaccessibili i giochi in prima battuta).

Mask

“Due settimane fa, poco dopo aver lasciato i nostri figli a scuola nel sud di Minneapolis, sono rimasta in piedi con le mani in alto mentre degli agenti mascherati e armati della polizia federale lanciavano gas lacrimogeno a me, a mio marito e ad altri membri della mia comunità, il tutto dopo aver trascinato una donna fuori da un’automobile nelle vicinanze. ‘Levatevi la maschera e mostrate il vostro volto’, ha urlato un uomo poco lontano. Sono tornata a casa, mi sono fatta la doccia due volte e, mentre avevo gli occhi e la gola ancora in fiamme, mi sono seduta per revisionare la versione finale del discorso di presentazione della Global Game Jam di quest’anno” 

Dalle Riflessioni sul Tema della GGJ 2026 di Maria Burns Ortiz, direttrice esecutiva della Global Game Jam, 27 gennaio 2026

E così con un bacio io muoio

Quand’è che un game designer può definirsi libero? Probabilmente quando ha la facoltà di sviluppare tutto ciò che vuole senza dover rispondere delle proprie scelte a nessuno se non al proprio pubblico, magari avendo accesso a una quantità virtualmente infinita di fondi per poter realizzare tutto ciò che gli passa per la testa. Le strade sono sostanzialmente due: o lavori per tutta una vita per farti un nome talmente rispettato che nessuno può anche solo sognare di dirti di no (Hideo Kojima sto guardando te), oppure fai in modo di trovarti nel posto giusto al momento giusto. Grasshopper Manufacture, team fondato addirittura nel lontano 1998 fa parte di quegli studi che hanno avuto la fortuna sfacciata di attrarre l’attenzione (e gli investimenti) delle grandi aziende cinesi che  hanno inondato di denaro l’industria facendo compere a destra e a manca dopo gli anni della pandemia.  

Goichi Suda, in arte SUDA51, è uno di quei creativi che quest’industria l’ha vista crescere e che al suo interno si è fatto spazio sgomitando con forza pur di far emergere la sua personalissima visione del videogioco. Dall’inaspettatissimo suicidio del protagonista di Super Fire Pro Wrestling Special al periodo delle sue visual novel visionarie (nell’ultimo numero di Criptidi vi ho raccontato The Silver Case, non a caso), passando per i geniali colpi di testa di Killer7 e No More Heroes, Suda ha lasciato un’impronta indelebile nella storia del videogioco. Non avrà mai raggiunto il successo commerciale planetario di tanti suoi colleghi, ma il seguito di pazzoidi che si sono innamorati delle sue opere lo hanno fatto proprio perché Grasshopper si è distinta negli anni come l’emblema della sperimentazione pura, una fabbrica di idee tanto strampalate quanto geniali che hanno permesso a tantissimi di toccare con mano un modo completamente inedito e inusuale di intendere questo medium.

&

DARK TIES

Quella di Yakuza 3 è forse una delle mie trame preferite di tutta la serie. Il suo intreccio è il perfetto punto d’incontro tra gli intrighi politici del primo capitolo e le macchinazioni segrete del mondo della criminalità raccontate nel secondo. Fino ad oggi, però, Yakuza 3 è stato un po’ la pecora nera del grande disegno di Ryu Ga Gotoku Studio, colpa del fatto che è il capitolo ludicamente invecchiato peggio. Lento, legnoso e limitato, ma comunque intrigante per il modo in cui ha saputo trasformare l’atmosfera generale della serie. Forse il capitolo più bisognoso del lifting offerto dalla lunga serie di rifacimenti messa in cantiere da Sega quasi un decennio fa. Kiwami 3 l’ho aspettato a lungo, un po’ per l’affetto che provo per questa iterazione nello specifico, un po’ perché non è un mistero che sono preoccupato dalla direzione imboccata da RGG studio in questi anni di esplosione di popolarità del franchise in tutto il mondo. Quello che non mi aspettavo è che assieme al remake venisse pubblicato anche un capitolo inedito della serie Gaiden, dedicata all’approfondimento di singoli personaggi della serie come già successo con The Man Who Erased His Name e Pirate Yakuza in Hawaii. Per quanto si tratti di due titoli strettamente collegati tra loro, quindi, li tratterò separatamente.

A PUNK ROCK LIFE SIM

I don’t want to grow up

“Allora, lascia che ti racconti di George, e di ciò che mi è stato detto sulla sua morte”. Sono queste le parole di uno degli sviluppatori di Welcome to Elk, ripreso in bianco e nero, in uno spezzone inserito all’interno del coloratissimo trailer del videogioco di Triple Topping. Welcome to Elk uscì nel settembre 2020, in piena pandemia. “Storie vere raccontate da persone vere”, recita la primissima frase della sua descrizione del gioco su Steam. Per me fu un ottovolante emotivo indimenticabile. Sì, la storia della morte di George è di quelle che ti rimangono impresse. Così come la ricostruzione delle presunte fattezze dei genitori di un tizio su dei palloncini rosa, usando dei ritagli di giornale. L’avventura di Frigg, apprendista carpentiera appena arrivata su una piccola isola, ha segnato uno spartiacque nel mio interesse verso lo sviluppo indipendente insieme a un altro videogioco che venne completato nello stesso anno, dopo una lunga serie di uscite a episodi: Kentucky Route Zero. Entrambi i titoli utilizzano elementi di realismo magico per sposare un punto di vista obliquo e mai consolatorio sulle traversie e le bellezze della vita vera. L’essenza di ciò che, per me, è il nucleo più prezioso di ciò che considero indie – non soltanto nei videogiochi.

L’etere internettiano è uno spazio magmatico che ospita un catalogo senza fine di astiose controversie, fremiti umorali e stuzzicanti dispute, alcune delle quali destinate a ripetersi periodicamente senza variazioni di rilievo o risoluzioni soddisfacenti. A tal proposito, uno fra i nodi gordiani più annosi è certamente il dibattito sulla tassonomia dell’industria, e più nello specifico su quelli che sono i connotati propri dei diversi “tier” del panorama videoludico, a partire dalla scena indipendente. La fenomenale razzia di premi compiuta da Sandfall Interactive durante l’ultima edizione de The Game Awards, in particolare, ha riacceso la discussione sul concetto di indie, che in molti considerano tuttora lontano dalla fisionomia di un titolo come Clair Obscur: Expedition 33. Ma è davvero così? Che cosa è oggi un videogioco indie? I vecchi parametri dell’indipendenza videoludica hanno ancora un valore? 

Parliamone. 

REIMAGINED

Un classico rivisitato con stile e sostanza

Nel pantheon dei JRPG, Dragon Quest occupa un posto d'onore come uno dei capostipiti assoluti del genere. La serie creata da Yuji Horii e caratterizzata dai design iconici di Akira Toriyama ha definito molte delle convenzioni che ancora oggi ritroviamo nei giochi di ruolo giapponesi: i combattimenti a turni, l'esplorazione di mondi fantasy, la progressione attraverso classi e livelli. Ogni capitolo della saga ha contribuito a consolidare questo status, ma il settimo episodio, uscito originariamente per PlayStation nel 2000, ha sempre rappresentato un caso particolare all'interno della serie. 

Dragon Quest VII si è guadagnato nel corso degli anni una reputazione controversa. Da un lato, veniva celebrato per la sua vastità e profondità narrativa, con oltre 100 ore di contenuti e una struttura a episodi che lo rendevano unico nel suo genere. Dall'altro, soffriva di problemi evidenti di ritmo, con un inizio estremamente lento anche per gli standard dell'epoca, e presentava numerosi arcaismi che rendevano l'esperienza talvolta frustrante anche per i fan più devoti della serie. Il gioco richiedeva pazienza e dedizione, virtù che non tutti i giocatori erano disposti a concedere.

La storia prende avvio su Estard, un'isola che pare essere l'unica terra emersa in un mondo completamente ricoperto dall'oceano. Il protagonista, figlio di un pescatore, insieme ai suoi amici d'infanzia, il principe Kiefer e la giovane Maribel, scopre il Tempio dei Misteri, un luogo dove antiche tavolette permettono di viaggiare nel tempo verso isole dimenticate, afflitte da vari problemi e calamità. Risolvendo i problemi del passato, le isole tornano a esistere nel presente, e i tre protagonisti si ritrovano così impegnati in una missione per riportare il mondo al suo antico splendore. 

La struttura narrativa procede per episodi autoconclusivi, in stile manga, con archi narrativi che si completano isola dopo isola. Ogni località presenta la propria storia, i propri personaggi e le proprie tematiche, creando un'esperienza che ricorda la lettura di una raccolta di racconti collegati da un filo conduttore più ampio. Questo approccio potrà risultare estremamente appagante per alcuni giocatori, che apprezzeranno la varietà delle situazioni e la possibilità di vedere concluse numerose sottotrame, mentre potrebbe lasciare meno soddisfatti coloro che preferiscono narrazioni più lineari e focalizzate su un unico grande obiettivo dall'inizio alla fine. Spesso e volentieri le micro narrazioni fanno perdere di vista l'arco narrativo più ampio e certi "episodi" risultano più curati di altri.

Funghi contro il capitalismo

“Per praticare la raccolta del tartufo, il raccoglitore deve sottoporsi ad un esame per l’accertamento della sua idoneità.[...] 

La ricerca, da chiunque eseguita, deve essere effettuata con l’ausilio del cane a ciò addestrato e lo scavo, con l’apposito attrezzo (vanghetto o vanghella), deve essere limitato al punto ove il cane abbia iniziato” 

Art. 5 della Legge 16 dicembre 1985 n. 752, Normativa quadro in materia di raccolta, coltivazione e commercio dei tartufi freschi o conservati destinati al consumo

C’è sempre una nuova montagna da scalare

Poche discussioni di design videoludico hanno tenuto banco negli ultimi anni con la forza e la pervasività del cosiddetto “yellow paint debate”, letteralmente “il dibattito sulla pittura gialla”. Se non ne avete mai sentito parlare, fidatevi: in realtà ne avete sentito parlare, solo che non sapete che si chiama così. Pensate un attimo a Horizon Zero Dawn e visualizzate le mura di roccia dove spesso Aloy si trovava ad arrampicarsi, dipinte immancabilmente di giallo nei punti scalabili. Ma possiamo andare ben più indietro nel tempo, spingendoci fino ad Uncharted: Drake’s Fortune (2007), per esempio. C’è chi sostiene che gli sprazzi di pittura gialla per dare una direzione chiara ai giocatori siano addirittura necessari: “Ce n’è decisamente bisogno”, tuonava in un’intervista concessa a GamesRadar Naoki Hamaguchi, Director di Final Fantasy VII Rebirth, che non a caso è un tripudio di giallo chocobo. “IL VIRUS DELLA PITTURA GIALLA HA INFETTATO FF7”, recitava un tweet diventato virale di Dave Oshry, co-fondatore del publisher New Blood Interactive. Commentando la questione sulle colonne di Kotaku, Zack Zwiezen conclude che il dibattito non avrà mai fine. “Se la togli”, scrive, riferendosi ovviamente alla pittura gialla, “alcuni giochi diventeranno ingiocabili per le masse. Se la tieni, ci sarà sempre qualcuno a scherzarci sopra e lamentarsi”.

CODE VEIN II

Dopo sei anni di attesa e oltre quattro milioni di copie vendute del primo capitolo, Bandai Namco riporta i giocatori nell'universo oscuro e decadente di Code Vein. Con Code Vein 2, il team di sviluppo non si accontenta di bissare il successo del predecessore, ma vuole superarlo, proponendo un'esperienza che espande sensibilmente ogni aspetto del titolo originale: dalla profondità del sistema di combattimento alla complessità narrativa, fino alla struttura del mondo di gioco. Il risultato è un action RPG ambizioso che, pur conservando l'identità anime del franchise, cerca di ritagliarsi uno spazio nel panorama sempre più affollato dei soulslike. 

Per chi non avesse familiarità con il franchise, Code Vein rappresenta l'interpretazione tutta nipponica del genere soulslike, quel filone di action RPG nati dall'enorme influenza della serie Dark Souls di FromSoftware. Ma dove molti titoli si limitano a copiare pedissequamente le meccaniche dei capolavori di Hidetaka Miyazaki, Code Vein ha sempre cercato di differenziarsi attraverso una forte caratterizzazione estetica anime e una serie di innovazioni che tentano di rendere l'esperienza più accessibile senza sacrificare la sfida.

Lo stile anime non è qui un semplice vezzo: permea ogni aspetto del gioco, dai character design elaborati agli ambienti post-apocalittici che ricordano opere come Nier Automata, passando per una narrazione più diretta e meno criptica rispetto ai canonici souls. Code Vein si pone come un ponte tra l'hardcore occidentale dei soulslike tradizionali e la sensibilità narrativa dei JRPG, offrendo un'esperienza che può risultare tanto affascinante quanto divisiva.

I videogiochi indie più interessanti di Febbraio 2026

Gennaio è tradizionalmente un mese quieto per il mercato, e tanti videogiochi indipendenti hanno colto la palla al balzo per tentare di emergere e attirare l’attenzione del pubblico. Ve ne ho raccontati cinque nella scorsa puntata di Radar, ma uno è stato rinviato: si tratta di Hermit and Pig, la cui uscita è ora fissata per il 5 febbraio. Oltre al titolo ad alto tasso di funghi sviluppato da Heavy Lunch Studio, avremo altre produzioni interessanti a cui dedicare la nostra attenzione, tra cui un vero e proprio pezzo da novanta: Mewgenics, il nuovo videogioco di Edmund McMillen, autore di Super Meat Boy e di The Binding of Isaac. Quindi, preparatevi a mettere mano alle vostre wishlist. 

Accendete il vostro radar: si parte!

Koshi Nakanishi e Masato Kumazawa

Resident Evil Requiem: la fragilità dell'horror

Per essere rispettivamente il director e il producer della serie horror per eccellenza nel mondo dei videogiochi, Koshi Nakanishi e Masato Kumazawa sono incredibilmente pieni di vita. Mi accolgono con un gran sorriso e quella pletora di inchini rispettosi profusi a diverse angolazioni che i giapponesi ti riservano sempre prima di un’intervista. Ci sono una serie infinita di ostacoli che ti separano, in queste situazioni, dalle persone che intervisti: cultura, lingua, più di 9000 km, un fuso orario sballato di circa 7 ore, ma è incredibile quanta differenza possa fare un’accoglienza del genere. Li ringrazio anch’io, puntando tutto su quelle due parole di giapponese che conosco. Purtroppo abbiamo accumulato un leggero ritardo e quindi le presentazioni sono veloci e spicce. Riesco però a dire che Resident Evil è una serie con cui sono cresciuto e che ho amato per tutta la mia vita (non glielo dico di quel piccolo incidente chiamato Resident Evil 6; resterà l’elefante nella stanza), e vedo i sorrisi allargarsi ancora di più sui loro volti e gli inchini riprendere più veloci che mai. Il clima è quello giusto. So già che gli farò delle domande su cui di solito gli sviluppatori giapponesi si aprono poco, e quindi ho cercato di rabbonirli un po’. Mi chiedo se ci sono riuscito mentre parto con la prima domanda, di rito, morbida.

I racconti corali di Dragon Quest I Remake e di JR di William Haddis ci insegnano l’importanza della polifonia.

L’invenzione della polifonia fu per  
l’umanità come apre un ventaglio 
che era rimasto chiuso per secoli. 

- Breve Storia Eretica della Musica Classica, Alessandro Barrico

Tutto il relax della pesca

La pesca è da sempre il passatempo per eccellenza per il dinamico duo che formo insieme al mio papà. D’estate amiamo trascorrere le mattinate nel verde passando da un laghetto artificiale a un altro, dedicandoci alla pesca catch&release delle carpe. Spesso il nostro collie ci fa compagnia (si chiama Auron. Si vede che amiamo i videogiochi, in famiglia). A volte arriva anche Uma, la gatta nera di papà. Non avendo goduto delle cure di una mamma gatta, Uma è convinta di essere una persona, il che dà vita a siparietti puntualmente esilaranti. Quando nota una carpa appena tirata fuori dall’acqua, si avvicina e inizia un curioso balletto che è un misto di confusione e di quell’istinto di caccia felino che non ha mai particolarmente coltivato. Insomma, pescare è per Michele e Giulia un momento familiare magico, fatto di calma, di chiacchierate e riflessioni, e sì, anche di cani e gatti che amiamo molto e che ci fanno compagnia.

Scavare nella memoria

Quando il prozio di Jon Ingold morì, il co-fondatore di inkle andò a casa del defunto per fare un giro nel solaio. Portò via con sé come ricordo un tavolino da gioco, alcuni mazzi di carte, dei blocchi segnapunti da bridge, e un pesante scrigno di metallo. Così pesante che ci vollero due persone per sollevarlo e portarlo via. E non voleva saperne di aprirsi. Sì, perché era chiuso da un pesante lucchetto dalla struttura particolare: la combinazione era formata da due lettere e due numeri. Il codice non si trovava scritto da nessuna parte – o almeno, così si credeva. Tanto che, da adolescente, Ingold si limitava a usarla come poggialampada. 

E poi iniziò a fantasticare sulla storia dello scrigno. Si convinse che doveva averlo costruito proprio il prozio, un ingegnere dal passato in parte misterioso. In famiglia si mormorava che avesse lavorato a Bletchley Park, la tenuta che fu sede dell’unità di crittoanalisi in cui grandi menti come Alan Turing, Max Newman e Bill Tutte riuscirono a decifrare il codice nazista della macchina Enigma, imprimendo una svolta favorevole agli sforzi degli Alleati nel corso del secondo conflitto mondiale. Tutti coloro che avevano lavorato lì in quel periodo furono obbligati dalla corona britannica alla più stretta segretezza per decenni. Il prozio di Jon Ingold non confermò mai, nemmeno ai familiari, di aver fatto parte del team di Bletchley Park.

La vita, si sa, fa giri strani. Certe volte, ne fa di stranissimi. Fu così che Ingold, forte della sua laurea in matematica conseguita presso l’Università di Cambridge, si ritrovò a fare da consulente per The Imitation Game (regia di Morten Tyldum, 2014), film dedicato alla travagliata vita di Alan Turing. Che, esattamente come Jon Ingold, era un matematico. E aveva fornito un contributo fondamentale alla decrittazione di Enigma. Ingold supportò Benedict Cumberbatch, che ricoprì il ruolo di Turing, e scrisse alcune formule matematiche da mostrare in alcune riprese del film, che in parte venne girato proprio a Bletchley Park. Mentre dava un’occhiata al luogo in cui (forse) aveva lavorato il suo defunto prozio, Ingold incappò in una raccolta di fotografie. Una mostrava un gruppetto di uomini e donne. In un angolino, una scritta: due lettere e due numeri. Li ritrovò scritti più e più volte nei blocchetti segnapunti appartenuti al prozio. Ingold non svela se era quello il codice giusto per aprire lo scrigno di metallo, ma nel suo racconto – chissà se e quanto romanzato – sembra indicare che fosse proprio così. Quel codice si è trasformato in un videogioco: TR-49.

DELL'INGANNO

Il concetto di “sospensione dell’incredulità” sottintende l’implicito accordo che, nella cornice di un’opera di fantasia, viene stipulato fra autore e fruitore perché elementi platealmente implausibili mantengano una sembianza di credibilità. A oltre due secoli dalla coniatura formale della locuzione, attribuita al poeta e filosofo Samuel Taylor Coleridge, questa intesa continua a essere uno dei requisiti fondamentali per l’immersione in opere multimediali che, in un modo o nell’altro, deviano dai canoni della realtà. L’essenziale è che l’ensemble mantenga una certa coerenza interna, e che la natura della finzione non trascenda bruscamente la soglia liminale, arrivando a spezzare l’incanto. Il “patto” ravvisato da Coleridge presuppone insomma che l’inganno possa essere un dispositivo prezioso per un qualsiasi costrutto creativo, a condizione che questo aggiunga valore all’esperienza offerta al pubblico. Una fondamentale clausola che può essere facilmente svincolata dal concetto di “sospensione dell’incredulità”, nel caso cui un’opera sia valorizzata da menzogne di cui il fruitore non ha alcuna contezza preventiva.  

D’altronde, nel mondo dei videogiochi, abbiamo più volte assistito ad articolati esercizi di raggiro e depistaggio, tali da sovvertire le aspettative degli utenti per condurli verso orizzonti tanto inattesi quanto memorabili, talvolta latori di profonde verità. Ci sono dunque casi in cui mentire al giocatore non comporta la frattura del vincolo fiduciario stretto con l’autore, ma l’esatto opposto.

Un volo senza tempo nello spazio

Il Vascello non se la sta passando bene. Molte delle unità robotiche che lo animavano sono ormai inattive da tempo. Gram, uno dei robot della gigantesca nave spaziale, racconta a MIO di aver ricevuto l’ultimo ordine ormai settecentotrentadue anni fa. E non gli sembrava che quel comando brillasse per senso logico. “A questo punto si potrebbe dire che battere la fiacca è un comando divino”, aggiunge sornione. 

Quella di MIO: Memories in Orbit è soltanto una delle arche spaziali che abbiamo esplorato negli ultimi anni attraverso la lente dei metroidvania. A inizio 2024 era stata la volta di Ultros, uno degli esponenti più freschi e originali di un genere che fin troppo spesso tende a replicarsi più o meno uguale a sé stesso, con stilemi e codici fin troppo riconoscibili. L’opera di Hadoque – pubblicata da Kepler Interactive – è stata amata dalla critica, ma non ha ottenuto un buon riscontro da parte del pubblico. Andrea l’ha efficacemente descritta come “uno strano ibrido tra un metroidvania spaziale, un roguelite, un gardening game e un inquieto trip lisergico ambientato in una nave spaziale gigantesca alla deriva nello spazio profondo”: non avrei saputo scriverlo meglio. Comunque, il discreto insuccesso di Ultros non ci fa temere per la buona salute delle finanze del suo publisher, che si è rifatto (con gli interessi) con un certo Clair Obscur: Expedition 33

Ecco, MIO ha un approccio decisamente minimalista, rispetto al massimalismo dell’estetica – e anche del game design – di Ultros. È frutto di oltre cinque anni di lavoro di Douze Dixièmes, piccolo studio francese con sede a Saint-Ouen che ha alle spalle la creazione di Shady Part of Me, uscito nel 2020. Esce in un momento storico particolare: Hollow Knight: Silksong ha scritto una pagina imprescindibile nel mondo dei metroidvania – e non solo. 

Quando l'orrore diventa analogico

Alien: Romulus non è un bel film. O meglio, ho visto di peggio (a volte tragicamente molto peggio), ma non è esattamente il primo lungometraggio a cui penso quando devo consigliare della fantascienza a qualcuno. C’è però un elemento che mi fa impazzire: la sua estetica retrofuturistica. Quello che Fede Alvarez e il suo team sono riusciti a fare è stato ricostruire un mondo che, nel 2024, fosse perfettamente coerente con le suggestioni estetiche dei primi capitoli della serie, centrando di fatto l’immaginario della serie sulle idee che Ridley Scott e il set designer Micheal Seymour misero su pellicola nel 1979. Al di là del mio feticcio per un certo tipo di tecnologia, in particolare i televisori a tubo catodico, credo che certe ambientazioni sci-fi retrò possiedano un fascino intrinseco unico, figlio di un modo molto preciso di intendere il futuro. Film come Alien e Blade Runner hanno infatti raccontato mondi estremamente lontani da quello a loro contemporaneo senza però mai distaccarsene in maniera netta. L’interno della Nostromo, così come le strade di Los Angeles ai piedi delle ziggurat della Tyrell corp. sono sporchi, imperfetti, vissuti, lontanissimi dalla perfezione asettica raccontata da altre opere di iperfantascienza. Romulus fa la stessa identica cosa ma a più di quarant’anni di distanza, raccontando quello che per il pubblico è un futuro ormai passato e decadente. È un domani che fa schifo quanto l’oggi, per certi versi lontano ma corrotto e decadente quanto il presente a cui siamo tutti fin troppo abituati. 

Alien Isolation, nel 2014, riuscì egregiamente a riproporre lo stesso tipo di atmosfera in formato videoludico, diventando immediatamente una pietra miliare dell’horror sci-fi sia per il rispetto con cui si rapportava al franchise sia per il modo in cui tradusse in survival horror la visione originale di Ridley Scott. Pochi sanno, però, che ben due anni prima, alla Gamescom del 2012, il microscopico team indipendente Lunar Software aveva già presentato un videogioco che anticipava nelle idee il capolavoro di Creative Assembly. Routine si mostrò quindi per la prima volta a pochi mesi dall’apocalisse maya che tenne banco per mesi sulle bacheche Facebook di mezzo mondo, promettendo al pubblico una pubblicazione prevista nel corso del 2013, poi sparì nel nulla. Il progetto venne prima messo in ghiaccio e poi cancellato apparentemente per sempre a causa delle enormi difficoltà nello sviluppo e non se ne seppe più nulla per dieci anni buoni. Poi, quasi per miracolo, nel 2022 tornò a farsi vedere sul palco della Summer Game Fest e oggi, a distanza di dodici anni dal primo trailer, posso dire che nonostante tutto è valsa la pena attendere: Routine è uno dei survival horror più interessanti degli ultimi anni.

L'intimità inattesa del pianoforte solo

Il 15 Dicembre 2025, nella cornice romana del Teatro Brancaccio, ho avuto modo di assistere al concerto “Echoes of Light” della leggendaria compositrice Yoko Shimomura, con la collaborazione del pianista Benjamin Nuss. Il primo elemento di grande interesse di questo concerto era, finalmente, la quasi inedita possibilità di ascoltare un repertorio di colonne sonore da videogame eseguito da un pianoforte solista. Nell'era delle colonne sonore videoludiche eseguite da orchestre sinfoniche che riempiono auditorium con ottoni squillanti, archi imponenti e percussioni roboanti – penso ad esempio ai concerti della serie "Distant Worlds" – l'idea di assistere a un concerto per pianoforte potrebbe sembrare ai non addetti ai lavori quasi anacronistica, persino riduttiva. Come potrebbe un singolo strumento, per quanto nobile, catturare la vastità epica e la complessità orchestrale che caratterizza alcune tra le più importanti composizioni videoludiche di sempre?

È tutta una questione di prospettiva

Se un albero cade nella foresta, ma nessuno si trova lì, fa rumore? 

Recita così uno dei più celebri koan del Buddismo Zen. I koan sono affermazioni utilizzate per canalizzare la mente verso la pratica meditativa: problemi senza soluzione, storie che interrogano profondamente l’intelletto e l’animo umano, o riflessioni da integrare poi nelle occupazioni della vita quotidiana. Le domande dei koan raramente trovano risposte definitive: sono strumenti che solitamente non fanno altro che generare nuove domande, svelando punti di vista a cui non si era pensato – con il disvelamento di angoli nascosti della realtà.  

Anni fa, Fez ebbe su di me un effetto simile a quello di un koan. Uscito ormai quasi quindici anni fa, il videogioco nato dalla visione creativa di Phil Fish, con protagonista il piccolo Gomez, fu una rivoluzione copernicana per il mondo dei videogiochi. Erano anni diversi, anni in cui le produzioni videoludiche che definiamo “indie” si stavano ancora affermando sul mercato, come ci ha raccontato Francesco Toniolo nel suo approfondimento dedicato alla storia dei videogiochi indie. Rivoluzione copernicana, dicevo: perché il Fez magico permetteva a Gomez di vedere in tre dimensioni il suo mondo bidimensionale. E come si traduce tutto questo sul piano ludico? In una meccanica di rotazione della prospettiva di novanta gradi con la pressione di un tasto. Ecco che compaiono caverne, passaggi segreti, oggetti, personaggi, nuovi enigmi da risolvere per raggiungere l’obiettivo finale: ricomporre l’Esaedro che, disintegrandosi, ha fatto comparire dei buchi neri che minacciano la sopravvivenza stessa del mondo di Gomez.

LETTERS FROM THE PAST

Negli ultimi anni, il mondo dei videogiochi si sta confrontando spesso con il tema della memoria. E tra le riflessioni più interessanti vi sono quelle di sviluppatori provenienti dal sud-est asiatico. È il caso di 1000xRESIST, che sfrutta la fantascienza per dissezionare l’elaborazione individuale e collettiva del trauma legato alla repressione delle proteste di Hong Kong del 2019-2020. Non a caso, il Creative Director del capolavoro di sunset visitor, originario proprio di quella città, fa parte di un collettivo artistico da lui co-fondato che porta il nome Hong Kong Exile. A dimostrazione del fatto che l’identità non si lava via con un colpo di spugna. Un lavoro più astratto, ma sempre incentrato sul tema della memoria, è stato portato avanti da SEASON: A Letter to the Future. Viene poi automatico citare What Remains of Edith Finch, tutto incentrato sulle esperienze familiari e sulla rievocazione delle vite (e delle morti) di ciascun membro della famiglia Finch mano a mano che la giovane Edith esplora le stanze della casa di famiglia abbandonata. E questo stesso espediente narrativo – l’esplorazione della casa d’infanzia, da tempo vuota – è il punto di partenza di Undusted: Letters from the Past. 

Undusted proviene dal Sud Corea, precisamente da 5minlab Corporation, società controllata dal gigante Krafton. Il publisher di Undusted, invece, è indonesiano: si tratta di Toge Productions, autori della celeberrima serie Coffee Talk (vi ho parlato di recente del prossimo Coffee Talk Tokyo in un’intervista alla Narrative Designer Anna Winterstein). Negli ultimi anni, Toge Productions ha saputo scegliere saggiamente anche i progetti per cui fungere da editore. Basti pensare all’eccellente A Space for the Unbound, un’avventura di coming of age ambientata in una versione magica e sovrannaturale dell’Indonesia rurale di fine anni Novanta. Realtà come Toge Productions e 5minlab Corporation sono un’ottima dimostrazione della forte crescita dell’industria videoludica del sud-est asiatico negli ultimi anni, ormai non soltanto confinata al supporto delle produzioni tripla A occidentali e giapponesi, ma sempre più affermata nella creazione di prodotti proprietari, spesso con specificità notevoli legate al territorio di provenienza, che si afferma come centrale nella costruzione del contesto e delle narrazioni dei videogiochi in questione.

THE SÉANCE OF BLAKE MANOR

Diciamo che non mi ha sorpreso trovare, nascosta sotto al letto di uno degli ospiti di Blake Manor, una copia stropicciata di Frankenstein o il moderno Prometeo di Mary Wollstonecraft Godwin, più nota come Mary Shelley. Devo dire la verità: me lo aspettavo sin dal momento in cui ho messo piede in quell’albergo grigio nel Connemara, contea occidentale di Galway, Irlanda. La promessa di un temporale all’orizzonte illuminava occasionalmente il cielo di un fuoco bianco, e ad accogliermi c’era stato solo il fantasma di una donna che mi guardava da dietro il bordo sbeccato di una fontana in pietra. 

Non sono rimasto per niente sorpreso, ma mi sono chiesto se la signora Shelley potesse immaginare di aver scritto un libro che, a secoli di distanza, sarebbe apparso in un videogioco. La domanda è sciocca, come lo sono tutte le domande retoriche, ma è un buon espediente per partire dalla notte in cui quel libro è nato. C’era sempre un temporale all’orizzonte – o almeno così racconta la leggenda – che illuminava il cielo sopra Villa Diodati, la dimora di Lord Byron, in quell’occasione in cui Mary Shelley raccontò l’ossessione umana per la scienza, la vita e la morte, cambiando così la concezione del romanzo gotico.

Ecco, “gotico” è una delle parole chiave necessarie per raccontarvi The Séance of Blake Manor, titolo che chiude un anno straordinario di produzioni Raw Fury. Le altre due parole chiave sono “folk” e “horror”. In fin dei conti questo è proprio un videogioco che ha a che fare con le parole chiave: è un investigativo che ci mette nei panni di Declan Ward, professione detective. È il 1987. Ward arriva a Blake Manor con un piccolo bagaglio, una foto di miss Evelyn Deane e un’anonima lettera d’ingaggio: venga in questo albergo dimenticato da dio, scopra la sua tragica vicenda e ritrovi Evelyn Deane, scomparsa in circostanze oscure. Un detective come Ward non dice mai di no a una bella storia. Quando varca la soglia della villa ha già con sé un bel fagotto di misteri su cui indagare, e non ha idea di quanti altri ne arriveranno a breve.

La parte più difficile non è parlarne

“I tuoi giochi vengono da te; dovrebbero contenere te” 
Anna Anthropy, Rise of the Videogame Zinesters: How Freaks, Normals, Amateurs, Artists, Dreamers, Drop-outs, Queers, Housewives, and People Like You Are Taking Back an Art Form, Seven Stories Press, 2012

“La cotogna andò a cercare 
fin laggiù nella metropoli 
ma tre anni fu lontano... 
Tornò infine con la mela 
ma trovò il suo funerale”. 

Žute dunje iz Stambola” (“Le gialle cotogne di Istanbul”),  
canzone popolare balcanica tratta da “La cotogna di Istambul” di Paolo Rumiz.

In salute e in malattia

Ti fidi di me? Se sì, fatti un regalo e procedi come segue. Prenditi un’ora del tuo tempo in una giornata in cui non sei oberata o oberato dagli impegni. Poi apri lo store di Steam o di Nintendo, a seconda della piattaforma di tua preferenza – PC, Mac, o Nintendo Switch – e acquista and Roger. A prezzo pieno costa 4.99 euro. Ora, chiudi questa mia recensione e giocalo. Per quanto mi riguarda, ho avuto un’esperienza impeccabile su Steam Deck. 

Puoi anche scegliere di continuare nella lettura, ma sappi che non parlerò del tema posto al centro del videogioco di TearyHand Studio, nome con cui si firma lo sviluppatore giapponese Yona. Svelare il mistero al centro di and Roger sarebbe un grave disservizio nei confronti di un’esperienza ludica che gravita tutta intorno alla confusione generata dal mettere il giocatore in medias res in una situazione praticamente mai rappresentata all’interno di un videogioco. Di certo, mai rappresentata così. Se si può parlare di “rappresentazione”, che è un termine un po’ freddo, che pone una distanza, uno iato tra chi guarda e chi, o cosa, viene guardato. Al contrario, and Roger mira proprio a cancellare quel distacco, a gettare un ponte verso un luogo che molti hanno imparato a conoscere nel loro vissuto familiare, ma che è incredibilmente difficile far vivere e comprendere.

Big talk on Small Talk

Studio Z ospita Boredome, uno show in cui un gruppo di adolescenti – palesemente adulti con addosso trucco di dubbio gusto – si annoiano a parlare di fronte alle telecamere. A volte stanno zitti e basta. Nel programma Small Talk, la conduttrice Gidget ospita le personalità di spicco del pianeta per interviste brevi, brevissime. Appena qualche decina di secondi – anche perché l’attenzione del pubblico è quella che è, e sembra essere un problema diffuso in ogni angolo dello spazio. La sensitiva Barbara e il suo terzo occhio gestiscono Psychic Weather, in cui il meteo non prevede gli andamenti del tempo atmosferico, ma dell’anima di chi sta guardando il televisore. E poi c’è Tantric Computing, che... insomma... andrebbe visto e ascoltato, e di certo non descritto. 

Questa è un’ordinaria esperienza di zapping su Blippo+, un videogioco che si muove sui bordi del concetto di “gioco” per creare un esperimento creativo assolutamente unico. A partire da un qualcosa che, di per sé, è davvero poco interattivo e che, quindi, sembrerebbe molto lontano dall’idea stessa di “gioco”: guardare la televisione. L’unica forma di interazione che il pubblico ha nell’intrattenimento televisivo è la pressione dei tasti del telecomando. Blippo+ parte da qui per raccontare la storia di un pianeta, chiamato Blip, delle cui trasmissioni televisive, per qualche ragione, riusciamo a catturare spizzichi e bocconi sulla Terra. In altre parole, conosciamo una civiltà da ciò che la sua popolazione vede nello schermo televisivo. E c’è di tutto: sessioni di improvvisazione poetica; una sorta di strampalato Televideo; passeggiate nella natura con coltello e ascia alla mano (!); e una soap opera con la stessa attrice in tre ruoli diversi (!!).

I videogiochi indie più interessanti di Gennaio 2026

Le vacanze natalizie sono ormai alle porte, ma il mercato videoludico non si ferma, e lo stesso vale per Radar. Dicembre è un mese tradizionalmente sonnacchioso a livello di uscite – soprattutto nella seconda parte – ma gennaio spesso recupera alla grande, con gli interessi. E sembra che succederà così anche nel 2026 in arrivo, tanto che Radar si adegua e per il mese entrante vi propone ben cinque giochi, anziché i soliti quattro, con una notevole differenziazione a livello di generi: puzzle game con un pizzico d’azione, metroidvania, GDR, e poi simulatori di arrampicata e investigativi. Insomma, ce c’è per tutti i gusti: quale modo migliore per aprire il 2026? A proposito: auguri di buon anno nuovo da me e da tutta la redazione di FinalRound, di cui – se volete – potete acquistare o regalare l’abbonamento per la versione cartacea! Grazie di cuore per il vostro supporto! 

Accendete il vostro radar: si parte!

La notte dei morti viventi

È ormai comune dire che certe cose sono così brutte che fanno il giro. Ma che giro fanno, e dove vanno a finire nel nostro immaginario collettivo, di preciso? Ripenso a Le Notti del Terrore (regia di Andrea Bianchi, 1981), uno dei tanti film di serie (decisamente) B che ho scoperto grazie al canale YouTube di Yotobi. C’è un gusto tutto particolare a osservare gli attori maldestramente travestiti da zombie etruschi che invadono una villa e terrorizzano gli uomini e le donne qui riuniti. Memorabile la scena della ragazza che, tramutata in zombie, si pappa tutta contenta un grosso tocco di carne umana, ricoperta di sangue finto che più finto non si può. Per non parlare del finale, in cui un’orda di zombie vestiti di tutto punto da frati stermina gli ultimi sopravvissuti all’interno di un monastero. 

Le Notti del Terrore fa parte di quel filone di “horror zombofilo” che fa capo all’illustre precedente di La Notte dei Morti Viventi (regia di George A. Romero, 1968), una rivoluzione vera e propria nella storia del cinema, e dell’orrore in generale. Un orrore che non viene ambientato in lontani castelli vittoriani o nel (presunto) passato oscuro del Medioevo, ma nelle strade delle città statunitensi, nella quotidianità, nella vita ordinaria della classe media. La Notte dei Morti Viventi fu anche un momento fondante nella riscrittura della figura dello zombie, caposaldo nel folklore voudou haitiano. Se vi va di approfondire l’argomento e conoscete bene il francese, vi consiglio di recuperare il catalogo della mostra Zombis. La mort n’est pas une fin? (Gallimard, 2024), tenutasi a cavallo del 2024 e del 2025 nel Musée du quai Branly – Jacques Chirac di Parigi. È un libro straordinario e scoprirete cose assurde su come gli “zombis” haitiani hanno conquistato il mondo e l’immaginario collettivo.

È così che ti manipolano: la scienza del clickbait nei videogiochi (la numero 4 ti sconvolgerà)

Considerando il punto di accesso a questo contenuto, ovvero un portale fondato su pratiche editoriali il più possibile etiche e trasparenti, immagino abbiate colto al volo l’intento provocatorio\didascalico del titolo in testa all’articolo. Si tratta di un insulso concentrato di tecniche manipolatorie in forma testuale, le stesse sversate “ad libitum” sugli approdi di gran parte delle testate online e delle piattaforme video col preciso intento di catturare l’attenzione della platea, e questo al di là dell’effettivo valore delle informazioni al centro dell’elaborato. 

Le ragioni di questa tendenza, sempre più dilagante, sono lampanti: l’editoria digitale misura il proprio successo in “click”, e questo nel quadro di un ambito estremamente competitivo, affamato di risorse e inevitabilmente predatorio, almeno per quel che riguarda la competizione settoriale. Per nutrire la macchina è dunque imperativo stimolare l’interesse dell’utenza, nella cornice di un panorama che si barcamena fra ciclici fortunali d’hype e lunghe parentesi di bonaccia: periodi in cui la necessità di riempire le pagine si scontra con la diffusa scarsità di notizie davvero stimolanti, almeno per i parametri del grande pubblico. A onor del vero, sensazionalismi e ambiguità sintattiche hanno sempre trovato spazio fra le maglie del giornalismo, ma dagli anni duemila in poi abbiamo assistito a una progressiva sovrapposizione fra i linguaggi della stampa e del marketing, indissolubilmente legata all’ascesa dei cosiddetti “new media”. 

Malgrado i toni un po’ caustici di questa premessa, ritengo che sia semplicistico vincolare il discorso a questioni puramente etiche o deontologiche, specie considerando quanto vacue e strumentali possano farsi queste coordinate a seconda del contesto e del momento. Credo sia meglio imperniare il dibattito su altre basi, delineando in primis quelle che sono le logiche, le tecniche e le leve psicologiche alla base del “clickbaiting”.

il dialogo sotterraneo tra Death Howl e L’inconsolabile di Cesare Pavese

Il dolore della perdita di qualcuno a cui abbiamo voluto bene, il percorso della malattia e della dipartita nella nostra società avanzata è, ancora oggi, un tabù. Una zona d’ombra dei nostri discorsi, imbellettata da formule attenuanti come “l’ha portato un brutto male”, “si è spento questa notte”, “non penso abbia sofferto”. Eppure, il lutto, il dolore della perdita, è parte integrante dell’esperienza di ognuno di noi. Anzi, forse se c’è qualcosa che veramente ci accomuna, qui ed ora, su questa ruvida terra, è l’aver perso qualcuno, prima o dopo. Non fa differenza. 

È in quest’area liminale, proibita da convenzioni che celebrano la vita e occultano la morte, che opere come Death Howl, il recente gioiello di 11Bit Studios, si inseriscono alla perfezione. Quello che, a conti fatti, è un brillante deck-builder che combina una sapiente mistura di elementi soulslike e combattimenti tattici a turni su griglia, si rivela soprattutto un modo per riflettere su queste intermittenze del cuore. La protagonista, Ro, è una sorta di riscrittura della mater dolorosa della tradizione cristiana. Ma se quest’ultima accoglie il fato e, nel dolore, rispetta l’ordine delle cose, Ro invece infrange la linea tracciata.

The Game Awards Edition 2025

Ormai tutti conosciamo i cosiddetti “cozy games”, espressione-ombrello che ricomprende al suo interno una variegata galassia di videogiochi non destinati a un pubblico hardcore, bensì studiati per rispondere ai gusti di giocatrici e giocatori alla ricerca di esperienze che, in diversi modi, mirano a risultare “rilassanti”. Simbolo per eccellenza di questo genere (anzi: contenitore) è forse Stardew Valley, ma il settore dei “cozy games” non si riduce ai simulatori di fattoria, come dimostra la selezione operata da Wholesome Games nello show Wholesome Snack: The Game Awards Edition di quest’anno. Esattamente come il Day of the Devs, anche questo piccolo evento fa da “spalla” alla serata principale dei TGA per portare avanti una selezione di videogiochi indipendenti provenienti da piccoli studi, presentati da content creator che portano online questi titoli nel loro lavoro quotidiano. 

Come è consuetudine per Wholesome Games, l’organizzazione ha proposto una lista che include world premiere e aggiornamenti su videogiochi già annunciati, più uno shadowdrop finale: il rhythm game Bits&Bops che, guardando alla lezione dell’ottimo Melatonin, ha già guadagnato centinaia di recensioni entusiastiche su Steam. E, come è ormai abitudine qui su FinalRound, dal canto mio desidero segnalarvi i titoli che ho trovato più meritevoli d’attenzione: sapete quanto amo arricchire le vostre wishlist!

Un sabato intero. È grosso modo il tempo che mi è servito per provare tutti i videogiochi italiani presenti alla Milan Games Week & Cartoomics 2025. A voler essere proprio precisi, ne ho giocati un paio anche il venerdì e la domenica, ma è stato il sabato il giorno che ho dedicato quasi interamente ai videogiochi indie. Ce n’erano anche un paio realizzati da team esteri, ma visto che la stragrande maggioranza era realizzata da sviluppatori italiani ho deciso di soffermarmi su di loro, all’interno di questo articolo.

Il sonno della ragione che genera mostri

L’insonnia è una brutta bestia. Nel mio caso è stata una coinquilina scomoda con cui ho convissuto a lungo, una di quelle che fuma in cucina, si rifiuta di lavare i pavimenti e invita di continuo i suoi amici insopportabili in casa. Quando non dormi il mondo cambia faccia; il tempo si dilata, il silenzio diventa un rumore insopportabile, la veglia si trasforma in uno strano senso di colpa fastidioso. Non so se lo sapete, ma quando non si dorme per periodi veramente lunghi il cervello comincia lentamente a spegnersi per qualche istante anche mentre siamo svegli: qualcuno processa questi spegnimenti come mini blackout, altri come vere e proprie allucinazioni visivo-uditive. In entrambi i casi, posso assicurarvelo, non la migliore delle sensazioni. Non vi dico la gioia di quando ho scoperto con orrore che il mio ritmo sonno veglia completamente impazzito ha deciso di trasformarsi in paralisi ipnagogica.  

Dopo il discreto Fear the Spotlight, Bloomhouse Games ci riprova con Sleep Awake, un nuovo titolo da aggiungere alla line up di esperienze horror di un publisher tanto piccino quanto determinato a diventare un punto di riferimento per l’orrore autoriale nel campo dei videogiochi. Fin qui non si può certo dire che l’ex casa cinematografica abbia colpito nel segno con le sue produzioni, però devo ammettere che ammiro molto l’ambizione di volersi ritagliare uno spazietto di rilevanza all’interno del panorama horror. Sleep Awake punta decisamente più in alto di Fear the Spotlight: è un videogioco pieno di segmenti live action molto artistoidi (che da laureato al DAMS non posso che apprezzare), di idee intriganti e, soprattutto, coinvolge Robin Finck dei Nine Inch Nails alla colonna sonora. Mica pizza e fichi. 

Si tratta di un’opera decisamente sperimentale, un walking sim disperato che esplora ciò che separa il sonno dalla morte.

GIORNI DI UN FUTURO PASSATO IN 8-BIT

Sull’orlo del discorso: titolo e tensione simbolica

Il videogioco The Edge of Allegoria evoca già da sé un’apertura doppia: edge, il margine, il confine; e, giustappunto, allegoria, il linguaggio che parla “d’altro”, lo sguardo che, osservando una cosa, si riferisce a un’altra.

Come diceva Foucault, “dare i nomi alle cose è, sempre, un atto di potere”, e ammetto che questo videogioco, proprio a partire dal titolo, mi ha subito intrigato. Già perché l’operazione è esplicitamente metanarrativa: il giocatore non entra solo in un mondo retrò, ma in un universo che è perfettamente conscio di essere retorico, simbolico, entro cui il gioco diventa strumento di riflessione sulla memoria, sull’identità e sul tempo.

La “soglia”, suggerita da edge, è anche quella tra il gameplay e il senso, tra l’esperienza e la lettura. Io sono convinto che un tipo come Bolaño avrebbe certamente apprezzato.

DAY OF THE DEVS

THE GAME AWARDS EDITION 2025

Il 2025 volge alla fine, ed è tempo di bilanci. E anche di gettareuno sguardo al futuro. Come di consueto, Double Fine Productions eiam8bit sono tornati sui nostri schermi con l’edizione invernaledel Day of the Devs, lo show che due volte l’anno celebra il mondodello sviluppo indipendente e lascia il microfono in mano aglisviluppatori, chiamati a raccontare le opere a cui stanno lavorando aun vasto e appassionato pubblico. L’iniziativa è nata ben tredicianni fa, prima dei The Game Awards, e fin dall’inizio fornisce unavetrina e un supporto preziosi ai dev che decidono di affrontarel’industria dei videogiochi senza lo scudo di una grande aziendaalle spalle. 

Oggi il Day of theDevs opera come una organizzazione non profit e viene supportato dasponsor e donazioni dal basso, incoraggiate dalla loro pienadeducibilità fiscale, secondo la legge statunitense, che di controimpone a questo tipo di enti continui controlli e imponenti obblighidi trasparenza finanziaria. Esattamente come un anno fa, lo show èstato “scorporato” rispetto ai TGA, programmati per il giornosuccessivo. In passato, l’accorpamento dei due eventi – il Day ofthe Devs prima, i TGA subito dopo – garantiva forse una maggiorevisibilità allo show creato da Double Fine Productions e iam8bit. Aprescindere da ciò, il Day of the Devs resta uno degli appuntamentipreferiti qui in casa FinalRound (per dirne una: nell’edizione TGAdello scorso anno, uno dei protagonisti era stato quel capolavoro cherisponde al nome di BluePrince), e anche in questa edizione non ha deluso chiattendeva uno show scoppiettante, originale e pieno di sorprese.

POWER PACK

3 Novembre 1990. 

Sir Jackie Stewart, tre volte campione del mondo di Formula 1, si siede di fronte ad Ayrton Senna e intavola una delle interviste più celebri della storia del motorsport. Stewart incalza il brasiliano, tenta di metterlo all’angolo, accusandolo in maniera neanche troppo sibillina di aver tamponato di proposito Alain Prost per eliminarlo e aggiudicarsi il suo secondo titolo mondiale. A un certo punto Senna, gelido, pronuncia quella che è diventata forse la singola frase più famosa di sempre: “If you no longer go for a gap, you’re not a racing driver”. Senna sapeva di essere nel torto, tant’è che un anno dopo ammise di sentirsi terribilmente in colpa per quel gesto tanto sconsiderato, ma al pubblico questo non è mai importato. Quella risposta glaciale è diventata un dogma dell’automobilismo, il più sacro dei comandamenti delle corse. 

Se nella vita hai deciso di svagarti sedendoti all’interno di un tubo con quattro ruote capace di raggiungere i trecento kilometri all’ora in un battito di ciglia, dopotutto, non sei davvero normale.

DISPATCH

Non riesco a definire con precisione il momento in cui è successo, ma a un certo punto della mia vita ho semplicemente cominciato a malsopportare i supereroi. E dire che gli spillati di Spider-Man di papà, in un modo o nell’altro, li ho sempre letti con un certo interesse. Il fatto è che sono anni che mi guardo attorno e mi ritrovo circondato da omini in calzamaglia che salvano il mondo in tutte le salse e… mi annoio terribilmente. La colpa è, almeno in parte, mia e della mia odiosa attitudine che mi porta da sempre a disinteressarmi da tutto ciò che tende a piacere alle grandi masse. Quando tutti erano in visibilio per Avengers: Endgame io ero rintanato nel mio antro a pensare ai miei amatissimi film coreani, considero i Batman di Nolan dei filmetti buoni solo per le citazioni spigolose da uomini vissuti che hanno regalato alle bacheche di Facebook anni orsono, e soprattutto considero lo “Snyder Cut” di Justice League la versione ancora più noiosa di uno dei film più noiosi che abbia mai visto in vita mia. Sono un edgy del cazzo, per farla breve.  

Nonostante questo, però, credo fermamente nel fatto che l’assedio multimediale operato da Marvel e soci nei confronti di cinema, serie tv e videogiochi sia espressione diretta della delirante deriva di un consumismo culturale senza precedenti. Che i comics siano sempre stati prima di tutto prodotti da vendere al pubblico non è certo un segreto, ma quando ho iniziato ad assistere alla moltiplicazione di amici e creator che si fiondavano in sala a vedere paccottiglia indifendibile solamente per potersi gustare scene post-credit utili solamente a fomentare dibattiti su chi sarebbe apparso nella prossima paccottiglia indifendibile mi sono sentito morire un po’ dentro. Non che pretenda che si sia tutti fan accaniti del montaggio analogico, chiaro, però almeno concedetemi il lusso di potermi lamentare della rumenta con le tutine colorate che infesta da anni l’intrattenimento di tutto il mondo. 

I miei complimenti a Disney, comunque, per essere riuscita a vendere al pubblico l’idea che un lungometraggio sia l’apostrofo rosa che sta fra i trailer dei prossimi duecento film sui supereroi.

LEGACY COLLECTION

Quello che sta facendo da qualche anno Digital Eclipse è raccontare le storie che hanno fatto i videogiochi e che quindi, di fatto, diventano parte dei videogiochi stessi. Con la Gold Master Series e il modello di documentario interattivo, che ha debuttato nel 2022 con Atari 50, lo studio californiano ha trovato il modo di tenere assieme parole, immagini e interazioni, in una mirabile e nuova sintesi di ciò che costituisce un videogioco. Il segreto non è solo nell’aver individuato e poi rifinito un’interfaccia utente e una filosofia alla base della presentazione dei contenuti che abbia un senso, quando si ha un controller tra le mani, ma anche nel capire quali siano le storie che meglio si adattino al formato. Mortal Kombat Legacy Kollection è una scelta perfetta e il documentario interattivo di Digital Eclipse diventa una benedizione per la serie di picchiaduro, tanto quanto la serie di picchiaduro lo è per le ambizioni del documentario interattivo. Un matrimonio celebrato in cielo, direbbero da quelle parti sbagliando. Una carneficina che si consuma sul fondo di un pozzo pieno di cadaveri, andrebbe detto quando si parla di Mortal Kombat.

La fortuna di vivere da essere umano

“Questo gioco contiene scene di violenza fisica, abusi psicologici, immagini cruente (mutilazioni, sangue), rappresentazioni di schiavitù, torture fisiche e psicologiche, abusi domestici, aggressioni sessuali, suicidio e misoginia. 

L’inclusione di questi elementi ha lo scopo di rappresentare e caratterizzare un mondo di finzione e i suoi abitanti altrettanto di finzione. La presenza di questi elementi non ne costituisce un’approvazione, né riflette le convinzioni e i valori di chi ha creato il gioco. 

Questo gioco presenta situazioni angoscianti e moralmente disturbanti. In alcuni passaggi, la progressione della storia potrebbe richiedere azioni in conflitto con i personali valori di chi gioca, tra cui la partecipazione a forme di aggressione, coercizione o violenza fisica. 

Alcune scene contengono inoltre suoni, come masticazione e deglutizione, che potrebbero risultare sgradevoli a persone con particolari sensibilità uditive o fobie correlate. I dialoghi dei personaggi includono infine riferimenti a traumi psicologici che potrebbero risultare spiacevoli, in particolare per chi può aver avuto esperienze simili in passato. 

Si consiglia il gioco a un pubblico adulto. Se ti senti a disagio durante il gioco, ti preghiamo di valutare di interromperlo e cercare conforto in persone di cui ti fidi” 

- Disclaimer del team di sviluppo sui contenuti di HORSES

I VIDEOGIOCHI INDIE PIÙ INTERESSANTI DI DICEMBRE 2025

Il Natale si avvicina, e Radar si appresta a spegnere due candeline: grazie per l’affetto con cui l’avete accolta fin dall’inizio. È (quasi) tempo di chiudere simbolicamente l’anno con la serata dei The Game Awards – a tal proposito, spero che la trascorrerete in nostra compagnia al Notorious Cinema Centro Sarca di Sesto San Giovanni. Trovate informazioni e biglietti qui. E, visto che le vacanze natalizie sono ormai a stretto giro, vi ricordo che è il momento perfetto per sfoltire il backlog e recuperare qualche gemma indie che avevate lasciato indietro nel corso dell’anno. Come al solito, vi darò una mano nella scelta, e anche questo mese – come sempre – ci sarà molto di cui discutere. Con Radar ci rivedremo ad anno nuovo. 

Accendete il vostro radar: si parte!

RECENSIONE

La coda lunga dell’estate è stata segnata per tante e tanti da uno dei metroidvania più inclementi degli ultimi anni: Hollow Knight: Silksong. Team Cherry ha domandato tanto al suo pubblico, e la reazione è stata... mista, direi. Girare per Lungitela non è uno scherzo. Ma, come sapete, ho spezzato con convinzione una lancia in favore della difficoltà di Silksong, delle meraviglie che si celano nascoste dietro un muro che, piano, piano, con impegno, possiamo riuscire a demolire mattone per mattone. Ecco, il – frequentatissimo – genere dei metroidvania accoglie in sé esperienze più o meno accomodanti e che, peraltro, ben si prestano a raccontare anche storie con una forte attinenza alla vita reale. Che è un po’ un metroidvania, a pensarci bene: si esplora, si va avanti, a volte si torna pure indietro, si cresce (e, auspicabilmente, si matura), si prende a cazzotti quell’ostacolo che ci aveva dato tanto filo da torcere, si vince, si perde, ci si lecca le ferite, si ricomincia. 

Questo canovaccio, dicevo, può essere applicato con maggiore o minore intransigenza. Aprirsi a un pubblico più ampio, o custodire gelosamente l’esperienza per chi vorrà mettersi di buzzo buono a sbagliare, sbagliare ancora, e infine riuscire nell’intento? Sono considerazioni complesse, e la difficoltà va (anche) letta come uno strumento di design. Tenendo bene a mente che solo un sistema ludico avvincente nel complesso potrà convincere i giocatori a mantenere le mani incollate sul controller dopo l’ennesima sfida alla loro forza di volontà. E questo Blue Backpack lo sa bene, e lo ha dimostrato con il suo primo metroidvania, Constance, arrivato giusto a qualche settimana di distanza dall’eccellente avventura narrativa The Berlin Apartment, sviluppata da un altro team in seno al medesimo studio. Del fertile milieu culturale in cui vive Blue Backpack e del collettivo di sviluppatori di videogiochi Saftladen vi ho già parlato nella recensione di The Berlin Apartment: vi consiglio di leggerla prima di approcciare questa recensione, in modo tale da avere un inquadramento più chiaro su come e dove nasce Constance.

O di come amare il proprio lavoro può diventare una trappola

Avete presente il vecchio adagio che recita “scegli un lavoro che ami e non dovrai lavorare neppure un giorno in vita tua”? Si tratta di uno degli infiniti aforismi attribuiti al filosofo Confucio e, come spesso accade, tale assegnazione è quantomeno dubbia. Anche volendo dare per buona la paternità del motto, viene da chiedersi che valore possa avere oggi una massima coniata nel quarto secolo a.C., specialmente considerando quanto retorica confuciana tendesse a imbellettare l’immobilismo sociale. Vabbè, il punto è che si tratta di una clamorosa fregnaccia, una di quelle frasi che hanno senso solo se si mantiene il cervello in modalità “mistero della fede”. Lo sa bene chiunque si muova in un contesto professionale che, per quanto stimolante e affine alle proprie aspirazioni, manifesta un plateale disequilibrio tra l’impegno richiesto e la remunerazione, esigendo enormi sacrifici che si in genere si pagano con la più preziosa fra le valute: il benessere personale. Nella cornice del mercato videoludico, questa dissonanza è nel tempo divenuta una piaga sistemica, la contropartita di quella passione che viene spesso celebrata come il vero motore dell’industria. Tutto molto bello, ma il reale motore dell’industria sono i soldi, e ci vuole un attimo a trasformare la passione in un indebito balzello.

Un secolo in una scatola

"Parigi è sempre Parigi; Berlino non è mai Berlino."

- Jack Mathieu Emile Lang

Camminare a Berlino vuole dire camminare in un museo a cielo aperto della storia del Novecento. Le serrande chiuse dei negozi all’inizio degli anni Trenta, segno della crisi economica che portò al potere Adolf Hitler; e poi i bordi taglienti dei vetri rotti durante la Notte dei Cristalli; il primo bombardamento degli inglesi, il 25 agosto 1940, e tanti altri vetri rotti; la battaglia finale per la capitale del Reich, persa contro l’Armata Rossa, e Adolf Hitler che si toglie la vita in un bunker sotto la Cancelleria; il mercato nero che dominava la città dopo la fine della Seconda Guerra Mondiale; la costruzione del Muro; le sbarre dei checkpoint che si sollevano alle 22.30 del 9 novembre 1989: il Muro è caduto; i due sindaci della città che si stringono la mano tre giorni dopo; il parlamento nazionale che torna a Berlino nel 1991. E proprio quell’anno lo storico Eric J. Hobsbawm fissa la fine del secolo breve, il Novecento, stretto tra l’inizio della Prima Guerra Mondiale e il crollo del regime comunista, un secolo denso di eventi, di violenza, di crisi e di crescita, di ineguaglianze, di cambiamenti, di sviluppo tecnologico, di trasformazioni profonde. Un secolo rappresentato da una città che è crocevia di un secolo: Berlino.

La capitale della Germania indossa la sua storia in bella vista e, negli ultimi anni, gli studi di sviluppo di videogiochi che hanno sede in città hanno iniziato a partecipare a una conversazione collettiva che riguarda la memoria di Berlino e, più in generale, il suo travagliato percorso attraverso il Secolo Breve. E spesso lo fanno raccogliendosi in collettivi formati da gruppi di dev indipendenti che condividono gli spazi di lavoro per risparmiare sulle spese e creare network vivaci, in cui è naturale e semplice lo scambio di idee e di professionalità. Il primo di questi collettivi berlinesi è stato Saftladen, che quest’anno compie dieci anni. Dalla fucina di Saftladen sono usciti progetti di rilievo: voglio ricordare Death Trash, attualmente ancora in accesso anticipato, creato da Crafting Legends, ma anche The Fermi Paradox, un videogioco narrativo di fantascienza che si articola nello spazio di migliaia di anni, a opera di Anomaly Games. Ci sono, poi, delle opere che affrontano direttamente il tema della storia tedesca. È il caso di Through the Darkest of Times, videogioco di strategia in cui vestiamo i panni del leader di un gruppo di resistenza al regime nazista nella Berlino del 1933, creato da Paintbucket Games, studio che quest’anno ha pubblicato l’eccellente The Darkest Files, basato sulla vita e sull’attività di Fritz Bauer e del suo gruppo di procuratori che assicurarono una giustizia, seppur tardiva, a tante fra le vittime dei crimini del nazismo.

Lo sguardo come atto politico

Guardare fuori, quando tutto ti chiede di restare dentro.

C’è un orrore più subdolo in Look Outside: non sto riferendomi a quello delle creature, ma a quello di riconoscersi nei loro volti. Come ha scritto Andrea nella sua recensione, “Look Outside si apre accogliendo il giocatore con una truce schermata di game over che imbastisce con una certa schiettezza le regole del suo mondo. È un JRPG horror minuscolo che nasconde una varietà impressionante di idee, meccaniche e suggestioni, crudele sia nella sua narrazione che nella voglia di accanirsi sulla psiche del giocatore”. 

Partendo da qui vorrei sviluppare un ragionamento con voi che inizia da un assioma: il vero motore narrativo non è la minaccia, è la tentazione. Ogni giorno, il protagonista – Sam – si alza, lava i piatti, cerca da mangiare, sente bussare alla porta. Ogni “toc toc” può essere un vicino, un amico o una di quelle presenze mutate. Ogni finestra è un limite tra la pulsione all’autoconservazione e la tentazione umana di superare i propri limiti.

BLOODLINES 2

Recensione

A un ventennio dalla pubblicazione di Vampire: The Masquerade – Bloodlines, viene facile svincolare questo apprezzatissimo cult dal bastimento di problemi che al tempo afflisse la gestazione del progetto di Troika Games: risorse limitate, tempistiche stringenti e mal gestite, diversi passi falsi durante il percorso di sviluppo e grandi pressioni da parte di Activision, che peraltro spinse il team a pubblicare in un periodo decisamente sfavorevole. Visto che il gioco era basato sul Source Engine e per contratto non poteva uscire prima di Half-Life 2, l’etichetta ebbe la dissennata idea pubblicare Bloodlines lo stesso giorno del capolavoro di Valve, e a meno di una settimana dall’approdo su PC della versione 1.0 di World of Warcraft. Al netto delle avverse contingenze – e di una discreta mole di inciampi tecnici e ludici - il “canto del cigno” di Troika Games riuscì a offrire alla platea un’esperienza profonda e memorabile: un miracolo d’altri tempi, di un’epoca in cui era ancora possibile salvare una produzione cagionevole con un bel “colpo di reni” in dirittura d’arrivo. 

Avete presente il concetto di “Bioware magic”? Ecco, siamo lì. 

Oggi gli exploit dell’ultima non funzionano più come una volta, e un percorso di sviluppo accidentato si traduce quasi sempre in un esordio disastrato. È questo il caso di Bloodlines 2, titolo messo in cantiere da Hardsuit Labs con la collaborazione di qualche veterano d’eccezione, ereditato da The Chinese Room con un ricco bagaglio di problemi e ristrettezze, e infine sbarcato sugli scaffali lo scorso 21 ottobre, a quasi un decennio dal primo pitch del progetto. L’esito di questa ordalia è agli antipodi rispetto a quello del 2004: se il primo Bloodlines era un bel prodotto nonostante i suoi difetti, il sequel è un brutto gioco malgrado qualche pregio. Prima di procedere, mi sembra opportuno offrirvi almeno una coordinata cognitiva in più, tanto per essere chiari: le critiche a Bloodlines 2 esulano del tutto dal confronto col suo predecessore, ma riguardano quelle che sono le numerose mancanze di una proposta insanabilmente mediocre.

I picchiaduro a scorrimento non sono solo una questione di nostalgia

L’epica di Golden Axe, la decisione di Streets of Rage, la visione di Final Fight, il folklore di Dungeons & Dragons: Tower of Doom e Guardian Heroes sono parte del corredo genetico di Absolum, un picchiaduro a scorrimento che merita di entrare nelle pagine dei libri di Storia e un tributo a un’idea di gioco che ha conosciuto un lungo periodo di irrilevanza. Anche noti come “beat’em up”, i picchiaduro a scorrimento scelsero di dare retta alle citazioni delle agende Smemoranda dei loro anni: non si spensero lentamente, ma bruciarono in una fiammata e vennero sostituiti con calcolato cinismo da quelli a incontri. 

Absolum è la dimostrazione che il tempo è galantuomo e guarisce ogni ferita (ma può doverne passare davvero molto). Quello realizzato da Guard Crush Games è un beat’em up in ammirevole equilibrio tra passato remoto e contemporaneità. Chi ha visto il genere aggrapparsi con le unghie a ogni occasione lasciatagli nella seconda metà degli anni Novanta, con i Fighting Force e i Die Hard Arcade, riconosce as Absolum la forza e il rispetto di chi riparte dall’essenza del genere, come venne canonizzata dai grandi maestri di Capcom, Sega e tutti gli altri. Quello che avvenne dopo il tracollo, con la stessa Capcom a elaborare l’idea del picchiaduro a scorrimento moderno in Devil May Cry, è dimenticato. Quelli sono un’altra cosa, Absolum è il principe che finalmente eredita un regno perduto.

I VIDEOGIOCHI INDIE PIÙ INTERESSANTI DI NOVEMBRE 2025

Una regola d’oro che vale tanto per l’universo tripla A come per i videogiochi indie più piccini è che, con l’arrivarsi del Natale, i motori dell’industria iniziano a rombare. E allora Radar non può che adeguarsi, proponendovi una selezione espansa rispetto all’usuale poker di titoli. Poi non dite che non vi voglio bene... Vi segnalo, inoltre, che uno dei miei due videogiochi preferiti del 2024 – sul mio personalissimo podio a pari merito con Judero – approda il 4 novembre su Xbox Series S/X, PlayStation 5 e sì, anche su Xbox Game Pass. Parlo, naturalmente, di 1000xResist. Non avete proprio più scuse per non giocare la clamorosa opera prima di sunset visitor e scoprire una delle storie di fantascienza videoludica più affascinanti degli ultimi anni. E non è tutto: il 17 novembre Indika sarà la sua comparsa su Nintendo Switch, con anche un’edizione fisica. Da ultimo, vi segnalo di volata che Demonschool – più volte rinviato, e due volte ospitato qui su Radar – uscirà finalmente (stavolta per davvero: il publisher giura!) il 19 novembre. E ora entriamo nel vivo, perché questo mese c’è tanto, tantissimo da dire, e abbiamo anche una bella prima volta: quella in cui lo stesso studio riesce ad avere due videogiochi in contemporanea nella stessa puntata di Radar (!). Quale sarà? 

Accendete il vostro radar: si parte!

THE OUTER WORLDS 2

Come molti dei titoli sviluppati da Obsidian a cavallo fra il 2014 e il 2018, l’anno dell’acquisizione da parte di Microsoft, anche The Outer Worlds fu il risultato di una gestazione difficile, che di fatto costrinse il team ad accettare compromessi decisamente scomodi. Da una parte c’erano l’articolata visione e l’appassionata competenza di Tim Cain e Leonard Boyarsky, due veterani del panorama ruolistico, e dall’altra le notevoli difficoltà finanziarie e gestionali di una compagnia che, proprio in quegli anni, era arrivata a un passo dalla chiusura e faticava a trovare una stabilità a lungo termine. In questa spigolosa cornice, il “progetto dei sogni” di Boyarsky venne fortemente ridimensionato per adattarsi al disequilibrio fra grandi ambizioni e risorse limitate, nella stretta di un percorso produttivo fin troppo sincopato.  

Oggi posso dire - con un certo grado di sicurezza - che tutte quelle idee, tutte le propaggini sacrificate sull’altare della necessità sono tornate a far parte della visione creativa di Obisidian, poste a consolidare l’ossatura del franchise già a pochi mesi dalla pubblicazione del primo capitolo, quando i lavori sul sequel sono iniziati sotto il vessillo di Xbox Game Studios. All’amalgama si sono poi aggiunti tanti spunti emersi fra le maglie del feedback comunitario, che hanno rinforzato l’ossatura di un secondo capitolo ben più solido del suo predecessore, molto più allineato con gli intenti originali di Cain (questa volta nel ruolo di consulente creativo) e Boyarsky: creare un gioco di ruolo all’altezza degli straordinari trascorsi dei suoi autori, capace di riportare alla mente le gesta compiute durante l’epoca d’oro dei crpg. Ciò non vuol dire che la nuova epopea spaziale di Obsidian sia un’opera impeccabile, ma è comunque facile considerare The Outer Worlds 2 un porto sicuro per gli appassionati di giochi di ruolo. Questo a patto che abbiate un buon rapporto con l’impronta autoriale di una serie che, ponendosi a metà strada fra Futurama e Firefly, intride la scrittura in un sapido guazzetto di umorismo nero e satira mordace, dilettandosi nello sfumare i confini fra utopia e distopia. Una contrapposizione centrale nell’economia narrativa dell’esperienza, che schiera in campo fazioni con tratti antitetici ma adagiate sulla medesima scala di grigi.

Resistere fino alla fine

«Nel settembre del 1935 avvenne un "miracolo" nella regione carbonifera del bacino del Donez. Un minatore di nome Stakhanov era riuscito a estrarre, da solo, cento due tonnellate di carbone in una volta sola, vale a dire quattordici volte più di quanto poteva fare, normalmente, un operaio qualunque!» 
(Viktor Andrijovyč Kravčenko, Ho scelto la libertà).

The Outer Worlds 2 raccontato da Leonard Boyarsky

Chiunque sia cresciuto durante l’età dell’oro dei CRPG sa bene quanto Interplay sia stata una sorta di “alma mater” per molti dei più grandi nomi del panorama di genere, in seguito divenuti la forza trainante di studi e saghe con un ruolo di spicco nell’evoluzione del genere. Fa certamente parte di questa “aristocrazia creativa” anche Leonard Boyarsky, uno dei padri di Fallout nonché autore di cult videoludici del calibro di Arcanum e Vampire: The Masquerade – Bloodlines. Dopo un decennio in Blizzard, nel 2016 Boyarsky si era unito a Obsidian per realizzare assieme a Tim Cain, un altro “vate” dei gdr, quello che al tempo lo sviluppatore definì come “il gioco dei sogni”. Parliamo ovviamente di The Outer Worlds, un progetto che al netto dei suoi limiti mostrava chiaramente la sua nobile discendenza, un retaggio che il sequel punta a valorizzare ulteriormente.  

Ecco, oltre a suscitare nel sottoscritto una discreta dose di trepida riverenza, proprio Leonard Boyarsky ha reso chiaro come The Outer Worlds 2 abbia tratto grande beneficio dall’esperienza accumulata col capitolo d’esordio: un rodaggio difficile ma essenziale per consolidare le fondamenta della serie. “Alle spalle del progetto c’era un team completamente nuovo, nettamente più grande di quelli che avevo diretto prima di allora – racconta il creative director – e in più dovevamo capire come adattare l’engine alle esigenze del titolo che, per come l’avevamo concepito, doveva raccogliere l’eredità degli gdr classici. Avevamo dei fantastici narrative designer, ma nessuno che avesse già realizzato ‘hardcore rpg’ come quelli che io e Tim (Cain, ndr) avevamo sviluppato in passato. Strada facendo abbiamo accolto alcuni membri del team di Pillars of Eternity ma ben presto, considerando il tempo e le risorse a nostra disposizione, abbiamo capito che avremmo dovuto ridimensionare le nostre ambizioni, concentrandoci su alcuni specifici temi e riducendo la portata di alcune dinamiche. D’altronde, nella cornice di una campagna da 20 ore circa, non puoi permettere che le scelte degli utenti precludano l’accesso a un buon 10% dei contenuti”. 

Ottobre 2025

Steam Next Fest è ormai un appuntamento irrinunciabile per tenere d’occhio l’attualità videoludica e toccare con mano quello che sarà il futuro del gaming sia a strettissimo giro, sia nei prossimi anni. Si tratta di un evento sempre attesissimo in casa FinalRound, e anche questa volta abbiamo giocato una marea di demo per raccontarvi quelle che abbiamo trovato più stimolanti. Vi parleremo dei giochi provati in ordine di (probabile) uscita, dando priorità a quelli che dovrebbero giungere prima sui nostri schermi. Alcuni sono davvero vicinissimi. Vi ricordiamo che questa edizione di Steam Next Fest si svolge da lunedì 13 ottobre fino a lunedì 20 ottobre alle ore 19.00: ora sapete che vi aspetta un weekend molto, ma molto impegnato. E allora bando alle ciance e sotto a chi tocca!

la beauté après la fin du monde

Cutscene: Stoccolma, ottobre 2025

László Krasznahorkai ha vinto il Nobel per la Letteratura 2025. Secondo la motivazione ufficiale dell’Accademia Reale di Svezia, Krasznahorkai è stato investito del Premio Nobel «per la sua lingua ininterrotta e ipnotica, che attraverso la ripetizione e la spirale tenta di trattenere il mondo nel suo collasso». Una motivazione che suona come un messaggio d’errore su schermo, come la scritta verde pixellata “Hideo” su uno schermo nero: “System instability detected. Continue anyway?” 

Krasznahorkai ha vinto per aver scritto la letteratura del crash, la letteratura della crisi, la letteratura del più completo sbriciolarsi. Non è un inno romantico al “rovinismo”, in cui si bea di descrivere la fine del mondo: László Krasznahorkai lo fa per mantenere operativo il suo disfacimento. Le sue frasi non raccontano: girano in background, come un virus che si sedimenta in un sistema operativo. Ogni subordinata è un processo che tenta di evitare l’arresto di quel programma che noi per brevità, o paura, chiamiamo realtà. 

E mentre a Stoccolma si consegna il Nobel, noi videogiocatrici e videogiocatori di tutto il mondo parliamo ancora di Clair Obscur : Expedition 33 — un videogioco che funziona come lo specchio interattivo di quella stessa intuizione dello scrittore ungherese: un universo in cui la bellezza non salva, cancella, cristallizza, blocca la vita, sospende la morte.

UCCIDERE IL PASSATO PER SALVARE SÉ STESSI

Cosa succederebbe se, di punto in bianco, il crimine venisse trattato come un virus capace di infettare la psiche umana? Cosa diventerebbe la nostra società se gli atti sconsiderati di un serial killer potessero essere in qualche modo contagiosi, portandoci quindi a replicare le sue azioni venendo come posseduti dal suo spirito antisociale?

Quando Suda51, al secolo Goichi Suda, decise di abbandonare Human Entertainment per mettersi in proprio e fondare Grasshopper Manufacture sapeva di aver bisogno di un’idea forte per il suo primo videogioco da indipendente. Intendiamoci, Suda è sempre stato un autore ribelle, convintamente orientato in direzione ostinata e contraria rispetto a quella di moltissimi suoi colleghi: il suo esordio alla scrittura, dopotutto, fu Super Fire Prowrestling Special, un gioco il cui l’avatar del giocatore decide di togliersi la vita appena dopo aver raggiunto la vetta del mondo del wrestling. Una robetta da niente per il 1994.

MANGIARE GIOCANDO A TETRIS

Il piatto è davanti a me, vuoto. Devo scegliere cosa mangiare. Solo che ciò che conta non è il gusto, e nemmeno la salubrità del cibo in sé. Importano soltanto loro: le calorie. E allora ecco che riempire quel piatto si trasforma in un gioco perverso, in un Tetris in cui il bacon si confonde con l’anguria, e poi il formaggio con un dolcetto, e conta soltanto riempire i vuoti in maniera più o meno convincente, alla ricerca del risultato finale: dimagrire. Non voglio un pezzo di cibo perché non entra nel piatto? Okay, lo lascio al cane. Che sarà mai. Se lo mangi lui. 

Questa scena è parte dell’esperienza ludica di Consume Me, vincitore del Seumas McNally Grand Prize all’Independent Games Festival 2025. Il premio non mi ha stupita. Avevo giocato una demo di Consume Me qualche mese fa e avevo spento il PC dopo la prova con una certezza: non sarei mai riuscita a recensire quel gioco. Mi ritengo una persona abbastanza solida e centrata, ma Consume Me aveva risvegliato in me ricordi disturbanti di un periodo della mia vita che, a essere del tutto onesta, preferisco dimenticare. Al cento per cento. Perché insomma, a certe cose non voglio ripensare mai più. Solo che poi Consume Me è uscito, e io ho fatto una riflessione che mi ritrovo a compiere di frequente: se un’esperienza non ti prende per le spalle e non ti dà un bello scossone – proprio come un’amica quando stai facendo una sciocchezza, ma non te ne sei ancora resa conto – allora tanto vale fare altro, perché è difficile che dal comfort esca un qualcosa di realmente trasformativo per noi esseri umani. E, quindi, eccomi qui a parlare del videogioco di Jenny Jiao Hsia (che ha carattere semi-autobiografico) creato insieme a AP Thomson, Jie En Lee, Violet W-P e Ken “coda” Snyder.

A proposito dei brevetti registrati dalla grande N e del loro impatto sull'industria

Verso la fine degli anni ‘80, in un periodo in cui una bella fetta dell’industria stava ancora tamponando le emorragie causate dal cosiddetto “Atari Shock”, esplose quella che oggi viene ricordata come la prima guerra dei brevetti nella storia dei videogiochi. L’anno è il 1988, e una Magnavox ormai quasi del tutto aliena al settore decide di citare in giudizio una giovane Activision, accusata di aver replicato in maniera illegittima la tecnologia di Odyssey. In realtà la questione riguardava più le logiche basali di Pong che l’hardware da gioco, cionondimeno la vittoria di Magnavox segnò una tappa seminale per il settore, sia per ciò che riguarda la regolamentazione dei conflitti legati alla qualifica e all’uso delle IP, sia per quel che concerne i margini di manovra sul versante creativo in materia di “deriva concettuale”. Di conseguenza, etichette e sviluppatori cominciarono a moltiplicare i loro contatti col le istituzioni schierate su questo specifico fronte, con richieste di registrazione più o meno articolate, discutibili e problematiche. Volendo citare qualche caso clamoroso, è impossibile non tirare in ballo Namco, che dal 1995 al 2015 (divenuta ormai Bandai Namco) impedì l’inserimento di minigiochi nelle schermate di caricamento, prerogativa esclusiva dei titoli del publisher giapponese fin dai tempi del primo Ridge Racer. Sì, uno potrebbe replicare che nel 1987 Commodore aveva già varato l’idea col suo Invade-a-Load (una sorta di Space Invaders che accompagnava il caricamento dei giochi su C64), ma in questo contesto la paternità del concept vale come un poker di assi davanti a una scacchiera. 

TIME STRANGER

Il miglior titolo di sempre basato sui Digimon?

Il franchise Digimon nasce alla fine degli anni 90, quando in Giappone sono popolari i Tamagotchi, piccole console portatili prodotte da Bandai, il cui scopo è quello di prendersi cura di un animaletto virtuale. Sulla scia del successo mondiale di questo dispositivo, Bandai decide di proporre sul mercato una versione alternativa degli stessi, i Virtual Pet (o V-Pet), console tascabili simili al Tamagotchi, con la possibilità di far combattere tra di loro le creature allevate. Il successo è immediato e ben presto arrivano manga, anime, carte collezionabili e, naturalmente, videogiochi dedicati al nuovo franchise.  

Spesso accostato erroneamente al fenomeno Pokémon, Digimon ha sempre cercato di ritagliarsi una propria identità nel panorama dei "mostri tascabili", distinguendosi per tematiche più mature e complesse. Mentre l'universo Pokémon si concentra sulla cattura e l'allenamento di creature in un contesto generalmente ottimista e avventuroso, Digimon ha costantemente esplorato territori narrativi più audaci, con protagonisti che affrontano dilemmi morali significativi e ambientazioni che non temono di abbracciare toni più cupi. Il Digimondo, con la sua natura mutevole e spesso ostile, rappresenta un ecosistema narrativo più sfaccettato rispetto alle regioni Pokémon, offrendo storie che non si limitano al semplice "diventare il migliore allenatore del mondo". 

THE BEAST

Recensione

L’approdo sugli scaffali di Dying Light: The Beast rappresenta la tappa finale di un processo produttivo che, in linea con i trascorsi di Techland, ha seguito una rotta tutt’altro che lineare. Concepito per diventare il secondo DLC di Dying Light 2, il titolo aveva dapprincipio un assetto fondamentalmente affine a quello dell’ultimo capitolo numerato, pur presentando variazioni più o meno significative modulate in risposta ad alcune delle critiche mosse al gioco base. Già allora Kyle Crane faceva parte dell’affresco ludonarrativo tratteggiato dal team, sebbene in suo ruolo fosse secondario rispetto a quello di Aiden, di nuovo posto al centro del racconto. Dopo un’importante tornata di leak sul contenuto, che al tempo generarono più di una perplessità fra le fila dei fan, lo studio polacco optò per una virata netta, imperniando l’esperienza sul ritorno di Crane e sul suo peculiare status di “volatile senziente”. Più in generale, Techland puntava a limare le asperità emerse durante il percorso evolutivo della saga, concentrandosi su quelli che – a furor di popolo – erano i suoi aspetti migliori. Al netto delle complicazioni legate alla gestione “magmatica” di Paweł Marchewka, CEO nonché principale director e scrittore di Techland, questa volta l’andamento erratico del franchise conduce i giocatori nella cornice di esperienza che, malgrado qualche fluttuazione, appare molto più a fuoco rispetto alla precedente, complice la volontà di consolidare l’identità della serie in vista del suo inevitabile prosieguo.

IL FUTURO DEI PICCHIADURO TRA ACCESSIBILITA' E PROFONDITA'

Il genere picchiaduro è forse quello che ha ricevuto più scossoni negli ultimi tre anni. Nessun genere di videogame è stato attraversato da una tale montagna russa di cambiamenti ed un'espansione di pubblico incredibile, soprattutto nel Sol Levante. Al contrario di molti altri filoni videoludici, che hanno visto le proprie caratteristiche principali cristallizzarsi negli anni e sono riusciti a trovare una propria cifra stilistica, i fighting game di nuova generazione stanno ancora cercando la propria identità. Una cosa è ormai chiara: il picchiaduro di vecchia scuola, inaccessibile ai più, caratterizzato dall'altissima barriera esecutiva e di conoscenza, non esiste più. Partendo da Dragonball FighterZ, passando per Guilty Gear Strive fino ad arrivare ai giorni nostri, questo genere ha cercato di parlare ad un pubblico sempre più ampio. Definire il picchiaduro un genere "hardcore" al giorno d'oggi risulta qualcosa di anacronistico, e chi lo fa non è probabilmente aggiornato sulle nuove tendenze. In un contesto generale che vede ormai la semplificazione dei videogiochi come una virtù e un importante motore per le vendite, i fighting game si trovano in una situazione piuttosto delicata, poiché si tratta di titoli intrinsecamente competitivi.

Dove termina l'accessibilità e comincia la superficialità? Esiste un punto di rottura per cui un gioco di combattimento, nell'incessante e quasi ossessiva ricerca della semplificazione a tutti i costi, inizia a perdere profondità, snaturarsi e alienare parte della propria utenza, nell'inseguimento della gratificazione facile? Prima di parlare degli ultimi sviluppi, dobbiamo fare un piccolo passo indietro a quello che è stato il principale motore di questa nuova tendenza. Un titolo lanciato dalla leggendaria Capcom il 2 giugno 2023, il cui successo ha cambiato per sempre il nostro modo di percepire il genere picchiaduro.

C'è sempre altro da imparare

La verità è che gli esami non finiscono mai. Poi, come scriveva Daniel Pennac, a fare il totale dell’addizione ci penserà il medico legale. Anche per Melinoe, figlia segreta di Ade e Persefone, vale questo principio. Ogni discesa nell’Oltretomba per tentare di ammazzare Chronos – il Titano del tempo, nonché suo nonno – si apre con un esame. E che esame: è la più grande strega della Storia, Ecate, a sedere in cattedra. Beh, “sedere” si dice tanto per dire. La battaglia è veloce, dinamica, e conviene non star ferme quando Ecate lancia il suo celebre maleficio di trasfigurazione – pena diventare una pecorella che fa saltella con fatica fuori dalle aree d’attacco della nostra maestra. Se non riusciamo a sconfiggerla, Ecate ci inviterà ad allenarci ancora, a provare e riprovare. Se invece abbiamo la meglio su di lei, ci farà presente che questo è solo l’inizio: oltre le sue spalle larghe ci attende un tremendo percorso a ostacoli per liberare la nostra famiglia.

I VIDEOGIOCHI INDIE PIÙ INTERESSANTI DI OTTOBRE 2025

Settembre è stato un mese senz’altro anomalo per lo sviluppo indipendente. Il meteorite di Hollow Knight: Silksong si è abbattuto con forza debordante sul mercato, facendo il vuoto intorno a sé e di fatto costringendo al rinvio numerosi videogiochi la cui data d’uscita era stata fissata intorno al 4 settembre prima dell’annuncio di Team Cherry. È stato il caso, tra gli altri, di Demonschool, di cui vi avevo parlato nella puntata di Radar di settembre. Le cose stanno tornando pian piano alla normalità, e speriamo che per questa puntata di Radar non ci siano rinvii e disastri assortiti. 

Accendete il vostro radar: si parte!

Uccellini spaziali alla riscossa

“In poche parole”. È questo il significato del termine tedesco kurzgesagt – senz’altro complicato da pronunciare per noi italiani, certo, ma ben noto a chi ama bazzicare su YouTube. Fondato da Philip Dettmer, kurzgesagt è uno studio di animazione e di design salito alla ribalta soprattutto per i suoi video di carattere divulgativo su argomenti scientifici, politici e filosofici. Il numero di iscritti supera i ventiquattro milioni (!), e il canale non si è mai tirato indietro anche davanti all’attualità più cruda e ai temi più difficili. Alcuni esempi: un video sul fentanyl, la droga che ha ucciso centinaia di migliaia di persone negli Stati Uniti d’America; uno sulle ragioni per cui il cancro è così difficile da battere; e poi c’è quello sul cambiamento climatico. 

Personalmente, sono da anni appassionata alla produzione video di kurzgesagt, e poco più di un anno fa la mia attenzione venne catturata da un annuncio che decisamente non mi aspettavo. Il video si intitolava “Stiamo sviluppando un VIDEOGIOCO” ed era lungo appena un minuto. La voce familiare del narratore del canale annunciava: “Dai creatori di Dorfromantik e kurzgesagt, arriva un nuovo gioco ambientato nello spazio”. Gli uccellini mascotte del canale ne sarebbero stati protagonisti fin dal titolo: Star Birds. E nel corso dell’edizione di gamescom da poco trascorsa ho avuto l’occasione di toccare con mano questo interessante progetto, e di farmelo raccontare direttamente dai suoi creatori.

Adolescenti sfiorite e violenza di genere

Gli zombie fanno paura a tanti. Il buio, se raccontato con la giusta consapevolezza, può far paura a tutti. È questo il motivo per cui, in un mondo di super soldati muscolosi e virus T, io ho sempre avuto un rapporto molto stretto con Silent Hill. La serie creata da Keiichiro Toyama è stata per me un punto di riferimento inamovibile, una bussola utile ad orientarmi nel vasto panorama dell’horror videoludico (e non), capace di farmi capire che ognuno di noi possiede dentro di sé un luogo nebbioso in cui nasconde inavvertitamente i mostri che infestano la sua testa. E poi dai, senza nulla togliere ai redivivi putrescenti di Capcom, le atmosfere di Silent Hill sono sempre state imbattibili, anche perché Konami riuscì a capire da subito che trattare Silent Hill come un luogo dell’anima e non come semplice ambientazione di una saga ne avrebbe espanso enormemente le potenzialità conturbanti. Ogni capitolo è sempre stato costruito attorno a un tema portante: Silent Hill raccontava la genitorialità e i culti deviati; Silent Hill 2 il lutto, il senso di colpa e la depressione; Silent Hill 3 i drammi dell’adolescenza, la fobia del parto e i cambiamenti del corpo femminile; Silent Hill 4 l’abuso e l’isolamento. Storie diverse per temi diversi, in cui Silent Hill cambiava faccia per adattarsi alla psiche incrinata di chi si trovava prigioniero delle sue strade.

Silent Hill F raccoglie una pesantissima eredità abbandonata da quasi quindici anni (di più se, come me, siete tra quelli che indicano Silent Hill 4 come l’ultimo “vero” Silent Hill), e lo fa affidandosi a un team, NeoBards, che fin qui si è sempre occupato di porting e poco altro. Ironico che il primo capitolo della serie ambientato in Giappone sia stato sviluppato da uno studio di Hong Kong, eppure il villaggio fittizio di Ebisugaoka è – lo dico da subito – una delle ambientazioni migliori che si siano mai viste in tutta la storia del franchise. F è un gioco legato a doppio filo al Giappone dell’epoca Showa che racconta, imperniato sulla scrittura eccellente di un autore come Ryukishi07 che nella vita ha spesso esplorato i paesaggi rurali dell’arcipelago e, soprattutto, il folklore che ne anima credenze e tradizioni. In un periodo storico in cui il folk-horror sta vivendo la sua epoca d’oro (si pensi al successo di film come Midsommar, The Wailing e The VVitch o manga come Gannibal), Konami è andata a bussare alla porta del creatore di Higurashi When They Cry, storica visual novel poi tradotta in anime che già agli inizi del millennio ha esplorato i meandri più oscuri dell’isolazionismo di certi villaggi giapponesi. Per capire Silent Hill F è quindi importantissimo capire il suo autore e il suo background da sviluppatore di racconti interattivi.

Una carrellata dei giochi indipendenti provati nel corso della fiera di Colonia

Per ben cinque giorni, la hall 10.2 della maestosa Koelnmesse è diventata il centro del mondo dello sviluppo indipendente. Cinque giorni in cui centinaia di migliaia di persone hanno transitato in fiera – e posso garantire che molte di queste si sono soffermate nel padiglione in cui si trovava la maggiore concentrazione di postazioni per la prova di piccoli titoli indie. L’Indie Arena Booth quest’anno ha fatto le cose in grande: erano oltre duecento i titoli presenti, provenienti da più di quaranta Paesi, con uno spazio complessivo di circa 2.000 metri quadri. Il tema di quest’anno era “Watch us Cook!”, con un’identità visiva tutta giocata sul colore rosa e comodissimi spazi dedicati alle interviste e alle prove riservate. Non posso che sfruttare questo spazio per complimentarmi con l’eccellente organizzazione di gamescom. Senza contare che anche in altri padiglioni – nell’area business, ad esempio, ma anche nella hall 10.1 – si trovavano spazi dedicati a piccoli titoli in corso di sviluppo. Ne ho provati una marea, ho condotto tantissime interviste e, come potete immaginare, non vedo l’ora di raccontarvi tutto. Iniziamo!

SILKSONG

Ostinata e contraria

Nel mondo dei videogiochi, il silenzio radio non è mai un buon segno. Dipartimenti di marketing formati da decine e decine di persone curano in maniera maniacale la comunicazione del prossimo grande titolo in arrivo, differenziando le strategie nei vari Paesi e nei diversi canali mediatici, procedendo con un approccio “su misura”, come quando signore e signori per bene andavano a farsi prendere le misure dal sarto per farsi confezionare il vestito buono della domenica. Perché in chiesa bisognava essere belli davanti al Signore, ma soprattutto splendere agli occhi del resto della città. E il marketing è proprio questo: confezionare il vestito più alla moda e più adeguato a ciascun prodotto. Anche perché nell’affollata cattedrale della società dei consumi è molto, molto difficile farsi notare. 

E allora è stato scontato, per molti, preoccuparsi (e non poco) dello stato dei lavori su Hollow Knight: Silksong. Anche perché Team Cherry aveva arricchito le sue sparute fila con Matthew “Leth” Griffin, deputato proprio a occuparsi delle pubbliche relazioni e del marketing del videogioco con più wishlist su Steam. Il suo ottimo curriculum – ha lavorato in questo ruolo su Stardew Valley, ex multis – faceva intendere la volontà di strutturare una strategia di comunicazione, un’impalcatura per sostenere l’enorme mole di aspettative che l’avventura di Hornet portava con sé. Dicevo poco sopra che si trattava del videogioco con il maggiore numero di wishlist sulla piattaforma di Valve: dati risalenti a circa un mese fa parlavano di un numero pari a 4.8 milioni. Il secondo in classifica? Battlefield 6, con 2.8 milioni di wishlist. Uno stacco clamoroso – roba che neanche Pantani nella sua salita in Abruzzo, a Campo Imperatore, il 22 maggio 1999. Una media astronomica di ventinove chilometri all’ora per milletrecentosettantun metri di dislivello. Ero piccola piccola, ma la salita del Pirata con la divisa gialla e blu di Mercatone Uno io me la ricordo bene.

Volta la carta

All’interno del Museo della Pace di Hiroshima l’aria è diversa rispetto a quella che si respira all’esterno. Una forza di gravità che non è di questo mondo ti schiaccia a leggere ogni lettera, ogni testimonianza, ti porta a guardare con attenzione le piccole casacche ricoperte di sangue ormai marrone scuro dei bambini che furono così sfortunati a incontrare, nella loro breve esistenza, la forza disumana di Little Boy, un nome che suona quasi stupido per quanto è inadeguato a descrivere la realtà della sua essenza: quella di bomba atomica. E poi c’è una sezione spesso più affollata delle altre; è dedicata a una bambina. Si chiamava Sadako Sasaki e aveva appena due anni e mezzo quando il cielo di Hiroshima si tinse d’arancione e tutto cambiò per sempre.

Democrazia e conflitto

È difficile calcolare l’influenza che Disco Elysium – videogioco GDR originariamente pubblicato nel 2019, poi arricchito con nuovi contenuti nell’edizione Final Cut – ha avuto sugli sviluppatori di videogiochi in questi anni. Nel caso di Giacomo Montagnoli, direttore creativo del collettivo FLAT28 è stato addirittura la ragione per cui ha voluto iniziare a produrre videogiochi. Me lo racconta mentre chiacchieriamo su un divano nell’area business dell’Indie Arena Booth di gamescom, dove il gioco a cui sta lavorando insieme al resto del team, Glasshouse, è stato selezionato per l’iniziativa Games for Democracy. “Ho giocato Disco Elysium per la prima volta nella versione Final Cut [che uscì nel marzo 2021, N.d.A.]”, racconta Montagnoli. “Mio fratello Tommaso me ne parlava da tanto tempo: mi diceva ‘è il gioco più bello del mondo, devi giocarlo ora'. Ma la versione base era uscita soltanto per PC, e personalmente vivo il PC come una postazione di lavoro, non di gioco. Nel momento in cui è uscito su PlayStation mi sono innamorato”. È il caso di dire che è stato amore a prima vista. “Sono incredibilmente emotivo”, spiega sorridendo. “Già all’inizio, con quello schermo nero e le voci che rimbombano nella testa del protagonista, mi sono commosso. È una cosa molto rara per me con i videogiochi: di solito mi emoziono di più con libri e film. Ma Disco Elysium mi parlava in maniera incredibilmente personale e diretta in un momento di depressione causato da una forte insoddisfazione artistica. Mi sembrava di lavorare soltanto per pagare l’affitto. Ma io vivo per creare”.

Un seguito da manuale

Per Rob e John Donkin i videogiochi sono un affare di famiglia. Rob si occupa della programmazione, mentre John è l’artista; entrambi mettono le mani nella parte di design dei loro giochi. Ormai sono in attività sotto il nome di Bad Viking da oltre dieci anni ma, come mi hanno raccontato durante un’intervista a gamescom, non hanno alcuna intenzione di smettere. Produrre videogiochi è un lavoro faticoso, ma nel caso di Strange Horticulture è stato per loro anche un’immensa soddisfazione. Oltre dodicimila valutazioni e una media molto positiva – e questo tenendo in considerazione soltanto Steam: il negozio di piante e funghi di Undermere ha portato tanta fortuna a Bad Viking, tanto che ben presto i due hanno deciso di restare nel medesimo universo narrativo dark fantasy per creare un sequel stand-alone. 

Sono passati appena tre anni e mezzo tra l’uscita di Strange Horticulture e quella di Strange Antiquities – un periodo inconcepibilmente breve per tante produzioni videoludiche dei nostri giorni. Stavolta ad aprire i battenti è un altro negozio di Undermere, chiamato Strange Antiquities, appunto, ma la formula ludica di base resta la stessa. Dietro la superficie da simulativo si cela quello che è, a ben vedere, un videogioco investigativo vero e proprio. Il taumaturgo titolare della bottega è in altre faccende affaccendato (come scopriamo ben presto, Undermere continua a essere interessata da misteriosi fenomeni paranormali) e sta a noi prendere le chiavi di Strange Antiquities e tenere le redini dell’attività, consigliando ai clienti gli oggetti giusti per affrontare i loro problemi... Con un tocco di magia.

A settembre non si fanno prigionieri: è una guerra tra videogiochi che hanno cambiato il corso della storia dei videogiochi, tale è la concentrazione di classici e classicissimi da festeggiare (oppure da conoscere per la prima volta o da ricordare con sorpresa, come quando ti arriva un messaggio da un compagno delle medie di cui ti eri totalmente scordato l’esistenza). Per questa puntata della rubrica Monthly Digest non girerò attorno alle questioni, non cercherò punti di vista strambi piegando la testa verso i comprimari delle uscite di settembre: c’è da parlare dei giganti e allora parliamo dei giganti. Anche quando saranno un po’ meno che giganti forse, ma solo perché quelli grossi hanno davvero la stazza di un Gundam.

Nintendo ha dettagliato i suoi prossimi mesi, chiudendo alcune questioni e ponendo le basi per il 2026. Senza giocarsi i colpi più importanti.

Allora vale tutto. Da quarantacinquenne intossicato di videogiochi credevo di aver fatto pace con l’idea che in questi anni tutto potesse essere recuperato e riproposto come “un classico”. Un decennio di lavatrici immense, che puliscono la fedina penale di videogiochi mai stati dalla parte in cui si scrive la storia. Ho visto passare edizioni rimasterizzate di Ty the Tasmanian Tiger, con comunicati stampa che fingevano di introdurli a una nuova generazione, sapendo benissimo che le uniche persone interessate potessero essere quelle che Ty the Tasmanian Tiger lo avevano giocato appena tornati a casa dalle elementari. C’è una forma di imprinting anche nei videogiochi: se sei materiale che reagisce bene, con i primi che vedi stringi un legame differente, anche se nessuno li ha mai ritenuti i più belli e i più furbi della cucciolata.

Quando la diretta di Nintendo del 12 settembre è passata a esaminare il catalogo di Nintendo Classics, però, non ero affatto pronto a quello che sarebbe successo. La selezione di emulatori a disposizione degli abbonati ai due piani di Nintendo Switch Online comprende ormai una discreta libreria di videogiochi per il NES, il Super NES, il Nintendo 64, il Game Boy Advance e il Mega Drive. L’ultimo arrivato è il GameCube, con giusto qualche titolo accessibile solo su Switch 2. All’inizio del 2026 perderà quell’affascinante alone che accompagna il nuovo arrivato in classe, perché Nintendo ha annunciato che aggiungerà l’emulazione del Virtual Boy. Per un attimo mi sono guardato attorno e, giuro, ho dovuto ricordarmi che non poteva essere un pesce d’aprile.

Una riflessione sullo stato dell'abbonamento di casa Microsoft

All’apice della settima generazione videoludica, la platea smanettona si ritrovò schierata in massa ai margini di una frontiera densa di fermento e straripante di possibilità. Nel giro di una manciata d’anni avevamo assistito al consolidamento di concetti prima astrusi come “multipiattaforma” e “digital delivery”, alla folle rimonta di Nintendo con Wii, e al quasi-pareggio fra Playstation e Xbox: un esito figlio dei malavveduti piani di Sony sul versante dell’hardware e delle tattiche aggressive messe in campo dalla controparte. Al netto di una brancata di passi verso il lato oscuro – tipo l’infame varo del concetto di microtransazione – la sezione gaming di Microsoft sembrava lanciatissima e pronta a seminare scoppole nel suo terzo round contro il maciste di Tokyo. Peccato solo che in quel periodo Xbox avesse il fisico di un campione ma la testa di un pugile suonato. Le priorità di Don Mattrick, allora alla guida della divisione, erano infatti platealmente in rotta con la buona riuscita della transizione verso la next gen, nonché ancorate a un pezzo d’hardware avveniristico ma infruttuoso (il Kinect), e a strategie di marketing a dir poco discutibili, che si muovevano fra un’apparente marginalizzazione del gaming e proclami al vetriolo in risposta ad alcune delle – legittime - perplessità espresse dall’utenza, ad esempio sulla questione “always online”.  

Ancor prima dell’avvento del cosiddetto “resolutiongate”, insomma, Xbox One sembrò incespicare sui blocchi di partenza del tracciato generazionale, e così Microsoft optò per un cambio in corsa, con qualche intervento di “contenimento dei danni” e un volto nuovo da schierare di fronte al pubblico delle grandi occasioni. La discesa in campo di Phil Spencer segnò l’inizio di un lungo processo di trasformazione multifase per l’ecosistema ludico di Microsoft, non sempre lineare e perfettamente leggibile, ma generalmente percepito come migliorativo rispetto alla falsa partenza della settima generazione. A giro di boa del ciclo vitale di Xbox One, Spencer quindi presentò al mondo quello che in seguito sarebbe diventato il perno dell’ecosistema “verdecrociato”: un servizio in sottoscrizione modellato su quello dei principali erogatori di “content-on-demand”, nonché inquadrato nella cornice di una strategia aziendale sempre più orientata verso il cloud.

Queering the Souls

Un castello immerso nella nebbia. Una bambola che si risveglia in una stanza chiusa a chiave. Mi trovo sullo show floor indie di gamescom, e accanto a me c’è Tammy Widyastuti Morley, fondatrice di Glass Head Dolls. Mi osserva divertita mentre cerco la mia strada nelle viscere di un castello che mi ricorda fortemente quello di Ico. “I videogiochi di Fumito Ueda sono una delle mie principali fonti di ispirazione”, conferma Morley. “Nutro una passione speciale per Shadow of the Colossus”. Il design sonoro, la grafica low-poly, il feeling estetico complessivo: sembra di tornare indietro di decenni, e Morley attiva una macchina del tempo per proiettare nel passato un genere divenuto popolare solo di recente – quello dei souls-like. Il gioco di cui sto provando la demo si chiama Prison of Husks. 

“Ho iniziato a svilupparlo nel 2023”, racconta. “Il prototipo che pubblicai su itch.io nel settembre di quell’anno riscosse un buon successo da parte del pubblico. Da fine 2024 lavoro a tempo pieno insieme a due collaboratori a contratto: Apno Delgado, che si occupa di animazione e modellazione, e Sam Lamont, che cura la parte artistica. Quanto a me, faccio un po’ di tutto”. Tammy Morley – chitarrista, appassionata di yoga e di acquerello, e videogiocatrice appassionatissima con origini britanniche e indonesiane – mi descrive il suo gioco come una sorta di “Dark Souls queer”. Discutiamo sul fatto che, contrariamente a quanto molti pensano, i souls sono estremamente amati dalla comunità LGBTQ+. “Verissimo”, commenta. “C’è molta diversità nel loro pubblico, e anche per questo confido che questo progetto venga ben accolto dagli appassionati”.

Metallo pesante e apocalisse

Nelle profondità dell’Indie Arena Booth dell’edizione 2025 di gamescom si cela un angolo oscuro in cui pochi osano avventurarsi. (Beh, non così pochi, a conti fatti) Il numero “18” campeggia su un cartello appeso a uno dei cabinati: segnala che i videogiochi lì presenti sono riservati a persone maggiorenni. Mi faccio coraggio – so che il gioco che sto per provare mi prenderà a schiaffi – e mi addentro in questa piccola selva oscura. Che in realtà non è oscura affatto: è gialla e nera, e tutti quelli che giocano la demo del videogioco in questione non sembrano poi così scontenti – anzi, qui le risate si sentono spesso. Sono qui anche per intervistare le persone che stanno rendendo possibile tutto questo. Il nome del videogioco è Mörk Borg: Heresy Supreme, e si tratta di uno dei principali ambasciatori dello sviluppo italiano durante questa gamescom: il team è formato da Diego Sacchetti (game designer e programmatore), Matteo Corradini (narrative designer) e Giuseppe “Misbug” Longo (artista e game designer), raccolti sotto il nome di Morbidware. 

In realtà, tutto è partito da un gioco di ruolo fantasy apocalittico nato in Svezia. Me lo racconta il suo co-creatore, lo svedese Johan Nohr, presente sullo showfloor di Colonia per incontrare di persona il pubblico. Nohr è un artista visuale, ma anche un appassionato videogiocatore. (E ha l’indubbio bonus di essere un cercatore di funghi) “Di recente mi sono immerso nel mondo di Elden Ring. L’ho adorato”, mi racconta. “Da bambino ho iniziato con il NES [il celebre Nintendo Entertainment System, N.d.A.]”. Alza il braccio sinistro e me lo mostra: è tatuato sul suo avambraccio. “È stato il mio primo tatuaggio!”, dice ridendo.

Il cuore di Johan Nohr oggi batte soprattutto per i giochi da tavolo, e il suo nome è inestricabilmente connesso a quello di Mörk Borg, creato insieme a Pelle Nilsson alcuni anni fa. “Pelle e io avevamo lavorato insieme a un gioco nel 2018, e ci siamo trovati molto bene”, spiega. “Lui voleva creare un gioco fantasy, e abbiamo deciso di farlo. Lo abbiamo chiamato Mörk Borg, siamo partiti con una quantità di contenuti tutto sommato modesta – e poi Mörk Borg è diventato una bestia enorme. Abbiamo avviato una campagna Kickstarter in 2019, ha riscosso un successo incredibile e abbiamo creato il libro di Mörk Borg in sei mesi”. Sei mesi?! gli domando stupita. “Mi sveglio alle 5 di mattina tutti i giorni da quando sono un ragazzino”, mi spiega ridendo. “Ed era un momento di esplosione creativa sia per me che per Pelle”.

O della culla d'incubazione del piccolo, grande Earthion

Resisteva ancora nel 1996 a Milano, in piazza Caneva, un piccolissimo negozietto con il soffitto alto stracolmo di elettrodomestici usati. Un signore con i doppi occhiali insieme a un ragazzotto, agile come un gatto ma fin troppo stempiato per la sua età, riparavano, scambiavano e vendevano meravigliose e sconosciute tecnologie di ogni tipo. Ci finivamo quando l’aspirapolvere si guastava e “qualcuno doveva metterci un ombrello”. In una di queste situazioni vidi tra le offerte uno stupendo e ammaccato Mega Drive giapponese; spalancai gli occhi, rivolsi a mio padre lo sguardo del “ti prego ti prego” e il ragazzotto, alzando un saldatore verso il cielo, se ne uscì con una massima di rara lucidità e sicura raffinatezza ideologica: “Quella sì che è una macchina immortale, altro che questi maledetti lettori ciddì del demonio.” 

Caro ragazzotto fin troppo stempiato per la tua età, siamo nel 2025, quella macchina è qui di fianco a me mentre scrivo ancora perfettamente funzionante ma soprattutto, lo so sembra folle, è appena stato pubblicato un videogioco che la sfrutta e la strizza come mai è accaduto in 37 anni; si chiama Earthion, lo puoi giocare anche su Steam ed è prodotto da Ancient Corporation. Ma sì dai quelli di Street of Rage 2 e Beyond Oasis, con la colonna sonora ovviamente firmata dal fondatore Yuzo Koshiro.

Lavorare nei videogiochi

Sono passati nove anni. Nove anni in cui milioni di persone in ogni parte del mondo hanno ereditato una casetta in campagna dal nonno e deciso di mollare il vecchio lavoro per diventare contadini (e spietati assassini di slime nelle caverne, ma questa è un’altra parte della storia). Arrivati nei campi, si sono ben presto resi conto che c’era da rimboccarsi le maniche. Non so se qualcuno ha rimpianto la sua vecchia postazione in ufficio; di certo in tantissimi si sono sentiti cullati dalla nuova routine: sveglia con il canto del gallo, innaffiare le piante, recarsi nel villaggio per chiacchierare con gli abitanti e far loro regali, esplorare per un po’ le caverne, e poi via, a letto prima dell’ora fatidica, le due di notte, quel momento in cui le forze abbandonano il nostro contadino in erba e paf, si casca per terra esausti dovunque ci si trovi. Avrete probabilmente capito di cosa sto parlando: il “cozy game” gioiello della corona dello sviluppatore Eric Barone, che dopo aver trascorsi anni di difficile sviluppo in solitaria e ristrettezze finanziarie ha partorito la sua gallina dalle uova d’oro – Stardew Valley, uno dei videogiochi più importanti nell’ultimo decennio, nonché uno dei principali simboli di successo del mondo dello sviluppo indipendente. 

Si è scritto e si è detto tanto di Stardew Valley e del genere (se così vogliamo definirlo) che rappresenta: quello dei “cozy game”, i “videogiochi rilassanti”. A livello personale, ho trascorso molte ore in compagnia della creatura di Barone, ma credo che parlare di relax sia un po’ un’esagerazione, quantomeno nella mia esperienza. Sono una persona molto precisa e attenta nella gestione del tempo, e proiettare tutto questo all’interno di un videogioco che attivamente valorizza queste mie qualità si è ben presto trasformato in un nuovo lavoro. Non ne sentivo il bisogno; dunque, ho salutato senza troppa nostalgia le mie paperelle per dedicarmi ad altro. Non riapro la mia fattoria virtuale da anni. Va detto che per molte persone simili esperienze si rivelano ricche di soddisfazioni, e magari riescono anche ad allentare la pressione di una quotidianità non sempre appagante. In fondo, Stardew Valley è, per larga parte, un simulatore di lavoro: un lavoro faticoso, quello nei campi, che però viene semplificato con la precisione procedurale che è propria dei videogiochi, con quella chiarezza che al fertilizzante associa l’effettiva crescita esplosiva delle piante, senza l’interferenza di parassiti sconosciuti e di funghi misteriosi, con previsioni meteo impeccabili, e tempistiche di sviluppo degli animali da allevamento regolate fin nei minimi dettagli. Niente malattie, niente morti improvvise. Qui, forse, sta il relax: nella mancanza di sorpresa, nella sicurezza data dalle regole del gioco e dall’assenza di bari.

Si sa: ogni zona d’Italia ha i suoi racconti popolari. Anzi, ce li ha ogni singolo pezzettino di mondo – ma ci arriviamo tra un attimo. Essendo abruzzese, parto da ciò che conosco meglio: le leggende di casa mia. Che, a essere onesta, fanno un po’ ridere. Il nostro spettro più spaventoso si chiama “pandafeche” ed è una sorta di nonnetta che si siede sul petto di chi dorme e non lo lascia respirare. In realtà, storie di questo tipo esistono un po’ ovunque, e hanno una ragione ben precisa: si tratta di una spiegazione (naturalmente di carattere non medico-scientifico) del diffuso fenomeno delle apnee notturne. Quello che connota in maniera buffa la pandafeche e, ai miei occhi, la rende incredibilmente abruzzese, è l’infallibile rimedio consigliato dalle nonne per far sì che questo mostro non disturbi i dormienti: lasciare nella stanza un sacchetto di lenticchie, in modo tale che il fantasma passi la notte a contarle. Alla fine è vero che in Abruzzo pensiamo sempre a mangiare, pure se siamo dei fantasmi... 

Esiste una teoria – che fa capo al discusso psicoanalista Carl Gustav Jung – secondo cui esisterebbe una sorta di inconscio collettivo dell’umanità, una specie di patrimonio comune fatto di paure, speranze, credenze che si ripetono in tutte le culture. Questo perché precederebbero la cultura stessa: sarebbero saldamente radicate nella mente di ognuno di noi. È una tesi molto criticata, certo, ma la ripetizione pressoché identica di determinati miti e figure anche in angoli lontanissimi del pianeta rappresenta un appoggio importante per l’idea di Jung e dei suoi seguaci. Sapevate che il mito di Orfeo ed Euridice è presente, con variazioni minime, anche in Giappone? O che l’idea di un diluvio universale che si sarebbe verificato migliaia di anni fa è propria di moltissime popolazioni nel mondo? E poi ci sono loro, quei mostri che no, non si lasciano ingannare da un sacchetto di lenticchie (però diciamolo: viva la pandafeche, che è fessacchiona in modo molto, molto abruzzese) e hanno terrorizzato milioni di bambini nell’arco della storia umana: sto parlando di quella nutritissima schiera di creature malvagie che sono dotate di un occhio solo.

THE OUTER WORLDS 2

Approdato sugli scaffali nel 2019, a quasi un anno dall’affissione del vessillo verdecrociato negli studi di Obsidian Entertainment, The Outer Worlds calava i giocatori fra le maglie di una scanzonata “spaceopera”, forte di un piglio satirico strettamente legato alle sue principali fonti d’ispirazione. Nel gdr del team californiano confluivano i pungenti leitmotiv di opere cult come Firefly e Futurama, riversati fra i meccanismi di un gameplay memore degli orizzonti post apocalittici di Fallout. Quelli dei tempi d’oro di Interplay e Black Isle Studios, un’epoca benedetta per gli amanti dei crpg. D’altronde in testa alla produzione c’erano Tim Cain e Leonard Boyarsky, due fra i padri fondatori del desolato universo nato sotto l’egida di Interplay, alle prese con un’ucronia fantascientifica sviluppata col supporto dell’etichetta Private Division. A questo proposito, è facile supporre che i fondi a disposizione del progetto non fossero particolarmente generosi, come si evince dai limiti di un titolo sì brillante, ma con evidenti flessioni qualitative e asperità assortite, che culminava in una manciata di finali che suggerivano una gestazione alquanto sbrigativa. Non è dato sapere se già allora c’era l’idea di risparmiare le cartucce migliori in vista del sequel targato Xbox Game Studios, ma l’hands-on in quel di Colonia delinea chiaramente quelli che sono gli obiettivi del secondo capitolo: The Outer Worlds 2 punta a migliorare l’offerta del predecessore sotto tutti i punti di vista. Sì, parliamo del diktat basale di ogni seguito che si rispetti, ma la breve demo presente alla Gamescom fa comunque ben sperare circa l’effettiva concretizzazione delle mire di Obsidian.

I VIDEOGIOCHI INDIE PIÙ INTERESSANTI DI SETTEMBRE 2025

Questa puntata di Radar viene scritta in un momento davvero speciale: siamo appena tornati dalla gamescom, che è stata ricchissima non soltanto per quanto riguarda trailer, presentazioni a porte chiuse e hands-on su produzioni doppia e tripla A, ma anche dal punto di vista delle produzioni indipendenti. In particolare, la hall 10.2 della Koelnmesse ospitava oltre duecento titoli indie da provare (sì, avete letto bene!), tutti presentati dagli sviluppatori in persona, o da membri del team del publisher di riferimento. Vi racconterò tutto per bene nei prossimi giorni. Intanto, posso dirvi che questo ricchissimo showfloor è stato utilissimo per definire la puntata di Radar di questo mese, visto che ho potuto mettere le mani sulle demo di diversi tra i titoli che trovate analizzati di seguito. Una piccola nota: ho deciso di lasciare fuori da Radar Hollow Knight: Silksong in quanto già conosciutissimo – come sapete, preferisco lasciare spazio a produzioni indie meno note. Sappiate che sono una tra i milioni di videogiocatori che lo attendono spasmodicamente in tutto il mondo! 

Accendete il vostro radar: si parte!

METAL GEAR SOLID DELTA

SNAKE EATER

WHAT A THRILL

Il Delta è il simbolo che indica la variazione e il cambiamento. Quando Konami ha svelato al mondo che Metal Gear Solid Delta sarebbe stato il nome ufficiale del remake del terzo capitolo della saga ideata da Hideo Kojima nel mio cervello ha cominciato a suonare un allarme assordante: capivo (senza mai condonarla fino in fondo) l’intenzione di voler iniziare un processo di rifacimenti proprio dal terzo capitolo, prediligendo l’idea di progredire in ordine cronologico all’interno della serie, ma farlo suggerendo la volontà di cambiarlo? Questo no, soprattutto non dopo aver licenziato nel peggiore dei modi il suo creatore. Nonostante questo la mia curiosità nei confronti di questa nuova versione di Snake Eater è sempre stata molta, soprattutto dopo aver visto Konami portare a casa un remake di Silent Hill 2 più che decente grazie all’insperato buon lavoro fatto da Bloober Team. 

Nel frattempo è anche successo che Death Stranding 2 si è rivelato una delle peggiori delusioni della mia vita da videogiocatore, e mi ha costretto a chiedermi se il vero problema non fossi io che nel tempo ho cominciato a non capire né apprezzare più le tanto decantate “kojimate” che hanno devastato quell’esperienza in maniera irreversibile. Insomma: sono arrivato a Metal Gear Solid Delta: Snake Eater con un bagaglio di dubbi e domande piuttosto ingombrante sulle spalle, quasi come se mi apprestassi – all’alba dei miei trent’anni – a fare i conti con un pezzo della mia esistenza. 

Se mi leggete da un po’ dovreste aver capito, ormai, che per me non sono mai stati soltanto videogiochi. Sono sempre stati qualcosa di più.

Metal Gear Solid 3 mi cambiò la vita. È un gioco orgogliosamente politico, capace di far coesistere al proprio interno un’anima sfacciatamente “weeb” fatta di robottoni giganti e umani in grado di sparare fulmini potentissimi dalle mani con un lato decisamente più sobrio e serioso. Fu in grado di sbattermi in faccia con una violenza inaudita l’orrore della guerra raccontata da chi la combatte, e non fu assolutamente una cosa da poco: sono nato in un’Italia post-piano Marshall, figlia di una cultura pesantemente influenzata da un certo tipo di retorica statunitense che ha per anni ha cercato di vendermi patriottismo e militarismo come valori assoluti e inscalfibili grazie a film e storie belliche che mi hanno raccontato la figura del soldato come quella di un eroe senza macchia pronto a tutto pur di proteggere il proprio paese. In un mondo di Top Gun e American Sniper, Metal Gear Solid 3 ha tentato di opporsi a questa retorica raccontando a tutti che i pluridecorati eroi di guerra che campeggiano sorridenti sulle locandine hollywoodiane non sono altro che pupazzi nelle mani dei governi, pronti a usarli senza indugio alcuno come pegni sacrificali per il proprio tornaconto. 

È soprattutto per questo che Snake Eater, con tutte le sue stranezze così giapponesi e le sue cazzatone a tratti esilaranti, è ancora oggi uno dei videogiochi più importanti della storia del medium, ed è per questo che l’idea che questo rifacimento firmato Virtuous potesse voler cambiare qualcosa di quello script così potente mi terrorizzava nel profondo.

Novanta secondi di breve gloria non si negano a nessuno.

Sul palco del padiglione 1 della fiera di Colonia Geoff Keighley utilizza più volte l’abbreviazione “ONL”, che sta per Opening Night Live. Sono le due ore di show che aprono tre giorni di esibizioni in fiera, l’appuntamento più frequentato dell’anno dei videogiocatori. Forse lo ha fatto anche un anno fa, ma quando sento Keighley ripetere “ONL” mi viene il dubbio che stia provando a imporre anche quella formula, come se fosse un brand di cui occuparsi. O meglio, forse dovrei dire che Keighley sta cercando di venderci anche questa nuova sigla. Una volta resa riconoscibile e collegabile a un determinato tipo di esperienza, diventerebbe un prodotto da replicare e mettere sugli scaffali anche altrove. Ma forse è un problema mio, che di fronte alla Opening Night Live della Gamescom 2025 ho esaurito in fretta le speranze. 

Se c’è un atteggiamento che mi infastidisce è quello di chi sceglie di lamentarsi sempre, di spiegare al mondo cosa ci sia di sbagliato nel suo gioco preferito. Cerco di non farlo, giuro, ma le serate condotte da Keighley iniziano ad andare oltre il mio naturale e trascinante ottimismo. Mentre prendevo appunti sulla sequenza di trailer mostrati a Colonia, mi sono imposto di soffermarmi in questo articolo solo su quelli che mi hanno davvero convinto, lasciandomi intravedere qualcosa di diverso o di particolarmente notevole rispetto agli altri. “Basta con quegli articoli di opinione burberi e lamentosi, a che servono?”, mi sono detto. E lo penso ancora, lo confermo: solo che di giochi diversi o particolarmente notevoli, ne ho riconosciuti un paio.

Le mani dietro lo schermo

“Sam e io pensiamo un sacco a questo: i giochi sono ancora magici. È come se fossero creati dagli elfi. Accendi lo schermo e vedi questo mondo che esiste soltanto sul televisore. Penso che si guadagni qualcosa dal non sapere come sono fatti”. Parola di Dan Houser, co-fondatore di Rockstar Games insieme a suo fratello Sam Houser – proprio il Sam di cui parla nell’intervista concessa a Sam White di GQ Magazine. Ma cosa di guadagna, di preciso, dal non sapere come sono fatti i videogiochi? Dan Houser parla di “magia”, e sembra suggerire la conoscenza le complesse dinamiche produttive che si celano dietro lo schermo rovinerebbe, in una qualche misura, proprio questa “magia”. Non posso dargli torto. Giocare a Phone Story, il videogioco di Molleindustria in cui si segue il tremendo processo di sfruttamento e superlavoro (anche minorile) che porta alla creazione dei nostri smartphone, è un’esperienza che dà il voltastomaco. E si svolge proprio tramite smartphone. È una scelta di design del tutto intenzionale, precisa, chirurgica, per mostrare il lato oscuro dei telefoni cellulari proprio mentre utilizziamo un telefono cellulare. Ed è molto difficile guardare questo oggetto totemico della nostra contemporaneità in maniera benevola quando si scoprono le reali condizioni in cui lo stesso è prodotto. Nulla che Steve Jobs ha mai mostrato nei suoi stilosissimi interventi sul palco, quando presentava l’ultimo modello di iPhone.

Il tempo dei videogiochi è fuor di sesto

“L’unica cosa che può forse rivaleggiare con la mistica della bizzarra serie giapponese di GDR Mother [nota con il nome di EarthBound al di fuori del Giappone, N.d.A.] è la mistica dei suoi fan”. Scriveva così, nel 2016, Adam Nizam, mentre in un articolo dal titolo Exploring The Motherlike: Or, The Genre That Never Was – una riflessione figlia del successo esplosivo di Undertale, uscito l’anno prima – analizzava il crescente utilizzo nei forum e in altri spazi online del termine “Motherlike” per definire videogiochi di ruolo che sembravano aver subito una imponente influenza dall’originalissima serie concepita dal grande Shigesato Itoi. Nizam avviò una serie di interviste per indagare su quanto Mother avesse impattato sullo sviluppo di titoli come Ib, Space Funeral, Anodyne e la serie LISA, tra gli altri. Spoiler per il caso in cui non abbiate voglia di leggere tutto l’articolo di cui sopra: la gran parte degli intervistati conosceva la serie Mother, ma non aveva mai giocato a nemmeno uno dei titoli che ne fanno parte; altri ammettevano che sì, avevano avuto per le mani uno dei capitoli della serie, ma ritenevano che non avesse rappresentato una influenza significativa per il videogioco da loro sviluppato. 

L’autore del pezzo arrivò a concludere che “la creazione del ‘Motherlike’ ha rappresentato un fenomeno del tutto accidentale”. In altre parole: il pubblico ha visto Mother dove Mother non era. Ma la spiegazione, come sembra suggerire Nizam stesso, potrebbe essere più sottile di così. Il supposto genere dei “Motherlike” potrebbe rappresentare la testimonianza di una influenza subepidermica, di un patrimonio fatto di toni surreali e di un mix tra situazioni oniriche, buffe e orrorifiche che potrebbero ormai essere entrate in una sorta di “immaginario collettivo” degli sviluppatori, senza che molti di questi siano consapevoli dell’importanza di questa “madre nobile” di un certo modo di fare GDR: Mother, appunto. Una serie che per molti degli sviluppatori indie intervistati da Adam Nizam era semplicemente una spunta di là da venire nelle loro bucket list videoludiche. O, magari, il loro futuro videogioco preferito.

A proposito di lobbysmo, videogiochi strumentalizzati e corporation censorie

Nel caso siate frequentatori più o meno abituali di Steam, avrete certamente notato come negli ultimi anni la piattaforma abbia accolto fra le maglie del suo ecosistema una quantità titanica di giochi per soli adulti, spesso ai primi posti nell’elenco delle novità più popolari. L’apertura a produzioni di questo tipo risale al 2018, quando la visual novel Negligee: Love Stories generò un certo scalpore ottenendo una visibilità ampiamente immeritata, cui seguì il divieto di vendita in 28 dei paesi raggiunti dall’ecosistema di Valve. Nulla di strano: per distribuire un prodotto, la compagnia deve sottostare alle norme vigenti nei paesi dei possibili acquirenti, onde evitare procedimenti legali e misure sanzionatorie.  

Dopo il caso in questione, preso atto dei generosissimi margini di guadagno nel segmento NSFW, la compagnia di Gabe Newell rese via via più agevole la pubblicazione di questi titoli, continuando a utilizzare come metro di giudizio la legalità dei contenuti proposti, nella cornice di un sistema di autoregolamentazione talvolta vago e interpretabile. 

Su queste note, prima di continuare, urge fare un paio di precisazioni. 

Il colore prima del disegno

La migliore pixel art tradizionale del 2025

Era tutto dannatamente facile. Avevo per le mani un bell'articolo, pronto per il 30 di giugno, un pezzo che avrebbe fatto felici tutti: roba moderna e retorica da statuetta e abbracci, perfetta per scartavetrarmi dal nome quella reputazione rugginosa da “ti sblocco un ricordo macchenesanno i duemila”; avevo in tasca qualcosa di veramente fresco, ai livelli dell’apertura per i Cypress Hill di Bassi Maestro a fine ’90 e vi dico solo che ero addirittura a un passo dal celebrare il proto 3D del vostro tricorno preferito. Persino il Sori, figurati, mi avrebbe lasciato carta bianca.  

E invece arrivi tu. E io non posso che invertire la rotta. Non posso che tornare a guardare indietro, avvicinare la testa a tre dita dallo schermo, socchiudere gli occhi a bancomat e selezionare le immagini che corrono in questa pagina; le parole, come al solito, sono solo di bellezza.

Ben ritrovati alla rubrica che ha l’arroganza di considerare sperimentale anche un semplice elenco di videogiochi. L’elenco è quello che comprende alcuni dei nomi più importanti o interessanti, selezionati tra le centinaia di uscite che si sono registrate nel mese di agosto in decenni di storia. La sperimentazione, questa volta, consiste nel provare a raccontarli, quei nomi, passando dal corridoio di servizio delle curiosità e delle annotazioni secondarie. Anche tutti questi brevi approfondimenti fanno parte dei testi che vengono pubblicati ogni giorno e che costituiscono il corpo vero e proprio di Day One, un almanacco illustrato dei videogiochi (se vi serve più spam, lo trovate in fondo a questo articolo).

E la loro successiva rinascita

Il cestone delle occasioni è una delle mete più ambite di ogni persona appassionata di videogiochi. Che ci si trovi in un punto vendita (luogo ormai sempre più raro) oppure nello store digitale di Steam, l’obiettivo è sempre quello di provare a mettere le mani su qualche gioco scontato e magari riesumare qualche polverosa perla nascosta da riscoprire e aggiungere al proprio curriculum da videogiocatori, così da poter impressionare gli amici.

“Ehi, ma tu l’hai mai giocato quel videogioco polacco minimalista dello sviluppatore morto suicida giovanissimo?” 

È molto comune, per quelli che annaspano nella polvere per cercare dei titoli poco noti, imbattersi in giochi in Full Motion Video, o FMV per gli amici. 

Si tratta di videogiochi che sembrano abitare proprio nel solo spazio cosmico del cestone, soprattutto se parliamo dei titoli risalenti agli anni ‘90, periodo in cui i FMV hanno cominciato a prendere piede riuscendo a riscuotere un certo successo e a suscitare molta curiosità. Un modo di intendere il videogioco che venne lentamente messo da parte ma che, altrettanto lentamente e silenziosamente, negli ultimi tempi sta riuscendo a ritagliarsi un nuovo spazio nel mercato videoludico, grazie a dei titoli che hanno riscosso un certo insperato successo. 

Ma proseguiamo con ordine e, come di consueto, diamo qualche definizione: Che cosa sono i giochi in FMV?

LUTO

L’orrore nel quotidiano

Mi sveglio, apro la porta, attraverso il corridoio. Sulla sinistra, un mobile ricoperto di caramelle, foto, cartacce. Giro a destra. Dalla radio giunge una voce maschile: si parla di un terribile pluriomicidio familiare. Proseguo senza soffermarmi troppo. Apro la porta. Solo che non vado avanti: torno nel corridoio iniziale. Ancora e ancora. 

Esistono videogiochi capaci di avere un’influenza incalcolabile senza nemmeno esistere. È il caso di Silent Hills. Anzi: qualcosa di Silent Hills è esistito, e continua a crescere e prosperare nella mente di migliaia di persone. Perché P.T., la sua demo – sopra ve ne ho descritto l’incipit – è la testimonianza in carne viva di quella che avrebbe potuto essere una svolta nella storia di un franchise storico di casa Konami. È una sliding door nel mondo videoludico, senza dubbio, dato che lo sviluppo era stato affidato a Kojima Productions, con una collaborazione creativa tra Hideo Kojima e il regista Guillermo del Toro. Una svolta fantasma. 

Era una demo piena di inganni fin dall’inizio, a partire dal team di sviluppo: si dichiarava trattarsi di “7780s Studio”. Peccato non esistesse alcun 7780s Studio. Protagonista avrebbe dovuto essere Norman Reedus, che oggi conosciamo come interprete del personaggio principale della serie Death Stranding. Dico “avrebbe dovuto essere” perché chi nel 2014 c’era, o comunque ha studiato un po’ della storia recente dei videogiochi, ben sa che Silent Hills era destinato a fermarsi lì: allo stadio di P.T. Eppure, c’è chi giura e spergiura che anche così, anche soltanto in forma di demo, P.T. sia il miglior videogioco horror di tutti i tempi.

E se insinuate che la pura e semplice fortuna gioca un ruolo fondamentale nelle nostre vite, potreste finire col far prendere una piega sgradevole a una piacevole cena in famiglia, o magari a un aperitivo con gli amici. La speranza confortante che il merito e l’impegno portino sempre e comunque risultati è l’unico appiglio nella vita di milioni di persone. Non intendo biasimarli. Sono rare le persone che riconoscono la presenza, nelle nostre vite, di ciò che potremmo chiamare “sliding doors”, ispirandoci al film omonimo: esistono dei momenti che determinano ciò che diventiamo. Che incidono in maniera anche drammatica sulla nostra salute, sui nostri affetti, sul nostro lavoro. Ma c’è di più: la verità più scomoda da riconoscere è che molto, moltissimo – forse quasi tutto – è scritto già nel momento in cui apriamo gli occhi. Perché il luogo e il momento in cui nasciamo determina in larga parte la disponibilità della risorsa più importante al mondo, l’unica che nessuno può comprare: il tempo.

I VIDEOGIOCHI INDIE PIÙ INTERESSANTI DI AGOSTO 2025

BARILI ESPLOSIVI

Microsoft continua ad accontentare chi si lamenta

Un barile esplosivo

The Outer Worlds (Obsidian, 2019).

Un po’ di altre cose

Dopo aver detto che tutti i suoi giochi first party sarebbero costati 80 dollari, Microsoft ha cambiato idea e deciso che si torna ai 70. Ora, se il problema è che i costi di sviluppo dei videogiochi sono troppo alti, forse farlo pagare di più è un buon compromesso rispetto a licenziare 10 mila persone e poi chiudere gli studi. Io non è che sappia cosa sia la cosa giusta da fare, certo è che mi sembra un’altra decisione presa sull’onda del non scontentiamo la gente piuttosto che figlia di una vera politica industriale. L’ultima volta che Microsoft fece così fu con Xbox One, e non è che andò proprio bene. 

Square Enix ha dovuto rifare da zero Final Fantasy Tactics perché il suo codice originale era stato sovrascritto. Sarebbe bello capire da cosa: uno screener scaricato da internet? Un pdf con le ricette di Benedetta Rossi?

Un LEGO molto bello che non costa una fucilata. 

Nuovi contenuti in arrivo per Assassin’s Creed Shadows (a settembre l’espansione, settimana prossima il new game plus) 

EA Sports FC 26 (il gioco un tempo noto come FIFA) sarà un po’ più diverso dal solito visto che avrà due modalità di gioco diverse (o quasi) in base a quello che state facendo. Banalmente: se state giocando contro dei fenomeni in maniera competitiva online si comporterà in un modo, se fate la partitella offline tra quarantenni in un altro. 

Un altro gioco gigante su Roblox che io boh, signora mia dove andremo a finire (sicuramente non su Roblox). 

Orgoglio italico, anche se si parla di musica. 

Un cambio nella gestione dell’energia di PS5 che potrebbe andare nella direzione di PS Portal, o di qualsiasi dispositivo la potrebbe sostituire. 

Dying Light: The Beast ritarda un po’ (dal 22 agosto al 19 settembre). Considerando che sono polacchi poteva andare molto peggio.

Le ossa della rivoluzione

“L'uomo era alto e così magro che sembrava sempre di profilo. La sua pelle era scura, le ossa sporgenti e gli occhi ardevano di un fuoco perpetuo. Calzava sandali da pastore e la tunica viola che gli ricadeva sul volto rammentava l'abito di quei missionari che, di tanto in tanto, si recavano nei villaggi del sertão a battezzare folle di bambini e a sposare coppie irregolari. Era impossibile conoscerne l'età, la provenienza, la storia, ma c'era qualcosa nel suo aspetto quieto, nelle sue abitudini frugali, nella sua imperturbabile serietà che, prima ancora che cominciasse a dar consigli, attraeva la gente”. Questo è l’indimenticabile incipit de La guerra della fine del mondo di Mario Vargas Llosa, il primo tra i romanzi a essere citato nel discorso con cui venne motivato il conferimento allo scrittore peruviano del Premio Nobel per la Letteratura nel 2010. Vargas Llosa è scomparso da poco, praticamente l’altroieri, nell’aprile di quest’anno. Il governo peruviano ha indetto, per l’occasione, un giorno di lutto nazionale. Gli estimatori del suo lavoro si sono radunati all’esterno della casa dello scrittore, a Lima, con i suoi libri in mano. Molti brandivano il romanzo di cui vi parlo qui, e che fa da base a Hell Clock. 

La guerra della fine del mondo venne pubblicato nel 1981, in un momento in cui Vargas Llosa era conosciuto principalmente per La città e i cani, e segnò l’allontanamento dello scrittore peruviano da temi afferenti alla sua vita e al suo Paese. Il libro guardava all’indietro: a essere oggetto d’analisi erano i fatti della guerra di Canudos, combattuta tra il 1896 e il 1897 nell’odierno Brasile, in quello che all’epoca era lo Stato di Bahia. Erano anni difficilissimi per la popolazione della regione: una grande carestia aveva colpito il nordest del Brasile tra il 1877 e il 1879, dimezzando la popolazione della zona, e aveva dato la stura a fenomeni estesi di brigantaggio e – questo è il tema che più ci interessa – a forme di millenarismo religioso. Era vicina, infatti, la fine del XIX secolo, e l’abolizione della schiavitù nel 1888 contribuì a mutare un quadro sociale già ribollente.

BARILI ESPLOSIVI

Non sono i turni a rendere grande un gioco di ruolo

Un barile esplosivo

Donkey Kong Country (Rare, 1994).

Questa settimana, complice la solitudine e la totale assenza di voglia di uscire, ho giocato molto a Clair Oscure: Expetidion 33. E con “molto” intendo non così tanto da averlo finito, ma abbastanza per averlo capito. Insomma, vi dovete fidare, soprattutto perché per me non è proprio necessario finire un gioco per poterne dare una opinione informata. 

È un gioco delizioso, con qualche passaggio a vuoto ma un gusto invidiabile, una prospettiva fresca e un sacco di cose da vedere, combattere e pianificare. Ed è un gioco importante perché fa vedere che basta relativamente poco per spostare l’asticella un po’ più in alto: basta avere una bella storia, una idea chiara su quello che si deve fare, e la determinazione per farlo senza preoccuparsi troppo di tutto quello che verrà dopo, perché sarà la bontà del gioco a conquistare il pubblico, non il suo aderire o meno a un genere o avere tutte le spunte al posto giusto. 

Questo dovrebbe fare Final Fantasy, o tutte quelle serie che esistono da anni ma che sono in crisi di identità: trovare un’idea intorno alla quale ricostruire e farlo. Trovare una storia che valga la pena di essere raccontata, e raccontarla. Final Fantasy XVI non è andato così-così perché il sistema di combattimento era action, ma perché era un mondo vuoto e statico, con una storia come ce ne sono tante. Clair Oscure: Expetidion 33 non ha nello stesso modo avuto successo perché ha un sistema di combattimento a turni, ma perché quel mondo sembra volerti raccontare qualcosa e perché non ha paura di lasciare il giocatore con un costante senso di lutto e tristezza addosso. 

Clair Oscure: Expetidion 33 è un bellissimo gioco, uno di quelli che sto giocando con più gusto in questi ultimi anni, ma se lo consideriamo un capolavoro o un gioco rivoluzionario è solo perché quel genere è stagnante, a grandi tratti noioso, e perché non ci ha detto molto negli ultimi anni.

Miagolare nella post-apocalisse

La popolazione umana è raddoppiata in numero nella seconda metà del Novecento. Ma c’è chi ci ha battuti in rapidità. Dall’indagine sugli animali domestici svolta dallo US Census Bureau, si è scoperto che tra il 1970 e il 1990 i gatti domestici nei soli Stati Uniti d’America erano passati dall’essere trenta a sessanta milioni – senza contare i gatti randagi che sfuggono alla conta. Alan Weisman, nel suo celebre libro Il mondo senza di noi (pubblicato nel 2007) definisce Felis silvestris catus (questo è il nome scientifico del gatto domestico) “il predatore coccolato”. “Pochi sarebbero disposti ad ammettere che un terzo delle nostre case, in quasi ogni angolo del mondo, ospita uno o più serial killer”, scrive Weisman. “Il cattivo della situazione è la regale mascotte che un tempo faceva le fusa nei templi egizi e adesso le fa mollemente adagiato sui mobili di casa nostra, accettando le nostre carezze solo quando ne ha voglia, emanando un’imperscrutabile calma sia da sveglio sia da addormentato”. Ma i nostri micetti non hanno mai perso il loro talento naturale per la caccia. E, anche se li nutriamo abbondantemente, continuano a uccidere per il semplice piacere di farlo, con alcune stime che collocano intorno a trenta il numero di uccisioni annuali compiute da un gatto randagio. In ogni caso, Alan Weisman – che ha dedicato il volume all’analisi di cosa accadrebbe alle città e alle altre forme di vita terrestri se l’uomo scomparisse improvvisamente dal nostro pianeta – non ha alcun dubbio: “I gatti se la caveranno molto bene in un mondo senza gli umani che li hanno diffusi in tutti i continenti e in tutte le isole in cui non erano ancora arrivati, dove adesso competono, in netta superiorità numerica, con gli altri predatori delle loro dimensioni. Molto dopo la nostra scomparsa, i passeracei dovranno ancora vedersela con i discendenti di questi opportunisti che ci hanno addestrato a dar loro cibo e rifugio, pur ignorando sdegnosamente i nostri richiami, se non per lo stretto necessario a farsi nutrire”.

Sembra che i gatti non perderebbero molto in caso di un’improvvisa scomparsa della specie umana. E allora, forse non dovremmo sorprenderci se sempre più narrazioni – anche nel mondo videoludico – vedono come protagonisti dei mici alle prese con scenari post-apocalittici. In Stray (uscito nel 2022), un gatto randagio ruzzola giù fino a una città sotterranea popolata da robot. Accompagnato dall’intelligenza artificiale che anima un piccolo drone, il protagonista di Stray esplora un mondo cyberpunk distopico ispirato alla città murata di Kowloon. Quella che segue è un’avventura che segue il gatto in un paesaggio materiale ed esistenziale radicalmente diverso da quello della Terra di oggi. Con vecchi stereotipi – perché, in fin dei conti, l’estetica di Kowloon è sfruttata dagli sviluppatori non per parlare della cultura cui questi riferimenti appartengono, ma per evocare una sensazione di stravagante esotismo e, all’occorrenza, di pericolo imminente.

La puntualità tedesca di un gioco che somiglia a F-Zero, ma non vuole esserlo: torna la serie Fast.

La storia di Shin’en Multimedia è sempre la stessa, eppure è piena di momenti interessanti. La software house tedesca ha lanciato Fast Fusion nello stesso giorno di lancio di Switch 2 e così facendo ha rispettato una sua tradizione le cui origini risalgono a vent’anni fa. Quando Nintendo DS venne lanciato in Europa, a marzo del 2005, Shin’en Multimedia era lì, con Nanostray, uno sparatutto 3D di discreta caratura. Quella dello studio con sede nella Baviera sembrerebbe uno schema già conosciuto nel settore dei videogiochi e che tende a premiare i primi giochi per una nuova console con una particolare attenzione della stampa, non sempre direttamente proporzionale ai meriti del gioco stesso. Ma quelli di Shin’en, di solito, sono sempre lavori degni di nota. 

Fast Fusion è la quarta uscita di una serie di giochi di corse futuristiche, che non si vergogna di aver imparato molto da F-Zero e giusto qualcosa da WipEout. L’edizione precedente, Fast RMX, venne pubblicata nel giorno di lancio di Switch, nel 2017 (e l’elenco dei giochi “da day one” di Shin’en su console Nintendo non si esaurisce qui). Come molti altri lavori degli stessi autori, che peraltro sono numericamente davvero pochissimi, anche Fast Fusion fa di una scintillante realizzazione tecnica il proprio vanto. “Quando realizziamo un videogioco, i nostri obiettivi sono utilizzare al meglio l’hardware a disposizione e proporre un sistema di gioco coinvolgente”, c’è scritto ai piedi del sito di Shin’en. Un sito web che per essenzialità e struttura deve essere rimasto sostanzialmente fermo alla sua prima versione, quella del 2002. Si vede che a Monaco, tra le scrivanie degli ex Abyss (che si erano fatti notare nella demo scene degli anni Novanta), non c’è mai stato tempo per pensare a qualcosa di più compiuto. Che probabilmente non gli sarebbe nemmeno servito.

Ovvero, di come sono diventata santa in un giorno d’estate

È una mattina come tante altre. Almeno così credo fin a quando non esco dalla porta di casa, prendo le chiavi dalla borsa e mi accorgo che sul pianerottolo condominiale c’è qualcosa di nuovo. No, non soltanto nuovo: direi anche inaspettato. E pure irritante. I miei vicini avevano deciso che fosse cosa buona e giusta piantare un chiodo nel muro e appendere un quadretto che ha scatenato i miei strali più feroci. “Viviamo in un Paese laico!”, tuono, nella speranza che i due anziani (in realtà un po’ duri d’orecchi) mi sentano, escano dal loro appartamento e abbiano con me un confronto serrato sull’accaduto. “Articolo sette della Costituzione!”, continuo. E via così. Ma non arriva nessuno, e lui e io rimaniamo soli sul pianerottolo. 

Nei giorni e nelle settimane seguenti, abbiamo continuato a osservarci. Ho l’impressione che lui mi fissi, con quella sua aria un po’ beffarda di superiorità, il saio, il crocifisso di legno in mano. E io fisso lui di rimando. Il nostro confronto è silenzioso, e finora non mi è mai capitato di incrociare i due anziani vicini che certamente sono stati autori dell’iniziativa. Sì, siamo sempre lui e io. Poi ho deciso di fare quel che mi viene meglio: studiare. Partendo da una semplice informazione: il suo nome – il nome del figuro ritratto nel quadretto incriminato – è San Gerardo. Ma che storia ha, San Gerardo, e come è finito là dentro?

Scopro che Gerardo fa Maiella di cognome e, da abruzzese, mi ammorbidisco un po’ (la Maiella è la nostra montagna sacra. Niente con cui scherzare). Nasce a Muro Lucano nel 1726. È un bambino dalla salute cagionevole, ma avverte chiara e forte la chiamata del Signore e tenta in ogni modo di essere ammesso in uno dei tanti ordini religiosi cattolici dell’epoca. La sua qualità migliore è indubbiamente la modestia: un bel giorno decide di aderire alla Congregazione del Santissimo Redentore contro il parere della sua mamma, e allora scappa di casa calandosi dalla finestra con un lenzuolo, non prima di aver lasciato a casa un biglietto con scritto “Mamma, perdonami, vado a farmi santo” (!). Finalmente qualcuno con le idee chiare! Pare che già in vita sia dedito a compiere miracoli di vario genere, dalla moltiplicazione dei viveri, alla guarigione, passando per l’estasi e la bilocazione (che non conoscevo prima di studiare la vita di San Gerardo: si tratta della presenza contemporanea di una persona in due luoghi diversi). Nel tempo libero, salva dei marinai facendosi il segno della croce e camminando sulle acque agitate del golfo di Napoli. Poi moltiplica le derrate per salvare la popolazione di Caposele da una carestia. Negli ultimi anni della sua vita, si dedica all’elemosina, poi muore di tubercolosi ad appena ventinove anni. Oggi è ricordato come protettore delle donne incinte: pare che abbia regalato un fazzoletto a una bambina, e poi questa, da adulta, ricordatosi del pezzetto di tessuto mentre soffriva per le doglie di un parto difficile (che memoria!), se lo fa poggiare aperto sul pancione e puff, ecco che senza difficoltà nasce il suo primo figlio.

Il senso dell’avventura

«Ora l’Eroe entra completamente nel misterioso ed eccitante Mondo straordinario […]. È un’esperienza nuova e talora spaventosa per lui: non importa attraverso quante scuole di vita sia passato, in questo mondo sconosciuto è ancora una volta un principiante» (Christopher Vogler, Il viaggio dell’eroe).

In questi giorni sono Sam Porter Bridges in esplorazione del territorio messicano in Death Stranding 2, ma anche uno dei piloti di Mario Kart World. Sono il nomade V che vuole scheggiare l’anima di Night City con le sue bravate e uno dei possibili Jan Dolski di The Alters. Non credo che chi passi costantemente una parte del suo tempo sui videogiochi abbia qualche merito. Abbiamo però l’abitudine di frantumarci e ricomporci dentro altre mille esperienze, a volte facendoci trascinare di più e qualche volta rimanendo annoiati e distaccati più di quanto non sperassimo inizialmente. Molti videogiochi sono comunque uno strumento che rende possibile, almeno in parte, accasarsi altrove: in panni un po’ o del tutto differenti da quelli indossati durante le nostre tradizionali giornate da umani. 

Per questo appuntamento mensile con il Monthly Digest di Day One, per via del sospetto ricorrente che questi articoli non siano particolarmente utili, ho deciso di cambiare l’approccio. Sarà un esperimento irripetibile, perché già alla seconda volta di fila perderebbe quel minimo di curiosità che spero possa instillarvi. Vediamo se funziona, il procedimento è semplice: Day One è un almanacco illustrato dei videogiochi e, sotto forma di una newsletter quotidiana, presenta per ogni giorno dell’anno i videogiochi pubblicati in quella data attraverso 35 anni di storia. La spiegazione più lunga e più spammosa è in fondo a questo articolo, per ora mi limito a dire che ogni giornata del mese di luglio vedrà la presentazione di almeno tre giochi. Tre giochi e, nella quasi totalità dei casi, tre differenti avventure, punti di vista, personaggi e figure da interpretare. Ne ho scelte solo trentuno di queste cento e passa carriere, una per ogni giorno di luglio. Trentuno modi per andare altrove, tenendo le chiappe a mollo nel divano. 

Riuscite a indovinare almeno qualcuno dei giochi citati, senza chiedere aiuto a Google o a quelle stupide delle intelligenze artificiali?

Poco meno di un mese con la nuova console di Nintendo: il feeling, l’esperienza di gioco e quello che si può intuire sul suo futuro.

Nintendo Switch 2 non è una console interessante. Può essere considerata una console affidabile, promettente e addirittura conveniente, oltre che rispettabile e di sicuro unica rispetto alla concorrenza. Ma nessuno dei suoi tratti va scoperto, capito e studiato. Non può giocarsi la carta del fascino misterioso e, per questo, scrivere un articolo che miri a esplorarne la filosofia è complicato (se non addirittura inutile). Se state leggendo questo pezzo, la possibilità che non abbiate idea di cosa sia stata e sia tuttora Switch è quasi inesistente. Switch 2 è quella stessa console, aggiornata per il mercato in cui si ritrova a dover sgomitare. Le prime sbracciate sono state efficaci: con oltre 3,5 milioni di unità vendute, Switch 2 si è imposta come la console di maggior successo nei giorni di lancio. In Giappone ha addirittura surclassato il risultato del 2000 di PlayStation 2. Numeri che liberano subito la strada verso l’obiettivo dichiarato da Nintendo: toccare quota 14 milioni entro il termine di questo esercizio fiscale, cosa che avverrà il 31 marzo 2026. 

La domanda che verrebbe più naturale farsi, allora, è se valga la pena acquistare Switch 2. Ma anche questa volta rispondere sarebbe impossibile, perché sono troppe le variabili da tenere in considerazione e innumerevoli le inclinazioni e le esigenze personali che possono far pendere il giudizio da una parte o dall’altra. Quello che si può sicuramente fare è raccontare come è Switch 2 da vicino, quali siano le sensazioni che può dare a chi, come me, gioca da molti anni e che, con la console Switch già disponibile da anni, ha passato un sacco di tempo.

BARILI ESPLOSIVI

Una serata come quelle di trent'anni fa

Un barile esplosivo

Days Gone (Bend Studio, 2019).

Una cosa importante

Quando ho iniziato a giocare Magic c’era un’abilità chiamata “branco”. Permetteva, sia che si attaccasse o difendesse, di decidere come dividere o assegnare i danni. Cioè, faceva molto di più, ma la spiegazione è di una difficoltà e di un tecnicismo tale che nel caso potete farvi una cultura qua. Il branco era composto da tutte le creature con quell’abilità più una che poteva aggregarsi senza averla. 

Ecco, ieri sera io ero quella creatura. 

Ci siamo ritrovati tra amici per fare aprire delle buste della nuova espansione di Magic a tema Final Fantasy. Magic, ma lo sapete dai, è il più grande e famoso dei giochi di carte collezionabili, nonché quello che li ha inventati. E insomma, da qualche hanno a questa parte escono delle espansioni con un tema che non c’entra nulla con la mitologia classica del gioco: c’è stata quella del Signore degli Anelli, quella di Dr. Who, di Fallout o di Assassin’s Creed. 

Queste operazioni non sono diverse da quello che fa LEGO da anni, andando a picchiar duro sulla generazione dei 40enni che ora hanno uno stipendio e possono investire belle cifre in costosi set che ricostruiscono passioni d’infanzia o in (bellissime) carte che ti danno la possibilità di giocare, tra una montagna e un’isola, Cloud Strife, un Chocobo o Ifrit. 

C’è poi tutta una questione legata a quanto queste operazioni stiano diluendo l’unicità del gioco o la sua mitologia originale e a quanto le abilità e le trovate dedicate a ogni singola espansioni vadano ad arricchire o rovinare l’esperienza di gioco. 

Ma questo non è un mio problema: io ieri sera ero la creatura del branco che non aveva l’abilità branco, quella che si è unita e ha visto giocare gli altri perché era già felice di aprirsi le sue bustine, di dividersele per Final Fantasy e controllare già dove recuperare quelle che gli mancano, e non gli serviva giocare (anche perché non ne sarebbe stato in grado). 

Magic è una di quelle cose che è diventata enorme e pop, ed è formata dalle persone che giocano tanto quanto da quelle che semplicemente collezionano. E questo non ci dice nulla della nostra società, perché magari, un gioco di carte collezionabili, è solo un gioco di carte collezionabili. E questa espansione è bellissima: ha carte pazzesche, un sacco di citazioni, alzate di gomito e novità assortite. 

Ah, e branco non esiste più da boh, 15 anni, forse di più. L’ho scoperto ieri.

Il quarto Falò, dove tutto si fa confuso

Benvenute e benvenuti a questo nuovo Falò, quel momento in cui io e i miei figli ci raccontiamo come sta andando con i loro videogiochi. Se non sapete di cosa sto parlando o trovate tutto confuso qua trovate gli altri tre falò e le regole che ci siamo dati, mentre se proprio siete capitati qua per caso, qui c’è la spiega di cos’è Cross Gen. 

Le scorse settimane sono successe un sacco di cose di cui sarebbe valsa la pena parlare, ma io non ho avuto il tempo per svilupparle come mi sarebbe piaciuto, quindi in questo falò recuperiamo un po’ di tempo accorpando gli ultimi due giochi dei bambini così torniamo in carreggiata.

I VIDEOGIOCHI INDIE PIÙ INTERESSANTI DI LUGLIO 2025

ON THE BEACH

Sam è sulle pendici di una montagna, sprofondato quasi fino alla vita in una coltre di neve pericolosissima e circondato da un gruppo di CA pronte a trasformare quel versante in un colabrodo a colpi di voidout. Niente di particolarmente differente da quanto fatto e visto fino a quel momento, non fosse che per motivi di trama è la prima volta che il corriere leggendario si ritrova senza la capsula di Lou agganciata alla tuta, quindi impossibilitato a vedere i suoi inquietanti nemici spettrali se non trovandocisi pericolosamente vicino. In quel momento Death Stranding ha utilizzato il gameplay per insegnarmi qualcosa, obbligandomi a riflettere sul rapporto con Lou e su quanto profondo e importante fosse il legame che mi univa a lui. Lo ha fatto in maniera pragmatica, privandomi di una meccanica di gioco data fino a quel momento per scontata per pungermi sul vivo, costringendomi a conferire un peso reale a quel rapporto in un mondo alla deriva che si stava lasciando scivolare verso l’estinzione della specie. Death Stranding è un videogioco che procede esattamente in questo modo, concedendo al giocatore strumenti e connessioni per poi toglierli di mezzo, trasformando quel vuoto in un’occasione di introspezione e di crescita. Corda e bastone, perfettamente in linea con i temi di un’opera dirompente sia nelle ambizioni che nella struttura. 

Dare e togliere.

lo shooter firmato Imagine Dragons

Appena annunciato durante la Summer Game Fest, Last Flag è il titolo d’esordio di Night Street Games, studio di sviluppo fondato dai fratelli Dan e Mac Reynolds, rispettivamente leader e manager della band Imagine Dragons. Qualche mese fa, ho incontrato Mac alla Game Developers Conference e mi ha raccontato che lui e suo fratello sono cresciuti appiccicati ai videogiochi, con particolare affetto nei confronti delle avventure grafiche Sierra, Lucas e Delphine. Mac non lo sapeva, ma non credo fosse possibile menzionare tre sviluppatori più adatti a farmi sentire subito sulla stessa lunghezza d’onda. “Fin da ragazzini abbiamo sempre desiderato creare videogiochi,” ha aggiunto Mac, “e tra l’altro pochi lo sanno ma Dan è anche un discreto programmatore.” La vita ha portato i due altrove, a creare una band pop rock da 75 milioni di dischi venduti, ma la passione per i videogiochi è rimasta e due anni fa hanno deciso di provarci: “Immaginavamo che avremmo incontrato scetticismo, quindi abbiamo deciso di partire in piccolo e lasciar parlare i fatti.” Hanno messo assieme un prototipo e, di fronte a un riscontro positivo, hanno assemblato uno studio, a oggi composto da una cinquantina di persone, partendo anche dal vantaggio di poter sfruttare i contatti accumulati nel corso degli anni prestando (si fa per dire) la loro musica a publisher come Bethesda, Nintendo e Riot.  

E lo studio è un bel coacervo di veterani del settore che si sono messi assieme per provare a creare qualcosa di nuovo e personale. Alla GDC, assieme a Mac Reynolds, ho incontrato anche il game director Matthew Berger, che nei suoi quasi trent’anni di esperienza può vantare di un lungo periodo in Relic Entertainment a occuparsi di Company of Heroes e vari giochi di Warhammer, ma anche un decennio pieno trascorso su vari episodi di Diablo presso Blizzard. E con lui c’era il produttore esecutivo Jonathan Jelinek, che fra le sue esperienze lavorative ha lunghi periodi su World of Warcraft e Wildstar. I tre, insieme, mi hanno appunto mostrato e raccontato Last Flag, un gioco incentrato sul concetto di cattura la bandiera, che prima ancora di essere una modalità classica e divertentissima degli FPS online, era un qualcosa a cui Mac giocava nei boschi da ragazzino. Da lì l’idea di un gioco pensato per ruotare attorno al concetto di introdursi di nascosto in territorio nemico per recuperare un obiettivo.

I COMPLEANNI IMPORTANTI

20 ANNI

• Chibi Robo (Nintendo) 
• killer7 (Capcom)
  

SUMMER EDITION

Ed eccoci a parlare del PC Gaming Show, con i suoi settanta (!) videogiochi mostrati e due ore di durata (!!). È ufficiale, signore e signori: questa Summer Game Fest è una vera e propria overdose di trailer. E di demo: mai così tante come quest’anno. Contando anche che con il PC Gaming Show si chiude la rassegna estiva capitanata da Geoff Keighley, è vero, ma a poche ore di distanza si è aperto Steam Next Fest. Insomma, c’è davvero tanto da vedere, ma anche da giocare in prima persona – e senza la necessità di spendere un euro, ricordiamolo. 

Come il resto delle conferenze, anche il PC Gaming Show di quest’anno ha testimoniato una grande vitalità, riportando alla ribalta progetti di cui non sentivamo parlare da un po’, e che magari avevamo subito dei rinvii (tra cui Demonschool, vittima della maledizione di Radar qualche tempo fa) e produzioni provenienti da creativi celebri (penso a Mewgenics, il surreale GDR di allevamento di gatti proveniente dalla mente di Edmund McMillen, co-creatore di The Binding of Isaac), oltre a una infinita pletora di videogiochi che già tenevo d’occhio e alcune nuove world premiere davvero interessante. Benissimo nel complesso. 

Vi racconto cosa mi ha colpito di più.

Summer Showcase 2025

Il battage serrato degli show di questa Summer Game Fest prosegue. Credo di essere ufficialmente vicina a una vera e propria indigestione di trailer, ma la verità è che sto vedendo talmente tanti reveal interessanti e attesi aggiornamenti su prodotti che ho da tempo nel mio radar che è più forte il desiderio di restare incollata al divano rispetto all’esigenza di fare una pausa. Anche perché di certo parte di quanto stiamo ammirando ora potrà essere provato a Colonia, in occasione della prossima gamescom, che ormai si fa sempre più vicina. 

Il Future Games Show soffre come al solito di una durata molto prolungata e di una qualità a dir poco altalenante delle produzioni mostrate, ma quest’anno l’ho trovato discretamente bilanciato e – per fortuna – poco tendente verso free-to-play e altri modelli di business che trovo decisamente discutibili. Soprattutto, per molti dei giochi partecipanti sono state pubblicate delle demo, senza contare che vari titoli hanno una data d’uscita collocata proprio durante quest’estate. Ed è sempre un bene parlare di videogiochi con concretezza, mettendo da parte hype e attese senza fine. E dunque, bando alle ciance: vi racconto con molto piacere le produzioni che mi hanno colpita maggiormente durante questa edizione del Future Games Show.

Il mercato dei “cozy games”, di cui forse il simbolo più conosciuto è Stardew Valley, è un settore sempre più attenzionato, anche perché capace di portare all’interno della platea di giocatori persone che non trovano riscontro per i propri gusti in altri generi. In realtà, parlare di “cozy games” come genere a sé non sembra corretto: si tratta di un’etichetta, di un contenitore che al suo interno ospita simulatori di vita e di fattoria, videogiochi platform, ma anche investigativi. Lo stesso Animal Crossing, gigante da decine di milioni di copie vendute prodotto da Nintendo, può essere definito un “videogioco rilassante”, per tradurre in italiano la definizione comunemente usata per il tipo di produzioni che vengono ospitate nel corso di Wholesome Direct, evento che è tornato sulla ribalta nell’estate del gaming dopo lo State of Play di Sony, il Summer Game Fest Showcase di Geoff Keighley e il Day of the Devs. 

Come ogni anno (è ormai giunto alla quinta edizione), Wholesome Direct ha unito approfondimenti su videogiochi già annunciati e world premiere. Per alcuni dei titoli mostrati sono avvenuti shadowdrop e sono state rese disponibili demo e playtest: vi segnalerò quelli che ho trovato più interessanti, in modo tale che anche voi possiate orientarvi in questo mare di giochi in cui stiamo nuotando nel ricchissimo giugno 2025. Con una garanzia: ce ne sono davvero per tutti i gusti. E direi che questa è sempre una bella notizia!

RECENSIONE

“Trust the process”, fidati del percorso. L’infanzia di Mario Kart World viene cullata da una formula ricorrente nei manuali dei leader, o aspiranti tali, di questa epoca. Un’epoca in cui le differenze tra i trascinatori carismatici e i fuffa-guru sono tragicamente labili. Mario Kart World si è preso sulle spalle il peso del lancio di una console che ha tutto da perdere, mentre l’araldica lo condanna a sostenere pure quello di un padre molto ingombrante. Se fosse vivo e in mezzo a noi, Mario Kart World sarebbe Jakob Dylan. E puoi essere talentuoso quanto vuoi, ma se tuo padre è Bob Dylan, sarà comunque tutto molto complesso. Forse Mario Kart World non è condannato a una vita all’ombra di Mario Kart 8 Deluxe, il granitico monumento eretto in dieci anni in celebrazione dello spin-off di maggior successo di sempre. Forse, dandosi da fare stagione dopo stagione, potrà arrivare a sedersi alla destra del padre. 

Intanto al pubblico più esigente chiede una cosa: di fidarsi del percorso.

1-4

Come decostruire il gioco di ruolo (di nuovo)

Mi sono dedicata anima e cuore a scegliere il nome del mio personaggio giocante in Deltarune. Ho anche selezionato la tipologia di gambe che mi piaceva di più. Che libertà di scelta – grazie, Toby Fox, troppo gentile! Poi, alla fine del processo, compare una serie di scritte a schermo. “Grazie per il tuo tempo”, leggo. “Le tue risposte e la tua meravigliosa creazione verranno ora scartate. Nessuno può scegliere chi è in questo mondo. Il tuo nome è...”.

Sto dormendo. Anzi, non sto dormendo io: sta dormendo il mio avatar in-game. Perché pochi giochi riescono a distinguere in maniera chiara tra giocatore (noi) e avatar (il personaggio che controlliamo all’interno del gioco) come Undertale – e sì, anche Deltarune. Siamo una forza diegetica, nei mondi di Toby Fox e soci. Ma sto divagando, come al solito. Perché la scoperta che faccio mentre il mio avatar sonnecchia è che lui si chiama Kris, con buona pace della mia scelta di poco prima. E a pronunciare il suo nome è Toriel, il primo grande ritorno a cui assisto.

THE ETERNAL DIE

La fortuna aiuta Alexandra

Le definizioni, nel mondo dei videogiochi, sono importanti. Soprattutto a fini di marketing: basti pensare alle etichette definite dagli utenti per ciascun prodotto sulla piattaforma Steam. L’applicazione di un’etichetta facilita l’incasellamento di un prodotto e la sua canalizzazione verso la fascia di utenti appassionata a giochi di quel tipo. Si tratta di parole: possono essere più o meno chiare sul contenuto effettivo che si andrà a trovare all’interno del videogioco in questione. E no, spesso non sono chiare affatto. In A Game Design Vocabulary: Exploring the Foundational Principles Behind Good Game Design (di Anna Anthropy e Naomi Clark, pubblicato Addison-Wesley Professional nel 2014), le autrici partono dallo scarso carico informativo di questi termini per tentare di riscrivere il linguaggio del design ludico, interpretandolo come una grammatica espressiva dell’agenzialità, ossia dello spazio di possibilità garantito all’interno del gioco al giocatore, con un focus sui verbi, sui nomi, sugli aggettivi che permettono di dare concretezza all’esperienza, rifuggendo da facili e generiche etichette. In effetti, dire che ci troviamo dinanzi a un “videogioco d’azione” non ci permette di immaginare una tipologia di prodotto specifico. Lo stesso vale, in realtà, quando parliamo di “videogiochi indie”: mancano criteri chiari per discernere cosa è “indie” da cosa non lo è. A volte, una semplice lettera fa da misura a delle importanti differenze – succede quando parliamo di “roguelike” e di “roguelite”, due parole spesso utilizzate in maniera intercambiabile. 

Se siete appassionati di etichette – che ci piacciano o no, fanno parte di questo panorama – vi segnalo che lo sforzo definitorio per capire di cosa parliamo quando utilizziamo la parola “roguelike” ha trovato un importante punto (parzialmente) fermo nel 2008, con la prima International Roguelike Development Conference, durante la quale vennero elaborati nove fattori “ad alta priorità” e sei fattori “a bassa priorità” per determinare se ci troviamo effettivamente dinanzi a un videogioco roguelike. Non tutti questi fattori devono concorrere nel medesimo prodotto: stando alla “interpretazione di Berlino” (così le conclusioni di quella conferenza sul tema sono note oggi) è sufficiente che siano presenti almeno tre dei nove fattori ad alta priorità. Il dibattito teorico sul genere si è naturalmente evoluto nel corso degli anni, parallelamente a una salita alla ribalta di quella che potremmo definire una costola presa dal corpo dei roguelike, e che ha assunto vita e rilievo proprio, rivendicando una sua autonomia: il genere dei “roguelite”. Una tendenza così robusta e importante che un recentissimo volume (è uscito nell’aprile di quest’anno) curato da James Cartlidge e pubblicato da Routledge è stato intitolato The Rise of the Roguelite. Inside a Gaming Phenomenon, e nella sua introduzione si parla di una vera e propria “ondata dei videogiochi roguelite nell’ultimo decennio”.

STEAM NEXT FEST

GIUGNO 2025

Pochi momenti dell’anno riescono a farmi appassionare a questo (splendido) lavoro che è la critica videoludica come Steam Next Fest. Il festival organizzato dalla piattaforma di Valve non è soltanto un momento di entusiasmanti scoperte per gli appassionati; è anche un passo fondamentale nella promozione di tante produzioni videoludiche, magari alla ricerca di un publisher, che hanno la preziosa occasione di veder crescere esponenzialmente il numero di wishlist del proprio gioco. Non mi stancherò mai di dirlo: se un gioco vi piace, spendete una frazione di secondo per inserirlo all’interno della vostra lista dei desideri su Steam. Aiuterà gli sviluppatori che non hanno ancora un publisher a trovarne uno, e per i coraggiosi che decidono di autopubblicare il proprio gioco sarà uno strumento essenziale per spingere la visibilità del titolo in un mercato che affollato è dir poco. E, non a caso, ormai Internet pullula di guide per permettere a team inesperti di trarre il massimo risultato dalla manifestazione, attuando strategie ben precise per attirare giocatori verso le proprie demo. 

Dopo l’abbuffata di trailer (e di demo!) del Summer Game Fest appena trascorso, posso dire che questa edizione di Steam Next Fest si dimostra ricchissima di proposte. Di certo continuerò a provare tanti altri giochi nei prossimi giorni, ma intanto vi lascio un po’ di suggestioni. Avete tempo fino al 16 giugno alle 19.00, ora italiana, per fare un tuffo in questo mare. L’acqua è spettacolare. Facciamo due bracciate!

Anteprima

Come posso, io che vivo di tubi catodici, mullet e occhiali veloci, non essere genuinamente innamorato di un videogioco sviluppato da qualcuno che pubblicamente si fa chiamare Johnny Galvatron? Quella appena conclusasi è stata un’edizione molto strana della summer game fest, in cui a brillare sono stati principalmente videogiochi arcade molto immediati come Ninja Gaiden Ragebound, Shinobi Art of Vengeance e Absolum, eppure se dovessi scegliere uno e un solo titolo da portarmi a casa come best of the show sceglierei di lanciarmi quasi sicuramente su Mixtape di Beethoven and Dinosaurs, già autori di The Artful Escape. Questo perché Mixtape è un gioco completamente matto, con delle idee ampiamente fuori dagli schemi nonostante un’impostazione esplicitamente narrativa, che mi ha convinto sotto ogni aspetto. 

Non posso parlarvi di Mixtape, però, senza fare prima una piccola digressione sul contesto in cui ho avuto modo di giocare la demo per circa una mezz’oretta. Annapurna Interactive si è presentata in forze alla Summer Game Fest, con Morsels, Outlaw Star e Mixtape disponibili per la stampa, e lo ha fatto costruendo uno scenario delizioso, addobbando il suo padiglione come un basement americano di fine anni ‘80 infarcito di televisioni a tubo catodico, vecchi Gamecube e gameboy nascosti tra gli scaffali, finte edizioni retro dei giochi in prova (tra cui delle copie per Super Nintendo del gioco di Beethoven and Dinosaurs e delle versioni Game Boy Advance di Morsels) e, soprattutto, degli addobbi che trasformavano gli schermi piatti delle postazioni in dei mobili tv effetto legno tanto care al pubblico americano di qualche decennio fa. Mixtape, in mezzo a tutto queste chincaglierie nostalgiche, ci stava come il cacio sui maccheroni: si tratta, dopotutto, di un videogioco ambientato nella periferia suburbana americana di fine anni ‘90 tutta villette a schiera e ragazzini annoiati in cerca di emozioni.

WAY OF THE SWORD

Anteprima

Nonostante abbia passato gran parte della mia vita da giocatore appresso alle produzioni giapponesi più disparate, quella di Onimusha è una saga che ho frequentato pochissimo. Che a pensarci bene poi è strano eh, perché di videogiochi ambientati all’ombra dei torii dei più disparati santuari giapponesi ne ho frequentati tantissimi, eppure la saga di Capcom per qualche motivo sono sempre riuscito a eluderla. Quando all’interno della lunga lista di roboanti annunci degli scorsi The Game Awards l’azienda ha annunciato il nuovo capitolo della serie ho effettivamente ceduto all’impulso di mettermi in pari, quindi ho recuperato il primo capitolo su PlayStation 2, ma non si può dire che ne conservi un ricordo chissà quanto caro. Onimusha è un gioco molto strano che è invecchiato molto male, e che mischia assieme tanti elementi provenienti da mondi differenti, come quelli dell’action e quello del survival horror a telecamera fissa e controlli tank, e per questo non riesco a non riconoscergli quantomeno un fascino tutto suo. Questo nuovo capitolo doveva quantomeno impegnarsi a trovare un modo per svecchiare la formula e renderla fruibile al pubblico del 2025, ma i primi scampoli di gameplay mostrati da Capcom qualche mese fa hanno trasmesso l’idea di una produzione ancora in alto mare, tecnicamente in difficoltà e diretta pericolosamente contro un muro. 

Nel corso della Summer Game Fest ho avuto modo di prendere parte ad una presentazione a porte chiuse all’interno del padiglione di Capcom, in cui ho assistito ad un hands-off di circa mezz’ora in cui il producer Akihito Kadowaki ha giocato una piccola porzione del gioco di fronte al pubblico. La primissima cosa che posso dire è che il primissimo impatto con questa demo mi ha convinto soprattutto da un punto di vista estetico: la demo si ambientava ai piedi del Kyomizu-dera in una splendida Kyoto seicentesca falcidiata da un esercito di demoni. Il RE Engine si è dimostrato ancora una volta uno strumento preziosissimo, capace di adattarsi anche in questo caso ad una produzione molto differente dalle altre dell’azienda di Osaka. Il colpo d’occhio è davvero convincente, merito di un rendering che ho trovato molto elegante nel rendere alcune delle sfumature della sua ambientazione disperata, anche se va detto che a prendersi la scena – almeno per me – è stato il modello poligonale del protagonista. In Onimusha: Way of the Sword, infatti, si giocherà nei panni di Miyamoto Musashi, leggendario samurai giapponese e padrino della via della spada, il cui volto è modellato su quello di Toshiro Mifune, attore-feticcio di Akira Kurosawa e protagonista di alcuni dei più importanti film della storia. Devo essere onesto: non so ancora dire come mi sento all’idea; Mifune è davvero uno dei miei attori preferiti e uno dei più grandi della storia, ma è scomparso da più di un ventennio e vederlo riprodotto sullo schermo ringiovanito di cinquant’anni con una precisione sbalorditiva mi ha un po’ destabilizzato. Capisco la voglia di affidarsi a un icona del cinema, cosa che peraltro era già successa in Onimusha 3 sulla cui copertina campeggiava l’immagine di Jean Reno, ma non sono sicuro che farlo con il volto di un attore ormai deceduto sia stata davvero una buona idea.

Anteprima

Dopo la sua prima apparizione e i continui rimandi che si sono susseguiti nel tempo cominciavo a perdere le speranze di poter rivedere in azione Pragmata. Il penultimo trailer si chiudeva con l’immagine di un post-it che chiedeva scusa al pubblico per il protrarsi dell’attesa, e in cuor mio avevo cominciato da parecchio a fare i conti con la possibilità che il gioco sarebbe stato ingloriosamente cancellato viste le evidenti difficoltà. Anche l’ultimo trailer si è chiuso con quello stesso post-it, solo che il precedente messaggio di scuse è stato cancellato ed è stato sostituito dalla promessa di un lancio entro il 2026. Il fatto è che quello che è stato mostrato a schermo è stato così intrigante che mi sono voluto fidare ciecamente della promessa di Capcom. Avanti veloce di qualche giorno: sono a Los Angeles, nel padiglione di Capcom, e mentre la città sta bruciando a causa delle violente proteste contro il governo Trump sono in piedi di fronte ad una demo station di Pragmata con un sorriso ebete stampato sul volto.  

Di Pragmata, fino a qui, si è visto troppo poco per riuscire ad inquadrarlo. Alcune suggestioni estetiche facevano pensare al gusto visivo di Kojima Productions e ad alcune suggestioni provenienti direttamente da Vanquish (!!), l’impostazione dei trailer suggeriva un’ambientazione sci-fi e una natura da shooter in terza persona, ma da qui a dire che avrei potuto prevedere quello che mi sarei trovato per le mani una volta avviata la demo ne passa parecchio. Anzi, quando Pragmata faceva capolino nelle mie conversazioni con amici e colleghi la cosa che continuavamo a chiederci con insistenza era se fosse un gioco appartenente al filone delle grandi produzioni Capcom o se fosse uno dei fratelli della nidiata di titoli più piccoli e sperimentali come lo sono stati Exoprimal e Kunitsu-Gami Path of the Goddes prima di lui.

REQUIEM

Anteprima

Annunciato sul palco del kickoff event della Summer Game Fest 2025 come sorpresa di chiusura della conferenza da un Geoff Keighley raggiante per l’opportunità offertagli da Capcom, Resident Evil Requiem è di sicuro uno dei videogiochi più importanti tra quelli che hanno scelto il festival estivo di Los Angeles per mostrarsi al pubblico. Un nuovo capitolo attesissimo e di cui si è chiacchierato moltissimo negli ultimi mesi vista la sequenza sbalorditiva di titoli azzeccati in fila da Capcom, che arriva sulla coda di un arco narrativo – quello dedicato ad Ethan Winters – che nonostante un po’ di resistenze iniziali si è fatto largo nel cuore del pubblico più affezionato della serie. La sorpresa è che abbiamo già una data di pubblicazione (il 27 Febbraio 2026), e la promessa che di qui ad un paio di mesi, più nello specifico sullo showfloor della Gamescom di Colonia, stampa e soprattutto pubblico avranno modo di provare una demo che non si sa quanto sarà approfondita.  

Al netto di questo, però, il trailer mostrato sul palco della conferenza si è limitato ad inanellare qualche momento nostalgia inquadrando alcuni dei luoghi simbolo del primo corso della serie, quello ambientato a Raccoon City, e ad introdurre la nuova protagonista, Grace Ashcroft, che è la figlia della Alyssa Ashcroft di Resident Evil Outbreak. È stato reso noto che Grace è entrata a far parte dell FBI a seguito dell’omicidio della madre, tuttora irrisolto ma indubbiamente legato ai suoi reportage sulla nuclearizzazione di Raccon City, ma che a differenza degli altri protagonisti della serie principale non è così pratica con le armi da fuoco e con le tecniche di sopravvivenza.

Anteprima

Ne è passato di tempo da quando Sega ha deciso di presentare al mondo il suo malefico piano per riportare in vita alcune delle sue IP dormienti. Ricordo perfettamente il battito saltato di fronte al carosello di video in cui vennero mostrati per la prima volta i nuovi capitoli di Jet Set Radio, Streets of Rage e Golden Axe, così come è difficile dimenticare l’orrore che mi ha divorato il cuore quando ho scoperto che il nuovo Crazy Taxi sarà un live service di cui nessuno ha mai sentito il bisogno. Fra tutti i titoli presentati in quella stramba carrellata, però, ce n’era uno che spiccava per le sue indubbie qualità estetiche. Era un piccolissimo trailer di quello che non poteva che essere un nuovo Shinobi, esponente di una serie in criostasi dai tempi del capitolo pubblicato su Nintendo 3DS nel 2011, e mi ha da subito trasmesso ottime sensazioni. 

A due anni di distanza mi sono accomodato nella solita tenda che Sega presiede da sempre sullo showfloor dei Play Days (che in quanto tale è uno degli ambienti più ostili di tutta la kermesse, viste le temperature mortali che bisogna combattere lì dentro nei giorni di sole), dove ho potuto finalmente mettere mano a Shinobi: Art of Vengeance. E ve lo devo proprio dire: all’interno di una Summer Game Fest presa inaspettatamente d’assalto da una piccola ma significativa falange di videogiochi arcade, il nuovo Shinobi si è presentato con la forza del capobranco, in quello che mi è sembrato l’ennesimo piccolo miracolo firmato dai francesi di Lizardcube. Il team di Parigi, infatti, aveva firmato assieme ai connazionali di Guard Crush Games quel gioiellino che risponde al nome di Streets of Rage 4, dimostrando di avere non solo le capacità per potersi occupare dello svecchiamento di vere e proprie leggende del gaming d’antan, ma anche di avere l’ambizione necessaria per proporre formule nuove e coraggiose capaci di proiettare quelle serie nel presente senza temere la concorrenza di un medium che nel frattempo si è scoperto adulto e interessato principalmente ad esperienze di tutt’altra natura. 

“Game Pass” e “World Premiere” non scompaiono, ma la formula protagonista del non-E3 di Microsoft è “Play Anywhere”.

L’annuncio dello spettacolo registrato da Microsoft, incentrato ovviamente sul mondo sempre più gassoso di Xbox, è stata la nuova doppia soluzione portatile realizzata con Asus: ROG Xbox Ally e ROG Xbox Ally X. Saranno le due versioni di un dispositivo da gioco portatile costruito da Asus, che rientra nella famiglia ROG Ally, ma che ha delle specifiche software e di controllo realizzate ad hoc. Nonostante la natura commercialmente ibrida (a proposito, chi le venderà?). il CEO di Xbox Phil Spencer ha definito ROG Xbox: “il prossimo hardware Xbox”, un’investitura molto precisa. 

L’esistenza di ROG Xbox Ally, di cui i prezzi non sono ancora noti, è stata svelata dopo un avvio convinto e di buona fattura dello show, che aveva fin da subito iniziato a martellare con i classici “cartelli” animati di Microsoft. Gli stessi che fanno da commento a questi spettacoli/playlist da anni, su tutti il maschissimo “World Premiere”, che precede un debutto assoluto. A questi si è aggiunto subito “Xbox Play Anywhere”, che indica la compatibilità del gioco con il programma che assicura una copia dello stesso sia su PC che su Xbox, a fronte di un solo acquisto. È una delle apprezzabilissime accortezze introdotte da Microsoft con la generazione di Xbox Series X|S e solo quando è arrivato il momento di ROG Xbox Ally si è capito il perché di quella scelta. “È un Xbox che puoi tenere in mano”, ha spiegato Sarah Bond, Presidente di Xbox, ma qui bisogna ricordare che Microsoft ha da mesi intrapreso una campagna per ridefinire cosa si debba intendere con “Xbox”. E cioè qualsiasi dispositivo su cui si possa godere dei videogiochi venduti (in varia forma) da Microsoft stessa.

DAY OF THE DEVS 2025

SUMMER GAME FEST EDITION 2025

Quest’anno il contrasto tra la serata “principale” del Summer Game Fest, condotta da Geoff Keighley, e la “sorella minore” rappresentata dal Day of the Devs è stato particolarmente forte e sentito. Dopo due ore di annunci decisamente poco entusiasmanti, con pochi picchi – un nuovo trailer di Death Stranding 2: On The Beach; il reveal di Resident Evil Requiem; un DLC di Lies of P reso disponibile immediatamente con uno shadowdrop – il Day of the Devs per me è arrivato come una boccata d’aria fresca all’uscita di una lunga, lunga galleria. C’era da aspettarselo, visto che l’anno scorso lo show aveva ospitato titoli del calibro di Phoenix Springs, UFO 50 e Afterlove EP. 

I principi alla base dell’evento sono completamente diversi. Manca uno show floor fisico; la trasmissione è registrata prima di andare in onda; l’ente organizzatore è una organizzazione non profit sorta dagli sforzi di Double Fine Productions e iam8bit; la partecipazione da parte di titoli di prossima uscita e sviluppatori è completamente gratuita, e passa attraverso un processo di curatela e selezione che dura mesi. Un cambio di passo profondissimo rispetto alla filosofia dello show di Keighley. Con risultati ben visibili: i team al lavoro sui singoli progetti hanno il tempo e il modo di spiegare i loro giochi in maniera approfondita, con video dedicati e veri e propri spaccati di vita e di lavoro capaci di entrare in profondità dentro ciascun videogioco, e dentro ciascuna persona che ai videogiochi si dedica con passione. Un ottimo modo per garantire a piccoli giochi indipendenti una possibilità per emergere, anche se la scala dei progetti quest’anno variava abbastanza: dall’attesissimo Sword of the Sea di Giant Squid (Abzu, The Pathless, Journey), già protagonista di una sezione dell’ultimo State of Play, a Consume Me di Jenny Jiao Hsia e AP Thomson, che era già stato ospitato dal Day of the Devs nell’ormai lontano 2018. L’ho trovato uno show di altissimo livello. Vi racconto i progetti che mi hanno colpita di più in assoluto.

A margine dell’evento di apertura della Summer Game Fest presentato da un Geoff Keighley in forma smagliante (che per la prima volta da quando ha usurpato il ruolo di volto pubblico del gaming nel mondo è riuscito a non farmi addormentare quindi kudos a lui) ho deciso di avventurarmi al The Mix, evento in presenza dedicato agli sviluppatori indipendenti che si tiene a Los Angeles in concomitanza con le celebrazioni di quello che ormai è per tutti il “non E3”. Nella splendida cornice della terrazza panoramica del Grammy Museum di LA, che si sporge sulla facciata del leggendario Figueroa Hotel (da sempre il simbolo dell’Electronic Entertainment Expo), mi sono ritrovato immerso in una vera e propria festa del videogioco indipendente in tutte le forme in cui ho avuto modo di provare alcuni titoli decisamente interessanti e di scambiare quattro chiacchiere con i rispettivi sviluppatori. Purtroppo i ritmi imposti dalle convention digitali mi hanno lasciato a disposizione molto meno tempo di quello che mi sarebbe servito per mettere mano anche solo a un quarto dei titoli in mostra all’evento, eppure ne sono uscito con in tasca quattro piccole esperienze a loro modo molto significative. 

Permettetemi, a margine, anche un commento spassionato: l’atmosfera che si respira all’interno di questo tipo di eventi è impareggiabile. Nonostante sia arrivato sullo showfloor nelle fasi finali di questa edizione di The Mix mi sono ritrovato circondato da sviluppatori sfiniti ma felicissimi di raccontare le proprie creazioni alla stampa, ai creator e ai colleghi. È rinvigorente percepire il clima di collaborazione genuina che aleggia in momenti come questi, che sono animati da uno spirito davvero tangibile di voglia di fare e, soprattutto, di condividere. Non c’è quasi mai spazio per acredini e competizione tossica, ed è una vera figata.  

Torniamo a noi però, e lasciate che vi racconti quattro dei (pochissimi) titoli su cui sono riuscito a mettere le mani prima di venire allontanato dalla terrazza per permettere a PR e Sviluppatori di godersi una meritatissima notte di sonno ristoratore.

A Los Angeles è andato in onda il format che non fa bene a nessuno.

Si può avere nostalgia di qualsiasi cosa, Non è mai stato così facile diventarlo come in questo periodo storico, in cui tutto ciò che è già stato continua a essere facilmente recuperabile attraverso YouTube o i cataloghi su abbonamento. Questo vale per quanto riguarda l’agrodolce sensazione di attaccamento a un prodotto che non c’è più, naturalmente. Ma che potessi sviluppare un ricordo romantico rispetto a certi interventi in determinate conferenze stampa, tenute in momenti molto precisi, quello non l’avevo messo in conto. 

Quando Sony, Nintendo e Microsoft organizzavano a Los Angeles i loro incontri con la stampa, i media briefing, dovevi mettere in conto che a un certo punto saltasse fuori una persona vestita di tutto punto e iniziasse lentamente a descrivere i risultati finanziari dell’azienda per gli ultimi trimestri. Alle sue spalle un megascreen mandava le slide di Power Point con grafici a torta e scritte troppo piccole per essere lette. A volte quelle persone erano vicepresidenti o qualcosa che ci si avvicinava, credo di averne viste almeno un paio dal vivo in cui sul palco di Nintendo saliva George Harrison (non quello, un altro): credo sia una persona perbene, ma in quanto a eloquenza non era un intrattenitore nato. 

Ieri notte allo YouTube Theatre di Los Angeles, i giornalisti Lucy James e Geoff Keighley hanno condotto il Summer Game Fest Showcase 2025, seguendo un format a cui ci ha abituato: una sequenza quasi inarrestabile di trailer, interrotti solo brevemente da poche parole, che solo in casi molto rari sono proferite da chi ha avuto una qualche responsabilità nella creazione di ciò che si vede nel trailer stesso. Non è una formula ideata da Keighley, ma quella che può essere considerata la naturale evoluzione dei media briefing dell’E3 degli anni Novanta e dei primi dieci anni di questo secolo.

PlayStation continua a produrre poco di suo, ma in un’ora metteassieme una bella squadra di colleghi e ospiti. Con una sorpresafinale che può dire molto.

Con una breve scossa, il carrozzone del non-E3 è partito dalla stazione. A segnalare la chiusura delle porte è Sony, che con una trasmissione registrata da poco meno di un’ora ha anticipato la sequenza di eventi che lotteranno per guadagnarsi le vostre attenzioni, con la Summer Game Fest di Geoff Keighley investita del ruolo di capotreno e la fermata obbligatoria nelle terre di Xbox (qualsiasi cosa Microsoft decida che sarà un Xbox, da qui a domenica). 

Vorrei dividere idealmente questo commento allo State of Play facendomi aiutare da delle macrocategorie, appena più precise di “roba che mi è piaciuta” e “quando c’era questo ho fatto partire la registrazione del Pinkpop Festival del 1992 per la millesima volta (questa settimana)”. La buona (?) intenzione è stata immediatamente sabotata dalla scelta di aprire la trasmissione con una sequenza esteticamente e ritmicamente inconfondibile: per i suoi primi vent’anni, Lumines (2005, PSP) si è fatto regalare le luci strobo del dancefloor di PlayStation. Lumines Arise verrà pubblicato in formato PlayStation 5 e PSVR 2 in autunno e, nel presentarlo, un sempre placido Tetsuya Mizuguchi ha fatto vedere come si invecchia bene, quando passi il tempo immerso nella musica e nei puzzle game. Che uomo bellissimo, che gusto inattaccabile. 

Torno al progetto iniziale, le macrocategorie.

Liberate Zio ED

Ho sempre fatto senza. 

Non so neanche cosa voglia dire fidarsi di qualcuno in questo oceano che chiamano vita. Il mio mare è una stanza buia mentre là fuori già brucia la primavera che si fa estate. Ho dodici anni. Mi ripetono da quando sono nato che mi devo comportare da grande. 
Ma io so da sempre fare senza. 

Senza voce. Senza amici. Senza mamma. 

In queste acque so perdermi e non pensare, so far rimbalzare il mio sonar nei gradienti, correggere griglie su griglie di tile, so punteggiare col dither questa piatta esistenza da hikikomori dell’Atlantico e, d’improvviso, salto e ritrovo ancora il mio riflesso frantumato nei barbagli di luce che radono a filo il confine tra acqua e cielo.

Una linea divide due parole opposte e in fondo simili nel suono e nei colori, Oceano e Cielo. Due linee perpendicolari, l’orizzonte e il balzo alto di un delfino, suggeriscono due vettori di ricerca opposti e in fondo simili nel suono e nei colori: il tema del viaggio orizzontale sulla strada, da una costa all’altra, percorso e ripercorso dalla letteratura americana e il tema verticale dell’introspezione e del dialogo con la coscienza sondato e risondato dalla tradizione europea.

Un caffè sovrannaturale con Anna Winterstein

“Cresciamo giochi che ami”. D’altronde, “toge” in lingua indonesiana vuol dire “germoglio di fagiolo”. Un sinonimo di tenacia e di crescita dal basso. “Qui in Toge Productions” si legge sul sito, “crediamo che i grandi risultati possono venire da umili inizi. Proprio come dei germogli di fagiolo”. Mi sarebbe piaciuto poter spiegare ai miei nonni, contadini, che esistono sviluppatori di videogiochi che accostano questo lavoro all’agricoltura. Sarebbe stato davvero magico. L’Indonesia è uno dei principali esportatori mondiali di gomma, caffè, cacao e olio di palma, ma anche tè, tabacco, zucchero. In altre parole, l’agricoltura è di casa, proprio come nel mio Abruzzo. Negli ultimi anni, però, il Paese si è aperto a vari settori dell’industria tecnologica, inclusa la branca legata ai videogiochi. Il germoglio di fagiolo di Toge Productions è nato nel 2009, e con la hit Coffee Talk – frutto dell’ingegno del compianto Mohammad Fahmi, scomparso nel 2022 a soli 32 anni – si è posizionata a inizio 2020 in cima al mercato dei cozy games indipendenti con uno dei prodotti più noti e riconoscibili di questo ambito.  

La serie, inizialmente prodotta e autopubblicata da Toge Productions, è proseguita con Coffee Talk Episode 2: Hibiscus & Butterfly, uscito nel 2023, e nel 2025 è prevista l’uscita di un terzo capitolo, Coffee Talk Tokyo. La struttura ludica è sempre rimasta la stessa: vestiamo i panni di un barista che assiste alle chiacchierate di un variegato cast di clienti. Nel frattempo, si preparano bevande di loro gusto, in un’atmosfera rilassata impreziosita da musica lo-fi. Ogni Coffee Talk è per me un appuntamento imperdibile, e dunque in questi giorni ho provato con piacere la demo di Coffee Talk Tokyo, ancora disponibile gratuitamente su Steam nel momento in cui scrivo. Ad affiancare Toge Productions nella produzione c’è Chorus Worldwide Games, e quest’ultima compagnia curerà anche la pubblicazione. Nel corso dei suoi undici anni di storia, Chorus è riuscita a intercettare videogiochi del calibro di A Space for the Unbound, When The Past Was Around e Read Only Memories: NEURODIVER, tra gli altri. È grazie al team di Chorus che Anna Winterstein, già co-writer di Coffee Talk Episode 2: Hibiscus & Butterfly, è giunta a far parte del team di sviluppo della serie. In questo terzo capitolo, Winterstein è responsabile della storia e del narrative design del gioco. L’ho intervistata mentre giocavo alla demo di Coffee Talk Tokyo.

BARILI ESPLOSIVI 

L'irresistibile bellezza delle parate

Un barile esplosivo

Mario Kart Tour (Nintendo, 2019).

Un po’ di cose che sono successe

Sembrerebbe che Microsoft abbia deciso di mettere da parte l’idea di sviluppare un suo dispositivo portatile (lo aveva detto Phil Spencer, il capo di Xbox, qualche tempo fa) per concentrarsi sul supporto di quelli già esistenti prodotti da altri. Da una parte è un peccato, perché ogni nuovo stroffio è sempre il benvenuto, dall’altra è una decisione abbastanza sensata e in linea con quello che Xbox sembra voler diventare da grande: un editore per tutti. 

Notizie troppo perfette per essere vere: Clair Oscure: Expedition 33 avrebbe venduto 3.3 milioni di copie esattamente dopo 33 giorni dalla sua pubblicazione. Indago e vi faccio sapere. 

Electronic Arts ha cancellato un gioco su Black Panther e chiuso Cliffhanger Games, lo studio che ci stava lavorando. Studio, peraltro, annunciato meno di due anni fa proprio per quel gioco. A posto così. 

È uscito Elden Ring Nightreign, il primo gioco pensato per il multiplayer di FromSoftware. Non sembra male da giocare, ma sembra avere anche un sacco di problemi, come il perdere qualcosa dello spirito del gioco originale e l’abusare un po’ troppo del riciclo degli asset degli altri giochi di From. 

Chris Maple racconta in questo pezzone di Rebekah Valentine su IGN di come ha creato il logo di Pokémon. 

Keita Takahashi, l’autore di Katamary Damacy, è tornato con To a T e sembra non aver perso il suo tocco. 

Ma a parte Mattia Ravanelli che è un dinosauro, qualcuno scrive ancora le recensioni dei videogiochi? 

L’incredibile bellezza e significato della parata nei videogiochi è racchiuso in questa citazione di Isaiah Colbert, che ha scritto il pezzo su Aftermath: “sono tutti spacconi finché qualcuno non para le loro minchiate”. E sì, se state pensando a questa “parata” non siete i soli.

Noi siamo la forma perfetta

“Questa è la natura del settore. Io non sono importante. Il gioco è importante. Ma io? Chi se ne importa?”. Da quando quella palla inizialmente fatta di puntine da disegno e matite ha iniziato a rotolare ne è passata di acqua sotto i punti. Fino a quando la sfera è diventata così grande da inghiottire case, polpi giganti, isolotti, e una vita intera. Dire Keita Takahashi è dire Katamari; ma è vero che dire Katamari è anche dire Keita Takahashi? Secondo il diretto interessato, no, almeno stando a quanto riportato in un’intervista rilasciata nel 2023 a The New York Times: l’industria è molto più interessata ai prodotti che a chi i videogiochi li crea. Dopo il clamoroso debutto di Katamari Damacy nel 2004 e lo sviluppo di alcuni sequel, nel 2009 Takahashi si era già stufato dell’industria videoludica: prese baracca e burattini e annunciò che si sarebbe dedicato alla progettazione di un parco giochi per bambini in Gran Bretagna. 

L’architettura era stata un suo pallino da sempre. Prima di scegliere il percorso universitario, Takahashi aveva l’intenzione di studiare architettura per progettare piccole case per famiglie comuni, strutture semplici in grado di soddisfare esigenze quotidiane. Finì per studiare arte e specializzarsi in scultura. Alla fine, il parco giochi fu un buco nell’acqua: i progetti di Takahashi vennero considerati troppo stravaganti dai responsabili urbanistici britannici. E fu così che decise di tornare a fare videogiochi.

Uno fra gli aspetti per i quali Prince of Persia: The Lost Crown è stato maggiormente lodato è l’incredibile profondità delle opzioni che offre, in grado di aumentarne la leggibilità, l’accessibilità e l’adattabilità a giocatori d’ogni tipo. Tra i principali fautori di questo sforzo c’è il level designer Remi Boutin, che alla Game Developers Conference 2025 è salito sul palco proprio per parlare di questo aspetto della lavorazione e subito dopo mi ha concesso il suo tempo per un’intervista, nella quale abbiamo approfondito il tema ma abbiamo anche parlato del gioco a tutto tondo e della sua carriera da sviluppatore. 

Remi ha iniziato ad amare i videogiochi nei primi anni Novanta. Non sa di preciso quale sia stato il primo titolo su cui ha messo le mani ma ricorda di aver giocato tantissimo su Mega Drive a Sonic the Hedgehog e su PC a Return to Castle Wolfenstein, “anche se non avrei dovuto. Ero a casa di un amico, avevo sei anni, e mi innamorai immediatamente dei videogiochi. Da piccolo adoravo i fumetti, passavo tutto il tempo a disegnare, e i videogiochi mi sembravano come dei fumetti interattivi. Ci passavo sopra più tempo possibile.” Boutin si appassionò molto ai videogiochi giapponesi, anche se all’epoca non era consapevole della loro provenienza, e si dice “molto felice di essere cresciuto nel periodo di transizione fra 2D e 3D, e poi l’HD, poter essere stato testimone di quel cambiamento.” Inevitabile chiedergli se all’epoca abbia giocato al Prince of Persia originale: “Assolutamente! Ci giocavo su PC e per me era un gioco misterioso, avrò avuto nove o dieci anni. Tieni conto che è uscito nel mio anno di nascita, quindi ci ho giocato qualche anno dopo.”

Boutin ricorda quanto fosse affascinante chiacchierarne a scuola con i suoi compagni: “Un mio amico mi aveva detto di aver trovato una pozione che faceva cambiare lo schermo! E poi c’era quel momento in cui dovevi saltare nello specchio per uscire fuori dall’altra parte… Ed era difficilissimo, non credo di essere mai riuscito a finirlo giocandoci davvero entro i 60 minuti previsti… A proposito di difficoltà adattabile!” Questo modo di godersi i videogiochi lasciandosi affascinare dai suoi misteri e discutendone con gli amici è stato un punto fermo anche della mia gioventù ma oggi, forse, si è un po’ perso, col fatto che, quando esce un gioco, nel giro di due o tre giorni Reddit l’ha già interamente risolto. Ho chiesto a Boutin cosa ne pensi: “Non hai torto. Ai tempi di Demon’s Souls e del primo Dark Souls c’era ancora quella sensazione, attraverso i forum e le wiki, senza contare che già lavoravo nel settore e alla macchinetta del caffè si chiacchierava un sacco del gioco e dei suoi misteri. Oggi, in effetti, appena un gioco esce c’è tutto su internet.” Boutin mi fa l’esempio di Animal Well, che Billy Basso ha riempito il più possibile di segreti per poi osservare allibito mentre l’hive mind su Discord completava nel giro di un giorno enigmi che pensava avrebbero richiesto mesi. Assieme giungiamo però alla conclusione che sia ancora possibile divertirsi con questa cosa, per esempio proprio come ha fatto Basso, che ha ideato un puzzle in cui ogni giocatore vede solo una parte della soluzione: “Quello è un modo per cavalcare il lato positivo della questione e spingere comunque la gente a giocare assieme e discutere. Però sì, oggi è difficilissimo creare un gioco in cui vuoi avere un senso di mistero.”

I VIDEOGIOCHI INDIE PIÙ INTERESSANTI DI GIUGNO 2025

BARILI ESPLOSIVI

Si può anche dire di no, ai soldi sauditi

Un barile esplosivo

Doom: The Dark Ages (id Software, 2025).

Un po’ di cose che sono successe

La community di GeoGuessr, un gioco che si può fare da browser nel quale si deve indovinare una località partendo dalle immagini di Google Street View, ha deciso che non gli stava bene il fatto che l’editore del gioco avesse deciso di organizzare un torneo all’interno di quell’insieme di eventi che l’Arabia Saudita, che li organizza, chiama “mondiali di esport”. E non gli stava bene al punto che molti utenti e creatori di mappe hanno deciso che avrebbero smesso di dedicarcisi se la cosa fosse andata avanti, con una convinzione tale che alla fine, questo torneo, non si farà. Bravoni. 

E comunque sì, anche questa è una delle tante iniziative che possiamo far serenamente rientrare nello sportwashing. 

A24 farà un film su Elden Ring e lo dirigerà Alex Garland (ExMachina, Civil War). 

Neil Druckmann è un gigante, ma potrebbe parlare di meno per lasciare che la gente possa fantasticare di più.Che poi, con tutto quello che ha da fare, dove lo trova il tempo per parlare? 

TakeTwo, l’editore di Grand Theft Auto, con il coraggio dei giusti ha deciso di far contento Trump e non nominare più nel suo report annuale le politiche a favore della comunità LGBTQ. Pavidi. 

Visto il successo di Blue Prince, il Guardian ha messo in fila quelle che secondo lui sono le migliori case o magioni della storia dei videogiochi. 

Notizie dal fronte della crisi: i tagli stanno colpendo soprattutto l’accessibilità dei giochi e forse il modello “sviluppatore solo cambia il mondo vendendo 180 milioni di copie” non è così bello come sembra. 

Un libro interamente dedicato alle confezioni delle schede grafiche 3D, che sono un genere artistico a parte. 

Come si fanno le scene di sesso nei videogiochi. 

Abbiamo rischiato che Final Fantasy XI chiudesse lo scorso anno. Cioè, dopo 23 anni non credo sia così fuori dal mondo, ma non so se sono pronto. 

Annunci assortiti dal mondo Warhammer. 

Secondo gli analisti le previsioni di vendita di Switch 2 sono più basse di quelle della prima Switch. Secondo il presidente di Nintendo un elemento determinante in queste previsioni è il prezzo più alto della console. Ma dai? 

Comunque il nuovo Doom il suo lo fa alla grande. 

Un mese bello carico se siete abbonati al Game Pass (spoiler: ci sono Metaphor: ReFantazio, The Division 2 e To a T, tra gli altri).

Nell’ormai lontano 2012, gli allora fidanzati Stephen Kick e Alix Banegas, all’epoca reduci da esperienze lavorative in Sony Online Entertainment, si stavano facendo una lunga vacanza assieme e Stephen decise di portarsi dietro un po’ di roba a cui giocare sul suo laptop. La leggenda narra che Stephen, quando scoprì con grande scorno che la sua copia fisica di System Shock 2 non funzionava sul nuovo sistema operativo, che non esistevano patch per sistemare il gioco e che non c’era modo di acquistarlo da nessuna parte, decise di risolvere la situazione. Fra i motivi per cui System Shock 2 non era disponibile nemmeno su GOG c’era il delirio relativo alla proprietà dei diritti sulla IP, e fare ordine fra i vari detentori non fu semplice. Ma i due non mollarono, riuscirono a far quadrare le cose, si appoggiarono sull’aiuto di uno sviluppatore francese, tale Le Corbeau, che aveva creato una patch per il gioco, e riuscirono a ripubblicare il classico di Looking Glass su GOG. I buoni risultati commerciali dell’impresa convinsero il duo che esisteva un mercato per questo genere di operazioni e così nacque Nightdive Studios, un’azienda focalizzata sulla creazione di remaster e remake dei classici del videogioco.

Tredici anni e un’acquisizione da parte di Atari dopo, Nightdive Studios era alla Game Developers Conference per mettere nelle mani della stampa System Shock 2: 25th Anniversary Remaster, e io ho colto l’occasione per provarlo e farmi una chiacchierata con Larry Kuperman, veteranissimo del settore che oggi si occupa di acquisire IP per i progetti dello studio. L’idea di rimasterizzare System Shock 2, mi ha spiegato Kuperman, nasce dal desiderio di omaggiare il gioco a cui sostanzialmente si deve l’esistenza di Nightdive Studios. Si tratta, però, “solamente” di una remaster e non del remake completo in cui magari alcuni fan potevano sperare. Come mai? “Per noi,” mi ha detto Kuperman, “la preservazione è molto, molto importante. E preservazione significa poter giocare al gioco nella sua forma originale, seppur ripulita e messa a nuovo per il pubblico contemporaneo.” Ma una cosa non esclude l’altra ed è assolutamente possibile che in futuro lo studio decida di produrre anche un vero e proprio remake per il gioco nato dalla mente del giovane Ken Levine. E d’altro canto è quel che è successo con il System Shock originale, rimasterizzato da Nightidve nel 2015 e poi tornato sotto forma di remake nel 2023. Insomma, vedremo.

QUACK!

È un gran momento per i palmipedi videoludici. Nessun dubbio su questo. Nel mese di settembre dell’anno di grazia duemiladiciannove, un’oca starnazzante planò di prepotenza nelle giornate fino ad allora seriose di tanti, tanti videogiocatori (già un milione alla fine dell’anno). Portava con sé un coltello, un campanellino d’oro e, soprattutto, una carica comica tendente a più infinito. Untitled Goose Game è un videogioco strano, stranissimo: protagonista è un’oca dispettosa che vuole rovinare la vita agli abitanti di una tranquilla cittadina. E ne combina di tutti i colori. Quell’oca non lo sapeva, ma era destinata a realizzare una piccola rivoluzione nel serioso mondo dei videogiochi. Che, fino ad allora, aveva concesso ben poco spazio alla comicità. Nel 2004, Stephen Totilo su Slate si domandava: “Why aren’t video games funny?”. Perché i videogiochi non sono divertenti? “Le liste dei videogiochi più influenti di tutti i tempi sono pieni di fantasy, sparatutto in prima persona, puzzle game e titoli sportivi” scriveva. “Le commedie non ricevono la benché minima menzione”. Totilo proseguiva analizzando le possibili ragioni di questa mancanza, prima tra tutte la difficoltà di integrare la comicità all’interno di un tessuto ludico. 

E poi venne l’oca. L’onda lunga di Untitled Goose Game è quello che potremmo descrivere come un piccolo, ma concreto sommovimento: sempre più spesso stiamo assistendo all’uscita di videogiochi che fanno della risata il loro elemento identitario – in cui, quindi, il riso non è un semplice accidente generato da determinate situazioni ludiche. Per citarne uno, nell’estate dello scorso anno è arrivato dalla Gran Bretagna con furore Thank Goodness You’re Here!, videogioco pieno di humour slapstick con una comicità del tutto surreale, ambientato in una strampalata cittadina britannica dal nome di Barnsworth. E guarda un po’ chi è il publisher? Panic, lo stesso di Untitled Goose Game. La “giocommedia” di Thank Goodness You’re Here! è stata accolta come una ventata d’aria fresca da una infinità di festival dedicati ai videogiochi indipendenti, e ha ricevuto un plauso unanime dalla critica, oltre che una calda accoglienza da parte del pubblico. Segno che il desiderio di ridere con i videogiochi c’è – eccome se c’è.

La lavorazione di Harold Halibut ha avuto inizio nel 2012, quando Ole Tillmann e Onat Hekimoglu si sono messi in testa creare un’avventura punta e clicca realizzata in stop motion e ambientata in un mondo subacqueo. E alla Game Developers Conference 2025, i due sono saliti sul palco per raccontare quel viaggio fantastico. All’epoca, nel 2012, Onat aveva appena portato a termine i suoi studi di cinema e aveva proposto a due suoi amici, Fabian e Daniel, di sviluppare un videogioco. Ole ancora non faceva parte del team, si sarebbe unito due mesi dopo, e la scelta di puntare alla stop motion fu in parte dettata dall’amore per quel genere di cinema, in parte dalla consapevolezza di non essere in grado di creare grafica 3D. Insomma, mettersi lì a costruire cose a mano sembrava la cosa più semplice e sensata da fare, per quanto folle possa sembrare a chi non ha dimestichezza con quelle tecniche. 

Il lavoro ha avuto inizio nella maniera più rustica possibile, nella cucina di Onat, e il gruppo si è immediatamente reso conto che se da un lato erano molto bravi nel mettere assieme le ambientazioni, dall’altro non avevano la dimestichezza artistica necessaria per ideare e visualizzare i personaggi. Ed è lì che è entrato in in ballo Ole, concittadino dei tre, con cui Onat aveva fatto conoscenza tramite le rispettive sorelle. Siccome i primi tentativi di disegnare dei personaggi avevano prodotto risultati abominevoli, il trio decise di contattare Ole, che “Abbandonò il suo impiego in Disney per noi. O comunque ci piace raccontarla così.”

Stiamo parlando di un gruppo di ragazzi poco più che ventenni, in parte ancora studenti, che iniziarono a dedicarsi a questo progetto impiegando il proprio tempo libero. All’epoca, l’idea era ancora di creare Harold Halibut nella sua interezza utilizzando le tecniche tradizionali dell’animazione in stop motion, quindi con pupazzi dagli scheletri mobili, che avrebbero dovuto animare a mano davanti a un green screen, per poi eseguire eventuali ritocchi in postproduzione.

Durante la mia settimana di Game Developers Conference 2025, ho avuto modo di osservare da vicino molti giochi interessanti per me del tutto inediti. Piccole produzioni spesso caratterizzate da un'ambizione sorprendente, come è sicuramente il caso di Second Stone, un gioco d'azione e avventura che si propone come sorta di omaggio agli Zelda di una volta, quelli con visuale dall'alto, enigmi ambientali da risolvere e tanta azione, infilandoci però anche un sacco di elementi platform più virati invece in direzione Mario, suggestioni da metroidvania e anche idee contemporanee mutuate dai soulslike. L'idea, mi hanno spiegato i due fondatori dello studio finlandese Skyward Entertainment che ho incontrato a San Francisco, è partita dal desiderio di creare una sorta di versione attuale di Secret of Mana, andando contro al trend degli RPG contemporanei cupissimi e violentissimi, proponendo invece qualcosa di più vitale e colorato, anche negli inevitabili momenti cupi che la storia racconta. Per questo, nel 2020, i due hanno abbandonato il loro lavoro fisso e si sono messi a trafficare con Unreal Engine. Dopo circa un anno, sono riusciti a trovare dei finanziamenti e nel tempo hanno assemblato uno studio da diciassette persone, che mi descrivono come più o meno equamente divise fra programmatori e grafici. Quattro anni e circa tre milioni di dollari dopo, Second Stone e quasi pronto per la pubblicazione e si presenta molto bene, con uno stile grafico accattivante e delle meccaniche di gioco che paiono solide.

I COMPLEANNI IMPORTANTI

20 ANNI
Forza MotorSport

30 ANNI
Electornic Entertainment Expo

Nuova era oscura

“Ci hanno insegnato a pensare all’oscurità come a un luogo pieno di pericoli, persino di morte. Ma l’oscurità può essere anche un luogo di libertà e possibilità, un luogo di uguaglianza” 

- James Bridle, Nuova era oscura, NERO, 2019

BARILI ESPLOSIVI

Il bivio alla fine della strada

Un barile esplosivo

Sly 2: Band of Thieves (Sucker Punch Productions, 2004).

Una cosa notevole

Nonostante la mia natura fondamentalmente ottimista, le ultime settimane nel mondo dei giochini sono state abbastanza toste. Magari mi sono fatto troppo influenzare dalla vendita di Polygon, da Giant Bomb che perde alcuni pezzi fondamentali, da Xbox che alza i prezzi, dai licenziamenti che sembrano non fermarsi, o da questo pezzo di Eurogamer (che tra le altre cose cita questo video di Alanah Pearce). O magari invece è proprio la contingenza che non è proprio favorevole. 

Se non avete pazienza vi faccio un riassunto rapido: il problema non sono tanto i giochi troppo costosi da fare, ma il fatto che l’intero settore sta raggiungendo la sua maturità, il che porta alla fine della crescita esponenziale anno su anno, che è la cosa che solitamente fa spostare i grossi fondi di investimento ad un altro balocco del momento, che in questo caso è l’intelligenza artificiale. A questo poi si aggiunge il fatto che l’industria dei videogiochi non riesce a raggiungere il suo reale potenziale perché si sta scontrando con qualcosa di ancora più grande e avido del tempo dei suoi utenti: i video sui social media. 

Ora, secondo me la situazione è effettivamente grama, ma sono anche convinto che la vediamo così solo perché siamo all’inizio di un cambio di paradigma, che porterà l’industria dei videogiochi ad un assetto totalmente diverso nel prossimo decennio, che comporterà magari la fine delle esclusive e delle console, così come di tutti quei grandi editori che non troveranno un modello economico sostenibile.Oppure no, vai a sapere.

THE DARK AGES

Sono fermamente convinto del fatto che Doom e il sottogeneri del metal estremo vadano a braccetto sin dal primo giorno. Doom, dopotutto, nasce nell’epoca in cui il metal era agli apici della sua popolarità in tutto il mondo, tant’è che la colonna sonora dei primi due capitoli è il prodotto finale di una ricetta che prevedeva di prendere Metallica, Alice in chains, Slayer, S.O.D. e Black Sabbath, schiaffarli in un frullatore elettrico e versare il risultato in un teschio. E1M1 - At Doom’s Gate potrebbe essere un b-side di Kill ‘em All dei Metallica, Shawn’s Got the Shotgun è un clonazzo di South of Heaven degli Slayer, mentre Facing the Spider è un chiarissimo omaggio a Sargent D and the SOD degli Stormtroopers of Death. Un tributo alla golden age del Thrash Metal tutto capelli lunghi, riff velocissimi e croci rovesciate che sfidavano la buoncostume americana degli ‘80. Quando Mick Gordon si è ritrovato tra le mani la colonna sonora di Doom 2016, reboot tanto inaspettato quanto glorioso nell’esecuzione, ha ripreso quelle suggestioni e le ha aggiornate, inserendo elementi Djent e Industrial che raccontavano sì la voglia di omaggiare il passato, ma anche l’idea che Doom stava finalmente entrando nella modernità. Allora giù di chitarre accordate in Drop D, di palm mute assassini e bassi ciccionissimi per quello che fu un vero e proprio assalto sonoro che sembrava provenire direttamente da un disco dimenticato dei Meshuggah. Quando fu il turno di Doom Eternal, però, Mick Gordon si accorse di una cosa: associare ad un gioco così frenetico una OST che cercasse di andare alla stessa velocità era pressoché impossibile. Decise quindi di andare in direzione opposta. Decise di rallentare.

 Si accorse di quello cui tanti gruppi metal venuti dopo gli ‘80 si erano già accorti durante la loro ricerca di un suono che fosse ancora più estremo di quanto già fatto da Slayer e Metallica anni prima. Provate voi stessi: mettete su Whiplash dei Metallica, che è un pezzo velocissimo e intriso di quella violenta presabene degli albori del Thrash, poi mettete su Slowly We Rot degli Obituary. È più lenta, ma la sua lentezza la rende di una pesantezza esorbitante, quasi primitiva. Il Death Metal, dopotutto, è soprattutto questo. Quando Microsoft ha mostrato per la prima volta Doom: The Dark Ages, confermando che si trattasse di un prequel del nuovo corso intrapreso dalla serie dal 2016 in poi, nella mia testa il gioco di iD Software ha assunto una forma e, soprattutto, un suono molto chiari. The Dark Ages doveva rappresentare una sorta di evoluzione regressiva del brand, un passo verso un’ultraviolenza primitiva e grottesca intinta in ambientazioni dark-fantasy.

OBLIVION

Il tempo è fuor di sesto

Quattrocentocinquanta ore. Avevo quindici anni, belle speranze, e tanto, tanto tempo. Così tanto tempo che non mi disturbavo neanche a prevedere la possibilità che un giorno mi scivolasse via dalle mani. Il tempo per giocare: tempo azzerato negli anni di università, spesi a studiare e lavorare. I miei anni bui del gioco. Il tempo per dedicarmi a una delle mie passioni più grandi era sparito. A quindici anni lo avevo, in abbondanza: spesso mi capitava di andare alla lezione settimanale di pianoforte e dire alla mia maestra che non avevo tempo per fare pratica. Una volta le dissi che mi piaceva giocare ai videogiochi. “E quindi il tempo ce l’hai, eccome” rispose piccata. Ciao Arianna, è proprio vero che avevo il tempo, che lo tenevo in mano e lo davo talmente tanto per scontato da non vederlo. Eppure, era lì. Ed ero entrata in un cortocircuito non risolvibile: il tempo di suonare non lo avevo, quello di giocare sì. Capii così che il tempo, in una certa misura, è questione di priorità. E anche di classe – ma questa, come si suol dire, è un’altra storia. A quindici anni non ancora la conoscevo. 

Non avevo un Xbox 360 o un PC performante, quindi attesi l’uscita di The Elder Scrolls IV: Oblivion su PlayStation 3. Era il 2007, ma anche l’anno 433 di Akatosh, più precisamente il ventisettesimo giorno di Ultimo Seme. Erano gli ultimi giorni della Terza Era e sì, anche le ultime ore della vita dell’Imperatore Uriel Septim VII. Quando ho rivisto quella indimenticabile cinematica iniziale sono stata spinta indietro da un soffio di tempo concentrato, così forte che mi ha spettinato i capelli e ha pure smosso il mio cuore difficile. “Il tempo è fuor di sesto”, ho pensato. E, secondo me, lo sarà sempre di più, quantomeno nell’industria tripla A.

Alarmo, la sveglia di Nintendo ci ha cambiato la vita. Quasi.

Da circa un mese abbiamo in casa Alarmo, la sveglia di Nintendo. E quando dico sveglia, intendo proprio sveglia: ha la forma di una sveglia e fa una sola cosa, che è la stessa delle sveglie: ti tira giù dal letto. Nintendo l’ha presentata lo scorso autunno e nonostante un prezzo non trascurabile nelle sue prime settimane di vita è spesso stata esaurita, il che ci dice che se ci mettono davanti uno stroffio simpatico che triggera la nostalgia, noi non sappiamo resistere.

Alarmo è uno di quei prodotti che Nintendo commercializza sia per consolidarsi come marchio lifestyle (che sono quei marchi che creano un legame con gli utenti indipendentemente dal prodotto, come hanno sempre fatto Apple o Sony con PlayStation), sia per tenere fede alla sua essenza di giocattolaia, cioè di azienda che produce videogiochi e console, ma anche giocattoli, nel senso migliore e più affettuoso del termine.

Emma ed Elia però non sanno nulla delle strategie di marketing. Sono (invidia!) in quella fase in cui una cosa gli piace o non gli piace solo in base alla loro esperienza di utilizzo, e non hanno ancora sviluppato nessun bias che intacchi il loro giudizio.

E dopo un mese che ce l’abbiamo in casa, posso dire che loro, di Alarmo, sono proprio innamorati.

illumina d’immenso, pure troppo

Pochi atteggiamenti sono tanto fastidiosi e inutili, quanto i commenti coi sorrisetti a mezza bocca di chi vuole dimostrare a plotoni di gente esaltata che sta sbagliando tutto. Che quelle belle e potenti scariche di dopamina andrebbero indirizzate altrove. È un modo di fare snob, altezzoso, fintamente cinico, che mi sento di poter circoscrivere a una fase della tua vita in cui devi dimostrare qualcosa (solitamente che tu ne sai più degli altri). Per questo mi scopro particolarmente innervosito verso la mia parte che non ha affatto gradito questo secondo aggiornamento sullo stato delle cose di Grand Theft Auto IV. 

Quando ho ricevuto l’email di Rockstar che mi avvertiva della disponibilità di un nuovo trailer, ho pensato che i tempi fossero perfetti. Separando la comunicazione della nuova data di uscita dalla distribuzione del trailer e di tonnellate di screenshot, Rockstar e Take-Two hanno evitato che l’amaro in bocca suscitato dalla prima, falsasse il sapore dei secondi. Mettendo solo qualche giorno tra l’una e l’altra cosa, si dovrebbe riuscire a zittire subito il mormorio lamentoso suscitato dal rinvio al 2026. 

E, intanto, Grand Theft Auto VI si tira comodamente fuori dall’usuale vortice degli annunci di giugno.

Il terzo Falò, con LEGO Ninjago e Yoshi

Benvenute e benvenuti a questo terzo Falò, che ormai sapete benissimo essere quel momento che io, Emma e Elia ci prendiamo per parlare di com’è andata con quello a cui stanno giocando e scegliamo insieme il prossimo gioco. 

Per chi è arrivato qua da poco invece (benvenute e benvenuti!), qua trovate gli altri due falò, comprese le regole che ci siamo dati, mentre qua cos’è Crossgen, se proprio vi siete persi.

BARILI ESPLOSIVI

The Best of Us

Un barile esplosivo

Halo (Bungie, 343 Industries, 2004-2012).

Un paio di cose notevoli

Per quasi dieci anni Polygon è stato il mio sito di videogiochi di riferimento. Aveva tutto: un layout figo, gente brava, un bel bilanciamento tra analisi e notizie, una scrittura mai banale e progetti speciali fighissimi. Dopo quasi dieci anni l’ho tolto dai preferiti perché è stato venduto a Valnet, un editore di quelli che prendono i siti solo per il nome che sono stati in grado di costruirsi negli anni, lasciando due o tre persone a lavorarci che sfruttano fino al midollo facendogli produrre contenuti di qualità scadente che puntano solo al click facile. 

Vaffanculo, Valnet. 

Polygon aveva tutto: reputazione, archivio, contenuti, visione. E aveva alcuni tra i giornalisti migliori che abbia mai letto: Chris Plante, Ana Diaz, Nicole Carpenter, Matt Leone, Michale McWhertor. È una perdita enorme per il giornalismo di qualità e per la credibilità intera dell’editoria (quel poco che ne rimane, almeno), e spero davvero che tutti si accasino presto o che aprano insieme una pubblicazione da seguire, tipo Aftermath. 

Potrei ricordarli per i bellissimi long form (diventati libri) su Street Fighter II o Final Fantasy VII (di Matt Leone), per le news capaci di dare anche spunti interessanti o per aver provato fino alla fine a fare del giornalismo vero sui videogiochi. 

Invece ho scelto la recensione di Nicole Carpenter di Starfield, che ogni singolo giornalista (o aspirante tale) dovrebbe prendere ad esempio tanto è perfetta nella sua costruzione. Grazie Nicole e grazie Polygon, mi mancherete tantissimo. 

Ah, Vaffanculo anche a Vox Media, che Polygon l’ha venduto a un pessimo editore lasciando a casa tutti quelli bravi. 

Come se non bastasse, pure Giant Bomb (che anche se non è mai stata nel mio ha sempre avuto una certa coerenza, originalità e una discreta dose di talento) è mezza esplosa tra licenziamenti e gente che se ne va perché il suo editore, Fandom, ha deciso che tutto quello che avevano costruito negli anni andasse gettato alle ortiche per riempire il sito di guide e strategie. Sigh. 

Aggiungo anche un piccolo estratto di quello che ha scritto sulla questione il sempre ottimo Nathan Brown nella sua Hit Points: 

It is impossible to overstate how hard it is for a games website to stand out from the crowd. They all cover the same stories, go to the same events and review the same games, at pretty much the same time. […] I felt a sort of common ground with Polygon back then; they were trying to do things differently, prizing quality above all, and quite relaxed if people thought it all a bit dickish of them. Kindred spirits really. They were probably always on a hiding to nothing, given the way the web works, but you had to respect the intent. 

È praticamente impossibile farsi un’idea di quanto sia difficile per un sito che parla di videogiochi distinguersi dalla massa: coprono tutti le stesse storie, vanno agli stessi eventi e recensiscono gli stessi giochi, il tutto negli stessi tempi. […] Ho sempre sentito una certa vicinanza con Polygon ai tempi: loro provavano a fare le cose in maniera differente, mettendo la qualità sopra ogni cosa, e non se la prendevano quando la gente li considerava per questo presuntuosi. Eravamo affini, io e loro. Probabilmente erano destinati a fallire fin dall’inizio visto come funziona il web, ma il loro tentativo va rispettato.

LUDONARRACON

2025

Ludo- per indicare il gioco, ludonarrative- per connettere gli elementi ludici a quelli narrativi, fino ad arrivare a creare il nome LudoNarraCon, quello di uno degli eventi che attendo di più nel corso dell’anno videoludico. Accessibile a livello globale grazie alla sua natura online e da sempre attento a includere produzioni provenienti da numerose parte del mondo, LudoNarraCon celebra i videogiochi dalla portata fortemente narrativa ed è ospitato su Steam dal 2019. Ora il festival torna dal 1° al 5 maggio, ed è un appuntamento che vi consiglio caldamente di non perdere: per aiutarvi a orientarvi nel ricco parterre di produzioni partecipanti, vi indico quattro delle demo che ho preferito. 

La particolarità di LudoNarraCon sta nel suo guardare contemporaneamente avanti e indietro nel tempo. A essere ospitati non sono soltanto giochi di prossima uscita, ma anche opere già disponibili sul mercato. Molte tra queste le abbiamo recensite qui su FinalRound: è il caso di 1000xRESIST, Judero, Afterlove EP, Citizen Sleeper 2: Starward Vector, Expelled!. Se vi va, potete dare un’occhiata alle recensioni per capire se questi giochi fanno per voi. Ora è tempo di guardare al futuro: cominciamo!

HOTEL BARCELONA

Mentre gironzolavo fra i meandri dell’evento ID@Xbox della Game Developers Conference 2025, l’occhio m’è caduto immediatamente su quell’angolino vicino al bar dove Hidetaka “Swery” Suehiro e Yuichi Seki gravitavano attorno alla doppia postazione di gioco di Hotel Barcelona. Menzionato per la prima volta dai suoi creatori addirittura nel 2019, annunciato ufficialmente nell’autunno del 2023 con una data di uscita originariamente prevista per il 2024 (ops!), Hotel Barcelona nasce dalla comunione d’idee di Swery e Suda51, anche se quest’ultimo non ha poi realmente collaborato allo sviluppo in maniera attiva. È quindi soprattutto un gioco della White Owl Inc. di Swery, che per altro ha di recente annunciato sui social di essersi dato alla sobrietà anche nell’ottica di diventare un creativo migliore e che sostiene senza particolari remore di stare lavorando al gioco più riuscito della sua carriera. 

Ora, non sarà dalla breve prova alla GDC che posso dargli ragione, ma certamente Hotel Barcelona è pieno di spunti interessanti. Nel gioco, che per inciso ha una direzione artistica stellare, si controlla un’agente federale intrappolata in un albergo pieno di serial killer dalle parti di Pittsburgh. E per completezza, Justine, questo il nome della protagonista, si ritrova anche un assassino imprigionato dentro di lei. O qualcosa del genere. L’agente deve quindi farsi strada macellando nemici variopinti nel tentativo di darsi alla fuga, ma non è affatto semplice, perché la difficoltà, quantomeno sulle prime, è piuttosto alta.

Il pallone è uscito fuori dallo stadio

“Quando sono ‘scappato’ dall'Inter e me ne sono andato dall’Italia, sono venuto a nascondermi qui. Ho girato tutto il complesso per tre giorni. Nessuno mi ha trovato. È impossibile. È la regola numero uno della favela. Zitto e mosca. Secondo te qualcuno mi avrebbe tradito? La stampa italiana era impazzita. La polizia di Rio ha perfino fatto un’operazione per ‘salvarmi’. Dicevano che ero stato rapito. Ma dai, scherzi? Figurati se qualcuno mi farebbe del male qui, proprio a me che sono cresciuto nella favela” 

Adriano, Lettera alla Vila Cruzeiro

Se potessi viaggiare nel tempo, dove e in quale momento storico ti recheresti? Oggetto del tuo desiderio di cambiamento, o della tua semplice nostalgia, sarebbe una particolare congiuntura della tua vita? O vorresti magari stringere la mano a un personaggio celebre del passato e porgli una domanda, e così infrangere il vecchio adagio secondo cui è meglio non incontrare mai i propri eroi?

Poche ambientazioni risultano multiformi e potenzialmente stimolanti come l’infinita varietà di luoghi e situazioni offerti dalla possibilità di attraversare i secoli con uno schiocco di dita. O magari con una macchina sperimentale, come quella de La macchina del tempo, romanzo di fantascienza scritto da H. G. Wells e pubblicato nel 1895. Stando agli studiosi, si tratterebbe della prima attestazione dei termini “time machine” utilizzati nel senso che ancora oggi intendiamo, a indicare uno strumento che permette all’essere umano di proiettarsi avanti o indietro nel tempo.  

La macchina del tempo ha goduto, e continua a godere, di incredibile fortuna in letteratura, nel cinema, nel mondo dei videogiochi, ed è stata applicata in declinazioni molto variegate. Un sottogenere specifico nell’ambito dei viaggi del tempo è quello che potremmo definire “turismo temporale”. Nelle mie letture di fantascienza – particolarmente intense quando ero piccina – incappai involontariamente in uno degli esponenti più importanti e significativi di questa particolare branca di viaggi nel tempo letterari. È il racconto Rumore di tuono, scritto da Ray Bradbury e pubblicato nel 1952. Nell’anno 2055, la compagnia Time Safari Inc. offre a persone con tanto denaro da spendere la possibilità di uno svago davvero esotico: viaggiare indietro nel tempo per dare la caccia ad animali estinti. I clienti sembrano particolarmente interessati a dare la caccia ai poveri dinosauri (con mia grande disperazione: il mio desiderio da bambina spegnendo le candeline a ogni compleanno era quello di avere un tirannosauro domestico. Vedete cosa succede a guardare troppe volte Jurassic Park...). La spedizione raccontata da Bradbury è finalizzata a uccidere un Tyrannosaurus rex, e per una serie di circostanze che vi invito a scoprire di persona – Bradbury è uno di quei pochi scrittori che considero assolutamente imperdibili – al ritorno dei cacciatori nel tempo presente, si scopre che si sono verificati dei cambiamenti importanti. Eckels, uno dei viaggiatori, scopre sotto la sua scarpa una farfalla preistorica schiacciata. Quel gesto apparentemente insignificante sembra aver portato a una svolta inattesa in eventi politici, economici, e perfino nel modo in cui vengono pronunciate le parole nella lingua inglese (!). Il concetto di “effetto farfalla” fu introdotto dal metereologo Edward Norton Lorenz soltanto negli anni Sessanta, ma Bradbury lo aveva in un certo senso anticipato, con uno di quei salti in avanti che a volte accadono nella grande fantascienza.

Alla Game Developers Conference 2025, Teruki Endo, battle director per il progetto Final Fantasy VII Remake, è salito sul palco per raccontare il suo approccio a una lavorazione così delicata e importante. Il remake di Final Fantasy VII è il primo progetto di cui Endo si è occupato in Square Enix, dopo aver lavorato per dieci anni come designer della parte action sulla serie Monster Hunter, presso Capcom, dove era stato assunto nel 2008 fresco di laurea. Da sempre grandissimo fan di Final Fantasy, Endo ha affrontato il lavoro con lo spirito di chi voleva modernizzare e reinventare, cercando però di conservare almeno in parte l'anima originale. Il punto di partenza del team consisteva nel capire come passare da un sistema di combattimento basato sui menu a uno completamente action, conservando però quel piacere di concatenare varie azioni in fila in modo strategico per influenzare lo svolgimento della battaglia fino a ottenere la vittoria. Inoltre, per Endo era fondamentale fare in modo che ci fosse fluidità totale nelle transizioni fra la parte avventurosa e la parte più di gioco in senso stretto. 

A livello personale, dopo dieci anni di Monster Hunter, per Endo era importante avere i margini per sperimentare e fare qualcosa di nuovo, e anche per questo apprezzava molto l'idea di provare a conservare l'elemento tattico, introdotta nel progetto prima del suo arrivo. Il team stava infatti già ragionando sull’idea di un sistema di combattimento in tempo reale all’interno del quale fosse possibile rallentare il tempo per poter selezionare i comandi tattici. Ma fra le idee alla base del progetto c'era anche il desiderio di dare un flusso al combattimento, con alti e bassi, un andamento ondivago che quasi raccontasse una storia ad ogni scontro. Era però importante fare in modo che questa cosa fosse chiara e leggibile e anche per questo è stato introdotto il meccanismo dello Stremo, che integra a livello di sistema quella che è comunque una dinamica naturale da gioco d’azione. L’idea era cioè di rendere esplicita e chiaro elemento manipolabile quella situazione che in un gioco puramente action funziona a livello più istintivo, cioè il notare quando il nemico mostra di essere stato messo in difficoltà da un attacco e sfruttare il momento per accanirsi. Inizialmente, ha spiegato Endo, il team ha creato un sistema in due sole fasi, quella normale e quella Stremo (Staggered), con il nemico stordito/immobilizzato e il giocatore che può attaccarlo, ma era un sistema troppo semplice e per questo si è aggiunto uno stadio intermedio, Tensione (Pressured), in cui il nemico è sì in difficoltà ma ha ancora una chance di rimettersi in piedi o può essere spinto verso lo stadio Stremo.

I VIDEOGIOCHI INDIE PIÙ INTERESSANTI DI MAGGIO 2025

Aprile ci ha regalato grandissime soddisfazioni provenienti dal mondo dello sviluppo indipendente, dal clamoroso puzzle roguelite Blue Prince al JRPG “alla francese” Clair Obscur: Expedition 33. Insomma, il 2025 videoludico è entrato nel vivo e di certo non le sta mandando a dire, nonostante le incertezze e gli scossoni di una situazione economica molto, molto incerta a livello mondiale. La buona notizia è che anche il mese di maggio si preannuncia mica male, e si aprirà con uno dei giochini piccini che più attento quest’anno. Indizio: si parla di calcio! 

Accendete il vostro radar: si parte!

L’unica tradizione tradita dalla nuova console di Nintendo è in un design da prodotto hi-tech per adulti. Tutto il resto promette di renderla la puntata più sicura di sempre.

C’è un Game Boy più famoso di tutti gli altri, è stato a lungo esposto al Nintendo Store del Rockfeller Center a New York ed è conciato male. Secondo la targhetta informativa che fu esposta al suo fianco, quel Game Boy subì le conseguenze di un bombardamento durante la guerra del Golfo, nel 1991. La plastica della scocca è stata in larga parte deformata e i pulsanti A e B, così come la croce direzionale, si sono sciolti quanto basta da non renderli più funzionanti. Ma per il resto si accende e il gioco inserito viene riprodotto. In realtà quel Game Boy non fu vittima di alcun bombardamento e Polygon ha ricostruito la storia, che nasce sulle pagine di Nintendo Power, la rivista pubblicata da Nintendo negli Stati Uniti. Nel 1991 il mensile ricevette la console da Stephan Scoggins, un infermiere al seguito delle forze militari statunitensi di stanza in Iraq. Ciò che ridusse in quello stato la console fu un incendio e non un bombardamento, ma la sostanza non cambia poi molto: il Game Boy era un pezzo di tecnologia ultraresistente. 

Il fatto di essere pensate per subire il maltrattamento (involontario) del suo pubblico, è stata a lungo una prerogativa delle console portatili di Nintendo. Volersi riferire principalmente a un pubblico giovane, ha obbligato gli ingegneri di Kyoto a tenere sempre bene a mente i requisiti fondamentali della resistenza e dell’affidabilità. A un primo sguardo gli hardware da gioco portatili prodotti da Nintendo non hanno mai dato l’idea di essere dei delicati assemblati di altissima tecnologia. Con Switch qualcosa è cambiato e con Switch 2 l’inversione è completa. Mentre rigiravo Switch 2 tra le mani, pochi minuti dopo essere entrato nell’area allestita per la Nintendo Switch 2 Experience a Milano, mi è tornato in mente il Game Boy di Scoggins. Ma anche il primo Nintendo DS, un po’ baraccone, e pure il Game Boy Advance SP, con il suo form factor a conchiglia… fuori dal tempo ma dentro alle esigenze di protezione dello schermo e di tutto il resto. Forse Switch 2 è più corazzato di quanto non mi sia parso, ma quando ne avrò uno tutto mio, non farò nemmeno il più innocente dei “crash test”. Anzi, ho appena piazzato il pre-ordine per una custodia imbottita.

Benvenuti nell’epoca in cui ChatGPT è più bravo di tutti a scrivere l’ennesima “Storia vera” del NEO•GEO; persino Luciano di Samosata riderebbe della presunta oggettività di un autorevole racconto in prima persona plurale capace di mischiare ad arte falsità e verità, tramandate in copia e incolla per decenni, pescando indifferentemente tra i post fake più popolari di Peppiniello72 ma anche dall’originale Bibbia per collezionisti autoprodotta da Shito. 

Quanto amo questo preciso momento storico, questo nuovo (NEO) mondo (GEO) in cui scrivere qualcosa di veracemente soggettivo rappresenta l’unica ipotesi critica, videoludica e non. Da ben prima dell’avvento di Skynet credo che raccontarci e ascoltarci senza piedistalli, riflettori, patenti e bastoni pastorali sia l’àncora di salvezza e il marchio di garanzia per sancire l’onestà intellettuale di due esseri umani seduti da una parte e dall’altra di questa tastiera. Respira, tanto nessuno legge più, guardano solo le foto. Bene e allora diamogli soprattutto quelle.

EARTHION

Il provato del nuovo sparatutto old school di Yuzo Koshiro

Il mio ultimo appuntamento alla Game Developers Conference 2025 mi ha portato nella zona di Limited Run Games, dove mi è stato piazzato in mano uno Steam Deck contenente una versione ancora non perfettamente ripulita, ma sostanzialmente completa, di Earthion, lo sparatutto 2D vecchio stile curato da Ancient, lo studio di Yuzo Koshiro. Oddio, in realtà io non sapevo che fosse una versione completa e anzi, all'inizio mi è stato detto che avrei giocato solo ai primi due livelli ma, ehi, una volta completato il secondo, nessuno mi ha fermato, forse perché avevo un sorriso enorme stampato in faccia, ed è andata a finire che sono arrivato fino al quinto (su quanti totali non mi è permesso dirlo). E il sorriso era ormai diventato talmente enorme da fare il giro. 

Earthion è un gioco piccolo piccolo, sviluppato da due sole persone, con Makoto Wada a occuparsi della programmazione e ovviamente Koshiro impegnato a creare una colonna sonora spettacolare. Per chi non avesse dimestichezza col nome, segnalo che Yuzo Koshiro è uno fra i compositori musicali più amati e celebrati dell'epoca a 16 bit e che viene ricordato soprattutto per il suo lavoro su serie come Streets of Rage e Revenge of Shinobi, ma anche per serie come Ys o Etrian Odyssey. Ebbene, Earthion è uno sparatutto 2D che si ispira chiaramente ai classici del genere usciti tra la fine degli anni Ottanta e gli inizi degli anni Novanta, con Darius indicato come modello di riferimento primario. Non si parla quindi di bullet hell ma di classici sparatutto 2D a scorrimento orizzontale come quelli a cui giocavo io da adolescente. Per capirci, mentre vagavo per gli ambienti di Earthion con quel sorriso idiota stampato in faccia, non facevo altro che pensare a Thunderforce III e Thunderforce IV, due fra i giochi di quel periodo a cui sono più affezionato.

EXPEDITION 33

UNE VIE À PEINDRE

Io me lo ricordo molto bene il momento in cui mi sono innamorato dei JRPG. Li ho schifati per anni, evitati come la peste perché “che noia combattere dentro ai menù”. Per quella che oggi mi sembra una vita intera mi sono limitato a versare l’obolo a Pokémon senza davvero mai realizzare che anche quello di Game Freak era un gioco di ruolo giapponese, ma il resto l’ho praticamente schivato tutto con una precisione quasi scientifica. Un paio di volte ho provato a dare un’opportunità a un Final Fantasy, peccato abbia scelto X-2 (non mi guardate così, ero convinto fosse un modo molto creativo di scrivere 12) e XIII e che mi sia schiantato contro un muro. Quelle esperienze tremende mi convinsero a lungo che quella roba, molto semplicemente, non fosse roba mia, al punto che ogni volta che vedevo un combattimento a turni in un trailer mi giravo dall’altra parte. Poi, un giorno, ho avviato Final Fantasy VI e la mia vita è cambiata per sempre. 

Giuro: non mi ricordo nemmeno il perché io abbia deciso di avviarlo la prima volta, ma la grandiosità della sesta fantasia finale di Hironobu Sakaguchi sbriciolò ogni mia convinzione spingendomi a divorare JRPG in sequenza per un periodo che è durato anni, trasformando il genere che odiavo nella mia passione videoludica più grande di tutte. Chrono Trigger, Suikoden, Golden Sun, Shin Megami Tensei e Xenogears (tra gli altri) sono diventati il mio pane quotidiano la mia materia di studio preferita e il capitolo della storia del medium che più ho approfondito negli anni, e lo devo a Final Fantasy VI e a quello che mi insegnò sul genere.

tra memorie digitali, hauntology e nuove frontiere del genere

Qualche tempo fa, navigando su Reddit, mi sono imbattuto in un post davvero curioso di un utente che era riuscito a recuperare frammenti di una vecchia discussione risalente al 1992 - conservata su Google Chat. Tra gli interventi c'era quello di un certo Isao Takeda, che rispondeva così ad un dibattito sui giochi di ruolo occidentali e giapponesi:

BARILI ESPLOSIVI

Giusto due cose al volo

Un barile esplosivo

Okami HD (Capcom, 2017).
“Se avessi 1 euro per ogni momento in cui nell'ultimo mese, in un prodotto d'intrattenimento, ho visto un personaggio esplorare una nave naufragata con un carico di barili esplosivi avrei 2 euro, che non è tanto ma è strano che sia successo due volte” - Spacegiorgio dall’Osservatorio Barili.

L’inquadratura è quasi del tutto occupata da un uomo di spalle. “Siete proprio le persone che ci servono per l’officina”, dice una persona che parla in tedesco. Non sappiamo chi sia: non è visibile. L’uomo di spalle continua a muoversi. “Avrete un lavoro e una buona paga! Dopo la doccia avrete una zuppa calda. Poi venite da me”, prosegue la voce fuori campo. Iniziamo a vedere in sottofondo uomini nudi che si muovono. Sono sfocati: il focus della telecamera continua a trovarsi sulle spalle dell’uomo. “Più in fretta! Non dimenticatevi il numero del gancio. Sbrigatevi, altrimenti la zuppa si raffredda”. La voce in tedesco ordina di aprire la porta delle docce. Decine di figure sfocate entrano nel locale sotto lo sguardo vigile dell’uomo di spalle. Nel momento esatto in cui la porta viene chiusa, lui inizia freneticamente a rimuovere giacche e cappotti dai ganci dove sono stati appesi dai rispettivi proprietari. Dopo pochi secondi, si sente il rumore di pugni che sbattono furiosamente contro la porta chiusa dall’interno. L’uomo è stavolta inquadrato frontalmente: tiene la testa leggermente china, è immobile, con un’espressione perfettamente neutra. Non sembra turbato dalle urla, dal rumore, dalle persone che stanno morendo uccise da un insetticida sviluppato una ventina di anni prima da un ebreo tedesco impiegato della Bayer, vincitore del Premio Nobel per la chimica. Perché dietro quella porta chiusa c’è una delle camere a gas di Auschwitz, e lui è Saul Ausländer, un prigioniero ebreo-ungherese impiegato nei Sonderkommando, unità di individui obbligati ad aiutare le Schutzstaffel tedesche a disporre dei corpi e degli averi delle vittime degli orrori dei campi di concentramento. Il Figlio di Saul fu il debutto cinematografico del regista ungherese László Nemes nel 2015, vincitore del Grand Prix al Festival di Cannes nel 2015 e del premio come Miglior Film Straniero agli 88esimi Academy Awards – quelli che conosciamo comunemente con il nome di “Oscar”.

Il Figlio di Saul è un esempio perfetto per comprendere come la scelta dell’inquadratura e del formato dell’immagine mostrata a schermo può cambiare completamente il risultato finale di un prodotto audiovisivo. Nemes scelse di usare un’inquadratura stretta, perennemente incollata sul volto di Saul, lasciando sullo sfondo gli orrori del campo di concentramento di Auschwitz. Una svolta inattesa nella vita di Saul porta il regista a tornare a campi e controcampi più ordinari: non vi dirò troppo, nella speranza che abbiate già visto il film, o che vogliate recuperarlo in futuro. Oltre alla questione dell’annullamento pressoché totale della profondità di campo, c’è quello del formato. Il regista ungherese ha girato in 35mm e in formato 1.375.1, formato standard nel cinema muto dell’inizio degli anni Trenta del Novecento. Il risultato è di rendere quasi invisibile il campo di sterminio intorno a Saul, stretto in un quasi-quadrato: lo vediamo prevalentemente attraverso gli occhi induriti di Saul, e lo intuiamo nelle figure che corrono sullo sfondo, sfocate, tormentate, quasi invisibili, ma rumorose, urlanti. Questo costruisce un rapporto strettissimo tra lo spettatore e Saul (come scrisse Nemes nelle sue note di regia: “la cinepresa è la sua compagna e lo affianca in questo inferno”), fino al finale. Raramente ne ho visti di così perfetti. Ho un cuore indurito anch’io, ma quando vidi Il Figlio di Saul al cinema piansi tutte le mie lacrime.

Alla GDC 2025, Billy Basso è salito sul palco per raccontare lo sviluppo di uno fra i giochi più apprezzati del 2024, Animal Well, e si è presentato dettando fin da subito il tono tra il serio e il faceto del suo talk. Prima ha elencato i suoi dieci anni di lavoro nel settore, trascorsi per lo più su giochi educativi e mobile, con passaggi in Netherrealm, Level X e Chicago Quest, poi ha mostrato l’immagine di un “cubo di diarrea”, una sua piccola creazione mai usata nel gioco ma che aveva messo assieme per un vecchio talk in cui parlava di simulazione di fluidi. E io adesso voglio un cubo di diarrea da tenere sullo scaffale qui alle mie spalle. Comunque.  

Lo sviluppo di Animal Well ha richiesto sette anni, ma nei primi quattro si trattava di un progetto portato avanti nel tempo libero, da un Basso che aveva un lavoro da ufficio. Lo sviluppo a tempo pieno è stato quindi solo negli ultimi tre anni, intrapreso quando Basso ha deciso di aver creato abbastanza e di avere messo da parte soldi a sufficienza per poterci provare sul serio. Ha sviluppato il gioco su un motore custom in C++, senza middleware o librerie di sorta, occupandosi lui stesso di tutte le conversioni sulle varie console. L'approccio di Basso allo sviluppo del gioco è nato dalla frustrazione di aver trascorso anni in grossi team nei quali sentiva di non stare creando qualcosa di suo e, allo stesso tempo, di non essere mai riuscito a concludere un suo progetto personale. Per questo, con Animal Well, ha deciso di provare a fare qualcosa che si sentisse sicuro al 100% di poter completare. Niente modelli 3D, insomma, e in generale voleva evitare di dover imparare qualcosa di nuovo che non fosse certo di poter padroneggiare. Poi, certo, l'idea era anche di creare un gioco breve, che durasse un'ora e che avrebbe sviluppato in solo sei mesi. E non è andata proprio così.

RECENSIONE

“Se non puoi liberarti dello scheletro di famiglia, tanto vale farlo ballare” 

Da Immaturità, di George Bernard Shaw

Tante grandi storie si concludono – e perdurano nei secoli – con un testamento. Giuseppe Garibaldi di testamenti ne lasciò due: uno relativo ai suoi affari terreni, e uno di carattere politico. Nel primo, tra le altre cose, dettò disposizioni dettagliatissime circa la sua salma: “Il mio cadavere sarà cremato con legna di Caprera nel sito da me indicato con asta di ferro ed un pizzigo di cenere”, scriveva nel 1881. “Sarà chiuso in urna di granito e collocata nella tomba delle mie bambine sotto l’agaccio ivi esistente. La mia salma vestirà camicia rossa – La testa, nel feretro, o lettino di ferro – appoggiato al muro, verso tramontana – con volto scoperto – i piedi all’asta”. E precisava che a un eventuale, futuro marito di sua figlia Clelia nessun diritto sarebbe dovuto spettare sui beni a lei lasciati dall’illustre papà. Paradossalmente, Giuseppe Verdi, la cui vita fu fatta di musica, chiese di essere ricordato nel massimo silenzio: “Ordino che i miei funerali siano modestissimi e siano fatti allo spuntar del giorno o all’Ave Maria di sera senza canti e suoni”. Tra i testamenti più concisi della Storia possiamo di certo annoverare quello del poeta Giovanni Pascoli, che dinanzi al notaio bolognese Gaetano Angeletti, alle ore sedici del pomeriggio di mercoledì 3 aprile 1912, dispose quanto segue: “Nomino mia erede universale mia sorella Maria detta ‘Mariù’”. Punto. Tra i più suggestivi vi è quello di Luigi Pirandello: “Sia lasciata passare in silenzio la mia morte. Agli amici, ai nemici preghiera non che di parlarne sui giornali, ma di non farne pur cenno. Né annunzi né partecipazioni. Morto, non mi si vesta. Mi s’avvolga, nudo, in un lenzuolo. E niente fiori sul letto e nessun cero acceso. Carro d’infima classe, quello dei poveri. Nudo. E nessuno m’accompagni, né parenti né amici. Il carro, il cavallo, il cocchiere e basta”.

Ma il mio preferito è da sempre quello di Giorgio Ambrosoli, un onesto avvocato milanese esperto di quello che una volta si chiamava “diritto fallimentare”. Nominato commissario liquidatore della Banca Privata Italiana e delle attività del banchiere Michele Sindona, uno dei personaggi più foschi della Storia italiana, Ambrosoli scrisse quello che ora è noto come suo “testamento spirituale” alla vigilia del deposito dello stato passivo della BPI (“atto che ovviamente non soddisferà molti e che è costato una bella fatica”). “È indubbio che – in ogni caso – pagherò a molto caro prezzo l’incarico”, scrisse l’avvocato. “Lo sapevo prima di accettare e quindi non mi lamento affatto perché per me è stata un’occasione unica di fare qualcosa per il Paese”. Parla quindi dei tre figli: “Francesca dovrà essere più forte, più dura, più pronta”. “Filippo [...] dovrà essere più morbido, meno freddo ma sono certo che diventerà un ottimo ragazzo e andrà benone nella scuola e nella vita”. “Umberto non darà problemi: ha un carattere tale ed è così sveglio che non potrà che crescere bene”. Le ultime righe sono per la moglie Anna: “Sarà per te una vita dura ma sei una ragazza talmente brava che te la caverai sempre e farai come sempre il tuo dovere, costi quel che costi”. Ad Ambrosoli, il dovere costò molto caro: quattro colpi di 357 Magnum dal malavitoso italo-americano William Joseph Aricò, soprannominato “Billy lo sterminatore”, che prima di sparare all’avvocato gli chiese scusa, spiegandogli che non si trattava di nulla di personale. Il costo della vita di Giorgio Ambrosoli fu pari a 115.000 dollari, di cui 25.000 in contanti e 90.000 accreditati con bonifico su un conto bancario svizzero. A pagare fu Michele Sindona. Nessuna autorità pubblica partecipò ai funerali di Ambrosoli. Di lui, Giulio Andreotti disse: “È una persona che, in termini romaneschi, se l’andava cercando”.

Tutti i rischi di essere indipendenti. E rapper.

Se dovessi riassumere in una sola parola il mio amore per i videogiochi indipendenti non ho dubbi sul termine a cui mi affiderei: rischio. Fu Hotline Miami, scoperto completamente a caso durante gli anni dell’università, a farmi scoprire il concetto di indie ormai dieci anni fa, e da quel giorno sono rimasto stregato da una quantità incalcolabile di piccole produzioni orgogliosamente alternative che rivendicavano il loro essere differenti dall’industria dei grandi blockbuster Tripla A. A farmi sbarellare era la voglia di tentare approcci innovativi, di sperimentare e, soprattutto, di prendersi dei rischi. Perché è facile (che poi non è vero e sto semplificando enormemente, ma spero capiate il discorso generale) sviluppare l’ennesimo action open world gigantesco, mentre inventarsi qualcosa di nuovo è tremendamente più rischioso. Ed eccitante. A distanza da quasi dieci anni (sigh) dal mio primo incontro con Hotline Miami mi è passato sotto il naso il trailer d’annuncio di un videogioco che mi ha ricordato tantissimo l’esordio folgorante di Dennaton Games. Sonokuni è anch’esso un esordio, in questo caso di Don Yasa Crew. E sì, come fa ben intendere il nome, Don Yasa Crew è una crew di rapper, DJ e graffitari giapponese che si è riscoperta appassionata di videogiochi.

Il mio interesse nasce proprio da qui, perché leggendo delle interviste a Don Yasa Crew sono rimasto terribilmente affascinato dal fatto che gli sviluppatori di Sonokuni vengono da un mondo molto diverso da quello che tradizionalmente è associato ai videogiochi. È gente che ha fatto musica, ha imbrattato muri e ha masticato cultura hip-hop fino all’altro ieri e che nel 2019 ha deciso di lanciarsi in una nuova avventura. Hanno deciso di rischiare.

Se da un lato era ovvio aspettarsi che la colonna sonora sarebbe stata composta interamente dal gruppo, dall’altro il setting e l’estetica di Sonokuni sono stati una sorpresa notevole. Parliamo di un videogioco in pixel art di ambientazione folkloristica al cui interno si sversano quantità notevoli di suggestioni “bio-punk” che raccontano il conflitto che fa da motore alla trama del gioco. Parliamo infatti di un videogioco che affonda le sue radici nel folklore mistico del Giappone per raccontare una storia di conflitto ideologico, mescolando quindi tra loro tradizione rurale e innovazione biomeccanica, il tutto accompagnato da una colonna sonora hip-hop che stride piacevolmente con ambientazioni e presentazione generale. Un rischio, per dirla in breve, che almeno in parte paga grazie ad una resa tutto sommato molto personale.

L’annuncio di Rematch all’interno della cornice dei The Game Awards del 2024 è stato tra i più inaspettati che ci si potesse attendere in questo preciso periodo storico della storia del gaming. Parliamo, dopotutto, di un gioco di calcio che si è sempre raccontato come orgogliosamente arcade sviluppato da Sloclap, team responsabile della creazione di un istant cult come fu Sifu nel 2022, amatissimo soprattutto per la sua interpretazione molto precisa di un genere come quello dei brawler che sembrava non avere più nulla da dire almeno agli occhi del grande pubblico. Sono bastati solo pochissimi istanti prima che qualcuno, forse mosso anche dalla speranza che Rematch portasse con se almeno un pizzico della natura picchiapicchia dell’opera precedente di Sloclap, lo ribattezzasse Fifu garantendomi mesi di risatine idiote ogni volta che sentivo evocare questa chimera lovecraftiana fatta cucendo assieme i corpi di Fifa e Sifu.  

La verità è che Rematch mi ha sempre dato l’impressione di essere un progetto fuori fuoco e potentemente innaturale per un team che fino ad oggi si è dilettato nello sviluppo di giochi di botte (l’esordio fu lo sfortunato Absolver), ma sotto sotto non ho mai del tutto abbandonato la speranza che si rivelasse una sorta di bizzarra trasposizione videoludica di Shaolin Soccer che ibridasse l’idea di un gioco di calcio arcade con le mazzate. Anche perché diciamocelo: i calcistici arcade sono morti e sepolti da anni, Mario Strikers Battle League Football è stato un sonoro buco nell’acqua (pur vendendo comunque 2.5 milioni di copie) e l’unica possibilità che mi è rimasta per divertirmi tirando quattro calci a un pallone virtuale è quella di riesumare periodicamente la salma di Virtua Striker 2 su Dreamcast. Che è sempre bellissimo, intendiamoci, ma è pur sempre un videogioco datato 1997. Insomma, io in Rematch un po’ ci ho sempre sperato, anche se i trailer diffusi fino ad ora mi hanno sempre restituito l’idea di trovarmi al cospetto di un videogioco dimesso e confuso, oltre che a un’operazione commerciale davvero incomprensibile.

È anche per questo che quando mi è stata data la possibilità di metterci su le mani in anteprima mi ci sono fiondato: avevo aspettative molto basse ma ero divorato dalla curiosità di avvicinarmi a questo strano oggetto in procinto di schiantarsi sul mercato. Dovevo sapere.

Mario Kart 8 Deluxe

Il gioco che insegna ad affrontare gli imprevisti della vita.

• Dove: Nintendo Switch 
• Multiplayer:
  Divano (cioè locale): fino a 4 persone sulla stessa console.
  Online: fino a 12 persone. Serve l’abbonamento a Switch Online. 
• Quanto dura: una gara tra i 5 e 10 minuti, ma è uno di quei giochi che una volta acquistati giocate fino all’uscita di quello successivo. 
• Controlli e aiuti: si può giocare normalmente (con levette e bottoni) oppure con i controlli di movimento, e quindi inclinando i controller o la console per simulare le curve. Si possono attivare una serie di aiuti per chi è alle prime armi. 
• Acquisti in app: si possono comprare pacchetti di circuiti aggiuntivi. 
• Per chi va bene: tendenzialmente per tutti, ma è comunque un gioco che stimola la competizione e che richiede almeno un minimo di pratica. Non è adatto come primo videogioco in assoluto, ma può essere un ottimo primo videogioco di corse. Adatto dai 5 anni in su, quando c’è almeno un po’ di manualità e pratica nel muovere i personaggi a schermo.
  

BARILI ESPLOSIVI

Non ci sono mai stati così tanti bei giochi

Un barile esplosivo

Sniper Elite Resistance (Rebellion, 2025).

Un paio di cose notevoli

In questi giorni sono usciti due giochi notevolissimi: South of Midnight e Blue Prince. Il primo è un gioco di avventura sviluppato da Compulsion Games (We Happy Few) un piccolo studio canadese acquistato da Microsoft nel 2018 che ha di molto alzato la sua ambizione producendo un’avventura imperfetta ma ispiratissima, tanto bella da vedere quanto bella da ascoltare. 

Hazel è una donna del profondo sud degli Stati Uniti (per capirci, l’ambientazione è quella della Louisiana, del bayou, del jazz e del voodoo) che scopre di avere dei poteri magici e che deve cercare di salvare la madre che è stata trascinata via da una alluvione. In South of Midnight si combatte, ma non lo si fa benissimo, si salta, ma non è proprio tutto perfetto, si esplora, ma i livelli sono abbastanza dritti. Nonostante questo però ci si gioca sempre volentieri perché anche mettendo da parte un attimo la bellezza del mondo creato o quanto la musica diventi un elemento di gameplay, si riesce a percepire anche nelle cose che non vanno il desiderio di fare qualcosa di personale, qualcosa che non voglia necessariamente cambiare il mondo ma che si accontenta di fare quello che riesce, con qualche spunto notevolissimo. 

Dovrebbero essercene di più di giochi onesti come South of Midnight, che fanno un po’ fare pace con la ricerca spasmodica del capolavoro a tutti costi o dell’esperienza perfettamente bilanciata in tutto. Non lo è la vita, figuriamoci i videogiochi. 

Blue Prince è invece un puzzle game che è anche un roguelite (ma anche molto altro) nel quale si deve trovare la quarantaseiesima stanza in una magione di quarantacinque stanze, che cambiano ad ogni partita. Piace a chiunque lo abbia provato, ha recensioni stellari e lo ha sviluppato lo studio Dogubomb, al suo primo gioco. «Mano a mano che si va avanti», ha detto Tonda Ros (a capo del progetto) a Game File, «la conoscenza della casa si amplia da tanti punti di vista. Non solo si diventa più bravi nell’andare a avanti, ma si iniziano anche a collegare tutti i punti [perché Blue Prince è anche un gioco pieno di misteri]». In effetti il gioco nasconde tantissime cose, compreso se effettivamente sia un gioco di strategia o un puzzle game. Ah, e ricordatevi di prendere appunti. 

E quindi insomma, io lo so che la sola idea di Mario Kart World a 80 euro vi devasta, ma non è mai esistito un periodo in cui si possa giocare a prodotti validi, stimolanti e divertenti con così poco. Fatevi voi due conti.

“Rain World è un qualcosa di esasperante, proprio per quanto speciale avrebbe potuto essere. Ambientazioni meravigliose, animazioni incredibili e meccaniche tanto affascinanti quanto nebulose sono fantastiche in sé e per sé, ma la pura crudeltà con cui il tutto viene presentato al giocatore trascende la sfida fino a diventare una prova indesiderata” 

Dalla recensione di Rain World di IGN. Voto: 63

Per diventare una barchetta bisogna vivere su una barchetta

Lo sviluppo e l’evoluzione del disegno in pixel art all’interno della brevissima storia dei videogiochi fiorisce oggi in una stagione di grande vitalità: un controcanto naturale alla tanto temuta e in certi casi manifesta crisi economica del settore. Dico naturale proprio perché la ben più ampia storia dell’arte ci mostra in modo chiaro come picchi di produzione e qualità espressiva si presentino spesso proprio in coincidenza con grandi crisi economiche, culturali o sociali. 

L’hai presa alla larga Retro? Metti un po’ il braccio così.
Scusate, deformazione professionale da videobigino.  

È l’8 ottobre 2024, c’è lo Steam Next Fest e sono in live a provare una demo via l’altra mentre ho ancora negli occhi quel turbine di stimoli visivi chiamato Tokyo Game Show (e vi assicuro che lì di indie che passano invisibili sotto i radar ce ne sono a cestoni). “Oh ma zio la demo di Spilled! ? Guarda che è robba tua”. Va bene, proviamo. Regola numero uno del boyscout: accetta sempre le caramelle dagli sconosciuti. 

In effetti bastarono quei venti minuti per farmi dire “day one” e un altro paio d’ore mercoledì scorso per trascinarmi qui a scrivere di forme, ombre e transizioni dither. 

Spilled! di Lente è un brevissimo viaggio, senza possibilità di game over, della durata di poco più di un’ora attraverso una serie di otto stagni collegati tra loro e rovinati dall’inquinamento. A bordo di una barchetta munita di un aspiratore, un cannone d’acqua, una gru di recupero e una sorta di pinza di raccolta dovremo pulire queste piccole aree che gradualmente si trasformeranno in diorami colorati e animati da una ricca flora e fauna marina. La nostra barchetta, alimentata giustamente da pannelli solari, riceverà denaro in cambio di immondizia che il giocatore potrà spendere in vari miglioramenti per semplificare il gameplay rendendolo ancora più rilassante. Musica e grafica si amalgamano e contribuiscono a trasmettere tanto un messaggio ecologico quanto un clima emotivo: pulire e mettere in ordine elimina quella monotona patina torbida che rende miope il nostro sguardo alla cristallina vittoria visiva del variegato mondo sottomarino.

SHADOWS

RECENSIONE

Un’azienda produttrice di videogiochi tenterà sempre di mantenere il massimo controllo sulla riuscita del suo progetto. In alcune situazioni, focalizzandosi in modo particolare sugli aspetti tecnici. Se negli ultimi anni le patch di lancio da diversi gigabyte sono diventate ormai la norma – rendendo talvolta non del tutto “al passo con i tempi” le recensioni della stampa basate su versioni precedenti del gioco – con Assassin’s Creed Shadows, Ubisoft ben sapeva di giocarsi il tutto per tutto. Sono ben note le non esaltanti vicende della compagnia francese, che dal 2023 ha intrapreso una campagna di riduzione dei costi con consistenti tagli al personale e cessazione del supporto di vari progetti in corso (penso, ad esempio, al free-to-play XDefiant). Dopo l’uscita di Star Wars Outlaws a fine agosto 2024, è diventato chiaro che bisognava cambiare passo, e in fretta: l’accoglienza del pubblico e della critica è stata decisamente tiepida, anche a causa di numerose problematiche tecniche che hanno piagato un prodotto che, una volta ripulito, si è dimostrato pieno di buone intuizioni. In ogni caso, le vendite sono state decisamente al di sotto delle aspettative della compagnia – come ammesso dalla stessa Ubisoft – e a inizio settembre 2024 il prezzo delle azioni di Ubisoft ha toccato il livello più basso raggiunto dal 2015.

I COMPLEANNI IMPORTANTI

20 ANNI 

• Jade Empire (Bioware) 
• Nintendogs (Nintendo) 
• Psychonauts (Double Fine Productions)
  

L’opportunità dopo mille insuccessi

«è uno degli scherzi dell’opportunità: ha l’abitudine di arrivare furtivamente da una porta secondaria e spesso mascherata da sfortuna o da sconfitta temporanea. Forse è questo il motivo per cui tanti non sanno riconoscere l’opportunità» (Napoleon Hill, Pensa e arricchisci te stesso)

La prosecuzione del viaggio e il peso della sopravvivenza

La seconda stagione di The Last of Us, su Sky e NOW a partire dal 14 aprile, riprende dalla fine della prima: Joel, interpretato da Pedro Pascal, parla con Ellie, interpretata da Bella Ramsey; e le dice che sono liberi, che possono fermarsi, che le Firefly, il gruppo ribelle di cui Ellie faceva parte, non hanno più bisogno di loro. Ellie chiede a Joel di prometterle che tutto quello che le ha raccontato è vero, di giurarlo, e Joel, guardandola negli occhi, rimanendo praticamente immobile, le dice che sì, è tutto vero. Ed Ellie è felice, rilassa le spalle e tira un sospiro di sollievo. Perché finalmente comincia la sua nuova vita. Stacco. La storia fa un salto in avanti nel tempo, e scopriamo che le cose tra Joel ed Ellie non vanno più così bene. Ora vivono in una cittadina insieme al fratello di Joel, Tommy, interpretato da Gabriel Luna. E la loro quotidianità ha assunto un’altra forma e, soprattutto, un’altra routine. Sono protetti e al sicuro, e possono fare quelle cose che fuori, nel mondo esterno, dove ci sono infetti e gruppi paramilitari, sono impossibili da fare. Eppure c’è un problema.  

Joel, a un certo punto, dice che Ellie non gli perdona di averla salvata, ed è vero. Però c’è anche altro, ed è su questo “altro” che The Last of Us si concentra. Neil Druckmann e Craig Mazin, i due showrunner-scrittori-creatori, sapevano esattamente cosa fare e come farlo per portare avanti il racconto nel modo migliore. Hanno preso il videogioco – sviluppato, tra l’altro, dallo stesso Druckmann – e l’hanno usato come una guida, come una piantina. Qui succede questo, e qui quest’altro. La televisione ha tempi e necessità diverse, e allora bisogna cambiare: prima accelerare, poi rallentare; prima andare avanti nel tempo, poi tornare indietro. E non solo per spiegare, ma pure per ispessire la trama, per darle un senso totalmente nuovo, e per trasformare una storia di vendetta in una storia d’amore e viceversa. 

Nel 2012 Frank Cifaldi era il direttore di Gamasutra, una storica pubblicazione online che si occupa di sviluppo di videogiochi e che da qualche anno ha scelto (comprensibilmente) di cambiare nome, ribattezzandosi GameDevelopers.com. Tra gli articoli firmati da Cifaldi in quel periodo, e più precisamente il 28 marzo 2012, ce n’è uno particolarmente significativo. Il suo titolo è “Triste ma vero, non abbiamo certezze sulla data di uscita di Super Mario Bros. negli Stati Uniti” e ripercorre il tentativo di Cifaldi di individuare una prova certa dell’esatto giorno in cui Super Mario Bros. è stato pubblicato negli USA per il NES (la console a 8 bit di Nintendo che ha monopolizzato il mercato negli anni Ottanta). Secondo i registri Super Mario Bros ha debuttato in Giappone il 13 settembre 1985, ma, come dimostra la ricerca di Cifaldi, non abbiamo dati precisi per quanto riguarda il mercato degli Stati Uniti. La missione, insomma, può dirsi fallita.

Quello di Gamasutra è un esempio illustre, perché si appoggia a uno dei videogiochi di maggior successo della storia dei videogiochi, un esempio che quindi accende una luce sul buio dentro cui si muove il racconto di quasi cinquant’anni di avventure interattive. Con ogni probabilità è stato solo uno degli innumerevoli spunti che hanno spinto Cifaldi a dedicare le sue energie nella preservazione attiva di questa storia. Dal 2017 lo fa indossando il costume da supereroe di fondatore e direttore della Video Game History Foundation, un’associazione no profit attiva in molti modi e il cui obiettivo è “preservare, celebrare e insegnare la storia dei videogiochi”.

Tra i progetti della Game History Foundation ci sono varie tipologie di preservazione: quella dei codici sorgente dei videogiochi (inclusi i tool di sviluppo, i bozzetti e la documentazione), quella degli asset per i media (i press kit che includono immagini e testi) e quella dei materiali artistici, che possono addirittura tornare utili alle aziende che sono interessate a ripubblicare i propri giochi e di cui potrebbero aver perso qualche pezzo. La Game History Foundation, a questo proposito, spiega che ha collaborato con Limited Run Games, un’etichetta specializzata in riedizioni per un pubblico molto ristretto, ma anche Bethesda, SNK, Capcom e Disney. Negli anni precedenti all’apertura della fondazione, lo stesso Cifaldi ha lavorato con Digital Eclipse, l’editore che ha di recente ideato il formato del docu-videogioco con gli splendidi The Making of Karateka e Tetris Forever, tra gli altri.

BARILI ESPLOSIVI

Switch 2 Bananza

Un barile esplosivo

Atomfall (Rebellion, 2025).

Una cosa (molto) grossa

Nintendo ha presentato Switch 2 e queste sono le cose principali da sapere: 

• Esce il 5 giugno. 
• Costa 469 euro da sola, 509 in bundle con Mario Kart World. 
• Ci si può giocare ai giochi della prima Switch. In alcuni casi si potranno comprare degli upgrade che permetteranno di giocarci meglio (grafica migliorata, contenuti aggiuntivi). 
• Ha il design e la filosofia di Switch, quindi tablet centrali e controller, i Joy-Con, a lato. Questi saranno però magnetici e se impugnati di taglio, in alcuni giochi, potrebbero essere usati quasi come un mouse. 
• Il display è da 7.9 pollici (quello di Switch era 6.2), di tipo LCD (con HDR) e con risoluzione 1920x1080 in modalità portatile che arriva a 4k (e 120 fps) se attaccata alla docking station. 
• Ci sarà una chat (che ha un tasto dedicato) e sarà possibile condividere in alcuni casi lo schermo con altri Switch.
  

RECENSIONE

Immaginate di svegliarvi con le palpebre ancora appiccicose e di sentire uno strano richiamo provenire dal profondo della vostra anima. Immaginate di sentirvi attratti da qualcosa di indefinito che si trova al di fuori della vostra finestra, di dirigervi verso le tende, di scostarle per far filtrare la luce e… di ritrovarvi col cervello liquefatto di fronte ad un orrore cosmico incomprensibile dalla psiche umana. 

Siete morti, game over. Nella prossima vita, forse, sarete più fortunati.

Ecco, Look Outside si apre esattamente così, accogliendo il giocatore con una truce schermata di game over che imbastisce con una certa schiettezza le regole del suo mondo. Quello sviluppato da Francis Coulombe è un JRPG Horror piccolo così che nasconde al proprio interno una varietà abbastanza impressionante di idee, meccaniche e suggestioni che mi hanno lasciato più volte a bocca aperta; estremamente crudele sia nella sua narrazione che per quanto riguarda la sua voglia di accanirsi sulla psiche del giocatore. L’antefatto narrativo, come già detto, è che ci troviamo all’interno di un condominio mentre fuori il mondo sta venendo apparentemente inghiottito da qualcosa di così insondabile che è capace di far implodere il cranio di chiunque tenti di osservarlo. Il focus, però, è ciò che succede dentro al condominio, pietosamente invaso da mostri che sembrano aver preso il posto degli abitanti originali. There’s a catch, come direbbero gli inglesi: questo armageddon lovecraftiano in miniatura ha una data di scadenza e a quanto si legge online chiunque sopravviverà per quindici giorni potrà considerarsi al sicuro una volta per tutte.

Un altro Switch 2 non era possibile e a me va bene così com’è.

Il 18 aprile uscirà un nuovo disco rap di Neffa, che è uno dei padri della scuola italiana del genere. Neffa aveva smesso di fare dischi rap al giro del secolo, preferendo spostarsi su un pop più quieto. E invece adesso torna a fare un disco rap. È solo un esempio tra gli innumerevoli che si possono fare, quando si vuole ricordare un processo già visto: quello dei cicli che si alternano, senza mai scomparire del tutto. Quando ti sei messo alle spalle qualche decennio di esperienza in materia di videogiochi, come possono dire di aver fatto ormai in chissà quanti su questo pianeta, anche il panorama mostrato dall’ora di presentazione di Switch 2 da parte di Nintendo, è tutt’altro che sorprendente. 

Dentro c’è stato tutto quello che era Nintendo e che, a un certo punto, non è più stata. Dentro non c’era poi molto di quello che era dovuta diventare Nintendo, per non ritrovarsi schiacciata in un angolo, risucchiata nell’irrilevanza che aveva già consumato Sega prima di lei. 

Due sguardi irresistibili sull’adolescenza al femminile

La prima volta che vidi Keita Takahashi di persona fu alla Game Developers Conference del 2009, quando eravamo tutti più giovani e prestanti. Era lì, s’era tolto le scarpe, gironzolava attorno al palco, emanava carisma irresistibile da tutti i pori, raccontava aneddoti legati a Katamary Damacy e Noby Noby Boy, esprimeva la sua visione tutta storta e pura del game design, una visione che, forse, è in realtà quella più dritta di tutte e son gli altri che vanno storti. Era la mia prima volta alla GDC e quel suo intervento me lo porto nel cuore come uno fra i simboli dei motivi per cui ancora amo andare a quella fiera. Son passati un po’ di anni, l’altro giorno ero di nuovo alla GDC e gironzolavo per l’evento ID@Xbox, in cui Microsoft mette in evidenza alcuni dei giochi inclusi nel suo programma di supporto alla scena indipendente. Al di là di un muro, là nell’angolino, c’era Keita Takahashi, ancora senza scarpe, le teneva lì a lato pronto a indossarle quando andava al bar a prendersi qualcosa da bere o da sgranocchiare. Quanta invidia, a vederlo senza scarpe. Gli anni son passati, non ha più la folta chioma e indossa un berretto, io c’ho la panza, di Katamary Damacy ne sono usciti cinquantamila e lui se ne sta lì tranquillo a osservare la gente che gioca a To a T. Quando arriva finalmente il mio turno, afferro il pad e mi esibisco immediatamente nella mia specialità: scassare la demo. Dopo un paio di minuti spesi a pasticciare in giro, provo a far indossare un cappello bizzarro al personaggio e si blocca tutto. Takahashi si scusa, ci facciamo due risate, confessa che deve per forza far ripartire la demo ipotizzando che non sia quello che voglio. Gli dico che si sbaglia: sono già perdutamente innamorato del gioco e ripartire da capo è una prospettiva allettante, perché significa passare qualche minuto in più nel suo mondo.

(e a Disco Elysium mobile)

A qualche giorno di distanza dalla presentazione online di cui aveva scritto Giulia, mi sono infilato in una stanzetta in quel di San Francisco per incontrare i rappresentanti di ZA/UM e dare uno sguardo lievemente più approfondito al loro nuovo Project [C4]. A raccontarmi il gioco c'erano lo scrittore Siim “Kosmos” Sinamäe, già parte del team che a suo tempo aveva lavorato su Disco Elysium, e la grafica e lead producer Ruudu Ulas, fra i volti relativamente nuovi di ZA/UM, presso cui lavora da circa quattro anni e che si è già occupata di Disco Elysium: The Final Cut. I due mi hanno raccontato di essere al lavoro sul nuovo gioco da tre anni e ne hanno ribadito intenzioni e fonti d'ispirazione principali, spiegandomi che l'idea è di raccontare storie di spionaggio dal taglio assimilabile a quello dei romanzi di John LeCarré. Vogliono insomma raccontare lo spionaggio in un'ottica realistica, che in realtà, volendo, permette di dare vita a storie e situazioni ben più bizzarre di quelle che si vedono tipicamente nei lavori di finzione. E a supporto di questa affermazione, Kosmos ha fatto riferimento all'attualità recente e alla vicenda di Jan Marsalek, Orlin Roussev e il loro gruppo di pedine manipolate che chiamavano "minion". 

L'idea narrativa centrale alla base del gioco, comunque, verterà proprio sull'indagare sulla complessità psicologica del lavorare come spia e dello scendere a patti con la propria identità fittizia come di quella reale, virando su un'indagine estetica, prima ancora che di scrittura e meccaniche, dei diversi piani di realtà in cui condurre una doppia vita può finire per calarti. Project [C4] alternerà infatti due stili visivi ben distinti, che tenderanno a compenetrarsi e influenzarsi a vicenda. Da un lato una rappresentazione netta e definita della realtà oggettiva, che si appoggia su modelli 3D dei personaggi e un certo realismo di fondo. Dall'altro la visione soggettiva del mondo, filtrata dallo sguardo del personaggio principale e dalla maniera delirante, simbolica, allegorica in cui osserva ciò che lo circonda. Nel mezzo, la natura contraddittoria, in conflitto, delle due realtà, con il mondo oggettivo caratterizzato da un taglio sporco, disordinato, caotico, sgradevole, e lo sguardo soggettivo che diventa invece un mondo preciso, ordinato, quadrato, in cui il protagonista può rifugiarsi.

UN PICCHIADURO DALL'ANIMA IBRIDA

Nonostante non sia più sulla cresta dell'onda, Bleach è stata una delle serie più importanti degli anni 2000, guadagnando una fanbase enorme e spiccando per la caratterizzazione dei suoi personaggi, gli scontri e le trasformazioni nel classico stile shonen ed un intreccio narrativo ricco di colpi di scena e momenti memorabili. Alla popolarità del manga e dell'anime non sono tuttavia seguiti adattamenti videoludici degni di nota e l'ultimo tie-in di un certo peso risale al lontano 2005. Mancava quindi da tempo un prodotto legato al franchise Bleach che sfruttasse il potenziale delle nuove console. 

Il motivo per cui mi sono subito interessato a Bleach: Rebirth of Souls, sobbarcandomi decine di episodi della serie per avere un briciolo di contesto sul background narrativo del titolo, è la sua assenza di riferimenti precisi a varie tipologie di picchiaduro già esistenti. Non riuscivo a capire, in pratica, se il titolo ispirato al manga di Tite Kubo potesse essere inserito nella tipologia di fighting game arena, cui appartengono altri prodotti ispirati ad anime come Naruto Ninja Storm e il recente Dragonball Sparking Zero, oppure fosse una creatura a sé stante, degna perciò di interesse. 

Anche dopo aver speso numerose ore mi risulta difficile inquadrare questo titolo in una sola tipologia di fighting game. Rebirth of Souls abbraccia diverse esperienze di stampo picchiaduristico e propone anche diverse idee piuttosto innovative, ponendosi esattamente a metà tra un arena fighter tradizionale e un picchiaduro tridimensionale "ortodosso" simile a Tekken o Street Fighter. L'unica certezza, da questo punto di vista, è che non si tratta sicuramente di un prodotto destinato al mercato competitivo. Ma cerchiamo di andare più a fondo.

BARILI ESPLOSIVI

Una nuova Ubisoft e l'ultimo Direct di Switch

Un barile esplosivo

Assassin’s Creed Shadows (Ubisoft, 2025).

Due cose importanti

Ubisoft ha deciso di cambiare poco ora per magari farlo tanto più avanti. Creerà in sostanza una nuova azienda che si occuperà di gestire le sue serie più importanti (Assassin’s Creed, Far Cry e Rainbow Six), gestendo direttamente alcuni studi (Montréal, Quebec, Sherbrooke, Saguenay, Barcelona e Sofia). A quella che per comodità chiameremo “vecchia Ubisoft” rimane il compito di portare avanti (e magari rilanciare) Tom Clancy: Ghost Recon e The Division, insieme ovviamente a tutto il resto, tra cui Prince of Persia, Splinter Cell, For Honor, The Crew e Just Dance). 

In tutto questo, chi ci mette i soldi è Tencent, che oltre ad avere il 10% delle azioni della vecchia Ubisoft avrà il 25% della nuova, che è valutata 4 miliardi di dollari, di cui 1,16 sono proprio quelli che sta investendo Tencent. Il controllo della nuova Ubisoft rimarrà alla famiglia Guillemot per almeno i prossimi due anni. Quella vecchia invece è sempre loro. 

Al momento questo è tutto quello che si sa: non si è ancora parlato di chi va dove, di chi rimarrà a casa o di chi, magari tra un po’, comprerà cosa. La speranza ovviamente è che la nuova struttura dia modo ai giochi di tornare al centro della strategia di Ubisoft, ma che soprattutto rimanga a casa il minor numero di persone possibile. 

Nel frattempo, Assassin’s Creed Shadows è uscito, è secondo me un ottimo gioco e sta vendendo bene, anche se forse non così bene come Ubisoft sperava. Se non volete comprarlo per me, compratelo per infastidire Musk.

tra vecchi classici e nuove sonorità

Hideo Kojima, Tetsuya Nomura, Toyotaro, Ken Levine, Ed Boon: tutti nomi importanti che risuonano nell'immaginario collettivo del videogiocatore e riportano immediatamente la mente dell'appassionato alle serie di riferimento, che si tratti del leggendario Metal Gear Solid, del poetico Kingdom Hearts o del violentissimo Mortal Kombat. Raramente, nella storia di questo medium, il nome di un compositore riesce a fare breccia nel cuore della fanbase al punto da essere identificato con la serie di riferimento al pari con uno sviluppatore o un director. Chiunque pensi al franchise Final Fantasy non può non associarlo istantaneamente al nome di Nobuo Uematsu, considerato da molti il più grande compositore di musica da videogame di tutti i tempi. Nonostante le iperboli e le esagerazioni non appartengano generalmente al mio linguaggio, in questo caso riflettono piuttosto accuratamente la realtà delle cose. Nessun compositore, né all'interno di Squaresoft/Square Enix, né in altri franchise, è riuscito ad avere l'impatto che il Maestro Uematsu ha avuto sulla musica da videogame forgiando uno stile, dando vita a capolavori indimenticabili, segnando l'infanzia di innumerevoli fan in tutto il mondo. 

L'attesa per questo evento era quindi decisamente palpabile, considerata anche la lunga assenza del musicista giapponese dai palcoscenici italiani, durata ben 17 anni.

Lo spettacolo che gli spettatori si sono trovati di fronte nell'ottima cornice dell'Auditorium Conciliazione di Roma è stato sicuramente qualcosa di inaspettato e fuori dai classici schemi musicali cui il compositore ha abituato il proprio pubblico. Tuttavia, analizzando il suo contributo musicale in maniera più attenta, una delle caratteristiche più evidenti dell'opera di Uematsu è sempre stata la sua immensa versatilità e la sua voglia di spaziare tra vari generi per rompere confini ed etichette. In questo senso, il conTIKI show si può tranquillamente definire in continuità con l'opera del prolifico musicista giapponese.

(ri)nascita di un labirinto

Fra gli appuntamenti più interessanti del Level Design Summit alla Game Developers Conference 2025 c'è sicuramente stato l'intervento di Anna Oporska-Szybisz, senior level designer presso Bloober Team. Szybisz è nel settore da nove anni ed è arrivata in Bloober dopo aver lavorato su giochi come The Path of Calydra, Bee Simulator e Sniper Elite 3, oltre ad avere a curriculum una carriera da scrittrice di romanzi. Quando le è stata offerta la chance di lavorare allo sviluppo del remake di Silent Hill 2, l'ha colta al volo, anche perché, ha spiegato dal palco della GDC, il gioco originale di Konami è uno fra i suoi preferiti di sempre, oltre ad occupare un posto speciale nel suo cuore in quanto primo gioco horror su cui abbia mai messo mano. C'è però un aspetto dell'originale che non ha mai amato, ovvero il labirinto sotterraneo che bisogna affrontare nella parte conclusiva. E ovviamente, appena entrata in Bloober Team, le hanno affidato proprio quel labirinto!  

Szybisz si è unita al team quando lo sviluppo del gioco era ormai alla fine della fase alpha ma il livello del labirinto era ancora indietrissimo, c'erano giusto qualche muro e il pavimento, nonostante fosse già passato per le mani di tre level designer diversi, ciascuno con le sue idee al riguardo. Con a disposizione poco più di un anno di tempo prima della data d'uscita stabilita. Szybisz ha quindi deciso di ripartire da zero, iniziando a ragionare su cosa rappresentasse Silent Hill nell'allegoria del gioco. C'è chi ritiene che sia l'inferno e chi lo vede come una sorta di purgatorio, ma l'elemento di lettura più solido e chiaro, secondo Szybisz, è l'idea che Silent Hill cambi forma e sostanza a seconda degli occhi di chi guarda, adattandosi ai suoi tormenti interiori. Certo è, però, che il gioco, e in particolare proprio la parte del labirinto, con i suoi successivi salti nel buio, spinge con forza verso l'interpretazione infernale.

Per trovare ispirazione, ma anche in fondo per andare incontro a quello che in linea teorica doveva essere il pubblico di riferimento del remake, Szybisz si è fatta un deep dive online, esplorando le teorie dei fan e provando a capire se e come fosse il caso di integrare le letture più interessanti che negli anni i giocatori hanno dato del labirinto. Sicuramente la sfida di design non era semplice: il labirinto è il livello più ampio del gioco ed è posizionato verso la fine, quindi include ed integra tutte le meccaniche introdotte mano a mano fino a quel punto. Inoltre, contiene più di un boss, che nel gioco originale sono posizionati molto vicini fra di loro. E infatti, tra le scelte di design compiute fin dall'inizio c'era proprio l'idea di allontanarli un po', per bilanciare meglio lo sviluppo del labirinto.

Il centenario che non saltò dalla finestra e tantomeno scomparve.

Chiedereste a vostro bisnonno quali progetti ha per il futuro? Non mi riferisco a una di quelle battute bonarie, con il resto della famiglia che commenta con una risatina rilassata, ma la pretesa che arrivi dall’interrogato una risposta articolata, credibile e interessante. Trovarsi a seguire un Nintendo Direct dedicato a Switch, otto anni dopo il lancio della console, somiglia tanto alla scena appena descritta. Non sorprendendo proprio nessuno, la mezz’ora di trasmissione presentata da Shinya Takahashi è scivolata via senza scossoni o tavolini del tè ribaltati, per riprendere una dinamica cara ai giapponesi e in particolare a Nintendo. Anche quando si è spostata l’attenzione su progetti inediti, l’aria ha faticato a incendiarsi.  

È stato così per tanti ottimi motivi, su tutti la presenza di un immenso elefante virtuale nella stanza: l’imminente trasmissione dedicata a Switch 2, programmata per il prossimo 2 aprile. Poi perché questo Switch, quello dei quasi centocinquanta milioni di pezzi venduti, si porta dietro intanto una quantità di produzioni delle terze parti, e di rapporti con le stesse che Nintendo nutre anche durante questi eventi, che esigono un tributo significativo in termini di minutaggio. A me, videogiocatore della vecchia scuola, di un nuovo Story of Seasons (simulatore di vita e sementi) potrebbe interessare quasi nulla, così come pure di Dragon Quest I+II HD Remaster a essere sinceri, ma sono presenze che assolvono svariati compiti. Tra cui non sono certo che rientri anche quello di stupire e generare titoli.

C’è poi l’ingiusta pretesa di chiedere ancora qualcosa a chi ha già dato molto, probabilmente più di quanto non fosse lecito attendersi, e lo ha fatto cavando sangue dalle rape. Perché Switch è una console portatile che per otto anni ha sfoggiato un apprezzabile cosplay da macchina casalinga, pur non potendo mai fingere che la dotazione hardware fosse differente da quella di un 3DS glorificato. Nonostante questo, Nintendo e Switch organizzeranno ancora delle cene a casa loro nel 2025 e nel 2026, senza limitarsi ad aggiornamenti svogliati di serie già affermate. Vi ricordate cosa veniva pubblicato da Sony per PlayStation 2, tra gli otto e i nove anni dopo il lancio? Nuove edizioni di serie sportive, qualche Singstar e un paio di spin-off (Secret Agent Clank, da Ratchet & Clank, e Twisted Metal: Head-On).

THE DARK WORLD

O dell'orrore dell'ossessione per il controllo

Karma: the Dark World è uno di quei videogiochi che da anni combatte con le unghie e con i denti per emergere dalla massa informe di titoli indipendenti presentati all’interno delle migliaia di conferenze digitali che si tengono con ostinata costanza dalla pandemia in poi. A guardarlo da lontano sarebbe facilissimo etichettarlo come il solito horror indie da Future Games Show che viene dimenticato a circa dieci secondi di distanza dalla fine del suo trailer, a meno che non siate me e che non vi rimanga impresso per l’enorme quantità di tubi catodici presenti a schermo che vi stuzzicano l’interesse. Esiste, a dirla tutta, una certa fascinazione dura a morire per l’horror analogico all’interno del mercato indie, basti pensare ai vari Mundaun, Signalis, Crow Country e Fear the Spotlight e alla buonissima ricezione di cui hanno goduto da parte del pubblico più appassionato, ma si tratta di una nicchia estremamente affollata in cui trovare spazio diventa progressivamente più difficile. Il titolo d’esordio di Pollard Studio, team cinese basato a Shanghai, ha però sempre avuto dalla sua un immaginario estremamente affascinante e decisamente peculiare. 

La verità, però, è che Karma è un’opera estremamente più complessa e stratificata di quanto non sia emerso da trailer e demo.

Gioca nel campionato dei walking simulator in prima persona, anch’essa una nicchia nella nicchia che negli anni è stata capace di partorire videogiochi di tutto rispetto, ma è caratterizzato da un gusto tutto suo e da una direzione artistica di altissimo livello. La storia è quella di Daniel McGovern, agente della psicopolizia di una Germania Est ucronica controllata dalla Leviathan, una compagnia monopolistica che è diretta emanazione di uno stato ossessionato dal controllo dei suoi cittadini. Inviato ad investigare quello che in apparenza sembra un semplice caso di furto nei confronti dell’istituto di ricerca Winston, Daniel si imbatte in una cospirazione inquietante e dai toni paranormali che sembra annidarsi all’ombra dell’occhio vigile di Madre, IA statale che controlla il paese in ogni suo aspetto. L’investigazione lo porta ad immergersi nella mente di Sean e Rachel, due impiegati del centro di ricerca, scavando nella loro psiche alla scoperta del loro passato e del loro ruolo cruciale nella vicenda che vede Daniel come protagonista. 

o di come il volontariato rischia di danneggiare un intero settore

Il volontariato è una bella cosa. Si ha la possibilità di aiutare gli altri senza avere (quasi) nulla in cambio, se non l’immensa soddisfazione di aver dato una mano a qualcuno che ne aveva bisogno. È molto comune che queste attività si svolgano intorno ai 20 anni o poco più, quando ancora non si sa esattamente cosa fare nella vita e si approfitta di situazioni simili per orientarsi. Certo, siamo in Italia e quindi se per qualcuno il volontariato è un’occasione benefica e spesso di apprendimento, ci sono altre persone che sfruttano questa occasione per poter avere dei prodotti gratuitamente, magari di qualità eccellente, senza però compiere il minimo sforzo. 

Ahimé, tutto ciò è successo (e succede) anche nel campo della localizzazione videoludica. 

Quante volte vi è capitato di imbattervi in un gioco e di non trovare l’italiano fra le lingue disponibili? Forse fin troppo spesso, soprattutto se bazzicate il panorama indie o i titoli un po’ di nicchia. Mi vengono in mente il già citato in un precedente articolo Disco Elysium, ma anche Citizen Sleeper, Signalis o il più noto e recente The Plucky Squire. Ci sono diverse persone che accettano serenamente di giocare selezionando l’inglese o altre lingue conosciute (NdA non io ho che ho voluto fare la figa giocando a Pathologic in russo), ma ce ne sono tante altre che decidono sistematicamente di abbandonare il titolo in questione e passare ad altro in attesa di ricevere buone notizie in futuro su una possibile traduzione nella nostra lingua.

La luce della giustizia di Fritz Bauer

“Nulla appartiene al passato. Tutto è ancora presente e può diventare nuovamente futuro”
- Fritz Bauer

Mi dirigo verso la porta del procuratore generale per aggiornarlo sull’andamento di un’indagine di cui sono incaricata. La nostra assistente legale, Paula, mi ferma. “Bauer non c’è”, dice. “È andato via mormorando qualcosa... Sull’Argentina, mi pare”. Dall’altra parte dello schermo, guardo Esther Katz – mia avatar nel videogioco The Darkest Files – e sorrido. Ma certo, qui è il 1957. E le lancette dell’orologio, per un certo Adolf Eichmann, hanno appena iniziato una corsa a perdifiato. Tenente colonnello nelle Schutzsfaffel naziste, aveva diretto la deportazione di centinaia di migliaia di ebrei nei campi di sterminio. Dell’espulsione degli ebrei da Vienna nel 1938, disse durante il suo processo di aver “fatto trottare i signorini”. Alla fine della guerra, riuscì a rimanere nascosto nelle campagne tedesche per qualche anno sotto falso nome, e poi fece perdere le sue tracce in Argentina. 

Divenne sempre più sbruffone, fino a concedere un’intervista a Willem Sassen, giornalista olandese ed ex collaborazionista del regime nazista. Era il 1957. E quello stesso anno, il figlio dell’ex tenente delle SS, Klaus, iniziò a frequentare la figlia di un sopravvissuto di Dachau, Lothar Hermann. Il nome della ragazza era Sylvia. A causa delle botte subite nel campo di concentramento, il suo papà era diventato completamente cieco. E si trovò, un giorno, ad accogliere in casa il fidanzato della figlia, e a chiedere – come spesso succede – di cosa si occupasse suo padre. La risposta fu la più atroce possibile per un sopravvissuto all’Olocausto: “Mio padre è stato in guerra e ci siamo trasferiti molte volte. Per un periodo di tempo, abbiamo abitato a Praga. Papà diceva che eravamo lì per diffondere nel mondo i valori tedeschi”. Klaus Eichmann utilizzava il vero cognome del padre, e per questo Hermann riuscì a risalire al suo ruolo nelle SS e a contattare quello che forse è il vero protagonista del videogioco The Darkest Files. Di certo, è uno dei grandi protagonisti del Novecento – del Novecento della legge. Meglio ancora, della giustizia. Il suo nome era Friz Bauer.

Il secondo Falò, con Mario e Kirby

Benvenute e benvenuti al secondo Falò, quel momento in cui idealmente dovremmo in armonia sederci intorno al tavolo per raccontarci a cuore aperto le emozioni provate insieme giocando ma che all’atto pratico si tratta di me che estorco smozzichi di informazioni ai miei figli. 

Prima di partire, un brevissimo riassunto, così nessuna e nessuno si perde nulla:

Fatti e misfatti di Verity Amersham

“In precedenza, Jon [Ingold, N.d.A.] è stato Lead Designer presso Sony Computer Entertainment Europe, e prima ancora un insegnante nelle scuole medie, quindi ama parlare”. Jon Ingold, co-fondatore e Narrative Director di inkle, si presenta così sul sito della compagnia. inkle (scritto tutto minuscolo) è un piccolo studio fondato a Cambridge nel 2011, nonché una vera e propria avanguardia nel campo del design narrativo di esperienze interattive. Ogni videogioco di inkle – dalla fenomenale avventura linguistica Heaven’s Vault, passando per l’investigativo Overboard!, fino ad arrivare alla corsa a perdifiato di Moira McKinnon per le Highland scozzesi in A Highland Song – ha la stessa base: ink (anche lui tutto in minuscolo), “un fondamento che ci ha permesso di scrivere letteralmente milioni di parole”, come precisato dallo studio. ink è un linguaggio di scripting narrativo amato non soltanto dai suoi creatori, ma anche da sviluppatori di tutto il mondo, grazie anche alla sua facilissima integrazione con gli strumenti di Unity e Unreal: per citare giusto alcuni nomi, sono stati costruiti con ink capolavori della galassia indie come Thirtsy Suitors, The Wreck, Sable, Goodbye Volcano High, Where the Water Tastes Like Wine, Neocab, Bury Me My Love. Solo per citare alcuni nomi, perché la lista potrebbe continuare a lungo. Ah, e si tratta di uno strumento open source, liberamente disponibile sotto la licenza MIT. Se volete provarlo in prima persona, trovate ink qui.

L’esigenza di sviluppare un tool simile viene dalla volontà dello studio di creare videogiochi che si traducono in esperienze uniche e singolari, su cui l’azione del giocatore è capace di incidere a fondo, creando percorsi particolari e aprendosi a essere rigiocati più e più volte. Ne parla proprio Jon Ingold in un talk della Game Developers Conference 2018 dal titolo “Heaven’s Vault: Creating a Dynamic Detective Story”. Heaven’s Vault, uscito nel 2019, è un’avventura nelle profondità dello spazio in cui l’accademica Aliya Elasra tenta di ricostruire la storia di un antico popolo decifrando i geroglifici che ne formano il linguaggio. Ho vissuto poche esperienze ludiche ingaggianti tanto quanto l’operazione di traduzione di Heaven’s Vault: opere più recenti che costituiscono variazioni sul suo tema, come il pur ottimo Chants of Sennaar, non si avvicinano neppure lontanamente alla profondità ludica dell’opera di inkle, senz’altro tra le migliori dello studio britannico. “Noi creiamo storie giocabili con una grande libertà per i giocatori”, diceva Ingold nella sua presentazione alla GDC. Nella (incredibilmente appassionante) ora di durata del suo talk, Ingold spiega come inkle cerca di comporre la frattura tra la storia – di per sé non libera, in quanto dotata di limitazioni legate alla narrazione – e la libertà di azione accordata al giocatore. È una lezione di game design di rara profondità. Fatevi un regalo e recuperatela.

I VIDEOGIOCHI INDIE PIÙ INTERESSANTI DI APRILE 2025

Quest’anno ho l’impressione che i mesi stiano correndo più veloce rispetto al 2024 (deve essere l’età che avanza), ed è così che Radar è già giunto all’edizione di aprile. Vi anticipo che sarà un mese molto ricco e vario – ma raramente le cose vanno diversamente – e per questo vi racconterò quattro titoli che attendo con grande interesse. Chiarisco subito che ho deciso di non inserire in questa lista Clair Obscur: Expedition 33 perché il nostro Andrea ne ha già parlato con dovizia di particolari dopo un lungo hands-on dell’opera prima di Sandfall Interactive, quindi sapete già che aspettiamo con molta ansia la sua uscita.  

Accendete il vostro radar: si parte!

“È a questo punto che dobbiamo chiederci: che cosa intendiamo per intelligenza? Non è solo la domanda più cruciale che possiamo fare, ma anche la più divertente e, in ultima analisi, la più dirompente e generativa, perché, onestamente, nessuno sa rispondere” 

James Bridle, in Modi di essere. Animali, piante e computer: al di là dell’intelligenza umana

BARILI ESPLOSIVI

Ad Assassin's Creed chiediamo ogni volta di reinventare la ruota

Un barile esplosivo

The Legend of Zelda: Skyward Sword (Nintendo, 2011).

Collabora anche tu al censimento globale dei barili rossi che esplodono partecipando all’Osservatorio dei barili esplosivi su Discord.

Una nuova prima volta per Remedy Entertainment

“La nostra missione è creare esperienze entusiasmanti che non puoi trovare da nessun'altra parte”. Sono queste le prime parole che si leggono aprendo il sito Internet di Remedy Entertainment, società finlandese di sviluppo di videogiochi che il prossimo 18 agosto spegnerà le sue prime trenta candeline. E che ha intenzione di festeggiare con stile: nel corso dell’estate verrà pubblicato il suo prossimo lavoro, l’ennesima prima volta per un team che non si è mai tirato indietro in fatto di sperimentazione.  

“In questo momento, stiamo lavorando a quattro progetti diversi, ciascuno in un momento radicalmente differente del ciclo di sviluppo”, spiega Thomas Puha, Communications Director presso la compagnia. “Abbiamo Control 2, Max Payne 1&2 Remake, che sarà pubblicato da Rockstar Games, e un progetto non ancora annunciato, di cui avevamo fatto cenno lo scorso novembre. E poi c’è FBC: Firebreak”. Sullo sfondo della presentazione, che si svolge in diretta, c’è il logo del Federal Bureau of Control con il suo motto: “Invenio Investigatio Imperium”. L’aquila al centro regge nelle zampe una chiave e una spada, simboli di conoscenza e di lotta contro le forze soprannaturali studiate e – non sempre... – dominate dall’agenzia governativa guidata da Jesse Faden in seguito agli eventi di Control. 

Puha e il Game Director di FBC: Firebreak, Mike Kayatta, sono perfettamente consapevoli della perplessità non nascosta da una fetta di pubblico e di critica fin dall’annuncio del progetto. La ragione è presto detta: Remedy Entertainment è nota per esperienze videoludiche fortemente incentrate sulla narrazione in modalità single player. “È un gioco molto diverso da quelli a cui solitamente ci dedichiamo, ma volevamo crearlo da tanto tempo”, afferma Puha. “È una prima volta per noi, ma amiamo lavorare a cose nuove: è per questo che abbiamo piena fiducia in ciò che stiamo preparando”. La novità è duplice: FBC: Firebreak è un videogioco sparatutto in prima persona in co-op online fino a tre giocatori, e al suo interno – come precisato anche da Kayatta nel corso del Q&A seguito alla presentazione – la narrazione non ricoprirà un ruolo centrale. “I bisogni di un videogioco multigiocatore sono molto diversi rispetto a quelli di un’esperienza a giocatore singolo”, dice. “I videogiochi Remedy sono fortemente legati all’aspetto narrativo, ma in questo caso ci muoviamo su una strada differente”.

RECENSIONE

Amo i manga, ma in generale non riesco ad appassionarmi a serie fatte per durare per tanti, troppi anni. Centinaia di numeri? E allora non fa per me: quando si ha qualcosa da dire, mi piace che il messaggio arrivi diretto, fragoroso, e se possibile, conciso. Leiji Matsumoto era proprio così. I tratti essenziali e malinconici della sua penna e la sua prosa semplice ed efficace hanno guadagnato alle sue opere uno spazio d’onore nella mia libreria e nel mio cuore, spazio che si è preso con la mite eleganza che aveva in vita: appena tre volumetti per contenere Space Battleship Yamato, cinque per Capitan Harlock (possiedo entrambi nell’edizione italiana curata da Goen). Certe tavole di Space Battleship Yamato le ho incise in testa. “Io sono Jura... Figlia dello spazio, eternamente errante”. Ho i brividi solo a ripensarci. Spero anche voi. 

Insomma, capite bene che il mio amore per la space opera ha radici profonde e lontane nel tempo, radici che hanno influenzato in maniera incalcolabile la produzione culturale giapponese degli scorsi decenni – e non solo. La serie animata di Space Battleship Yamato arrivò sui televisori della terra del Sol Levante nel 1974 e fu determinante per definire la direzione che poi presero pesi massimi del calibro di Mobile Suit Gundam (1979) e Neon Genesis Evangelion (1995). Le premesse di Space Battleship Yamato, pur se affondano in un certo nazionalismo militaresco giapponese, sono commoventi: in un futuro di fantasia, l’unica speranza per il pianeta Terra è la gloriosa Yamato, affondata nel Pacifico durante la Seconda Guerra Mondiale il 7 aprile 1945, la più grande nave da battaglia mai costruita, insieme alla “sorella” pariclasse Musashi. Yamato viene recuperata dalle profondità del mare, rinnovata e spedita nello spazio con un equipaggio di centodiciassette uomini e donne per recuperare sul pianeta Iskandar il Cosmo DNA, unico meccanismo che potrà bonificare la radioattività che ha reso la Terra inabitabile. La radioattività, spauracchio che tanto ha influenzato la cultura giapponese, è un terrore frutto anche lui del secondo conflitto mondiale: le navi più possenti del pianeta non poterono evitare i bombardamenti degli agili e robusti aerei statunitensi, che in un confronto anacronistico e impari trattarono Yamato e Musashi come degli elefanti del mare, poderosi, certo, ma lenti, impacciati, dei bersagli dai movimenti lentissimi. Fu così che si giunse a Hiroshima e Nagasaki. Ed è in questo contesto culturale che si innestarono i sogni spaziali di Matsumoto, Yoshiyuki Tomino, Hajime Yatate, Hideaki Anno.

Un parallelismo con gli abiti Herero

«Il tessuto, come un quadro, è per l’occhio una superficie, ma per l’artefice è innanzi tutto sogno o progetto di superficie»
(L. Ghersi, L’essere e il tessere, p. 89)

HD Remaster

Gate Rune and Dunan Unification Wars

“Dove sono oggi i nostri anni? Possiamo prenderli in mano e contarli come monete? No, si son dileguati da un pezzo! Mentre scrivo queste frasi, il tempo che ci ho messo se n’è già andato, è svanito! Purtroppo!” 

Shih Nai-An di Loyang, prefazione dell’Autore al romanzo I Briganti

ZA/UM svela il suo nuovo videogioco

 Aprire il container è difficilissimo. Quando ce la faccio – diversi giorni dopo l’inizio della mia avventura nei panni di un investigatore con la passione per l’alcool – al suo interno trovo un uomo talmente ricco da piegare le leggi della fisica: la luce intorno a lui non si comporta normalmente. “La tua idea mi ricorda un gruppo di giovani uomini che vennero da me molto tempo fa. Si facevano chiamare ‘Fortress Accident’ – il loro nome avrebbe dovuto essere per me una red flag”, dice. 

Fortress Accident è un riferimento a un gruppo di sviluppatori realmente esistito. Si chiamava Fortress Occident ed erano impegnati nello sviluppo di un videogioco dal nome No Truce With The Furies!. Il loro devblog èancora disponibile a questo indirizzo. Lo spazio dedicato alle FAQ si apre così: “È uno scherzo?” “No. È un gioco vero. Lo stiamo creando”. No Truce With The Furies! era destinato a diventare quello che non ho paura a definire uno dei più grandi videogiochi di tutti i tempi: Disco Elysium. Al cui interno ho trovato personaggi come il Mega Rich Light-Bending Guy, Miss Oranje Disco Dancer, un cadavere inizialmente senza nome con una singolare ostinazione a rimanere attaccato a un albero e molto, molto altro ancora. 

 Il mondo in cui si muovono il detective Harrier Du Bois e il suo collega Kim Kitsuragi è complesso, stratificato, vivo. E sarebbe riduttivo definirlo un semplice videogioco. In realtà, Disco Elysium è una mera frazione dell’universo narrativo nato dalla mente di Robert Kurvitz all’inizio degli anni Duemila. Rifinito, ripensato, modellato e approfondito nel corso di lunghi anni, il mondo di Elysium doveva ricevere una semplice introduzione con Disco Elysium, uscito nel 2019 e chiaramente destinato ad avere uno o più seguiti. Un videogioco che si configurava, prima di tutto, come un commentario al potere distruttivo del capitalismo ultraliberale: ho approfondito il tema proprio qui su FinalRound, mettendo in relazione il videogioco di Kurvitz e soci con la letteratura di Philip K. Dick. Luciana “Svet” Perrucci, invece,ha parlato qui delle difficoltà di traduzione legate a un possibile adattamento italiano di Disco Elysium. Insomma, da queste parti siamo grandi appassionati del lavoro di ZA/UM: personalmente, l’ho giocato quattro volte, l’ultima pochi mesi fa. E ho ancora tanta, tantissima voglia di riprenderlo a ogni possibile occasione.

I COMPLEANNI IMPORTANTI

10 ANNI

• Bloodborne (Sony)  
• Code Name S.T.E.A.M. (Nintendo) 
• Pillars of Eternity (Paradox Interactive)
  
  

COME (NON) SVILUPPARE IL SEQUEL DI UN CAPOLAVORO

Esistono pochi videogiochi che mi hanno fatto sentire come mi fece sentire Everhood. Il titolo d’esordio di Foreign Gnomes fu per me un’autentica folgorazione, di quelle che nella vita se ne hanno davvero poche e che rappresentano tra le esperienze più preziose nell’esistenza di un videogiocatore. Credetemi se vi dico che non sto esagerando: quando ho avviato per la prima volta Everhood sulla mia Switch mi sono sentito come se stessi stringendo tra le mani un tesoro di inestimabile valore, al punto che ho più volte pensato di aver dissotterrato forse l’unico videogioco in grado di poter guardare negli occhi Undertale senza temere più di tanto il confronto. Ne sono rimasto ossessionato, ne ho parlato ad amici e colleghi in maniera così insistente da sembrare un pazzo e ho reagito ad alcuni feedback negativi come se quella assurda idea di gameplay l’avessi partorita io stesso. Everhood era ed è ancora oggi un’idea assolutamente geniale, una creazione nata dalla mente di chi ha davvero visto oltre il matrix e si è reinventato la ruota mescolando la narrazione lisergica di videogiochi come Mother e Moon RPG ad un approccio inedito al rhythm game per le sue fasi di combattimento.

È la storia del mondo di gioco di un RPG morente in cui gli NPC sono rimasti intrappolati e stanno marcendo; di un burattino a cui è stato rubato un braccio e che lotta con tutte le proprie forze per non farsi strappare via l’anima; di un universo psichedelico in cui si combatte danzando psytrance e metal su una plancia simile a quella di Guitar Hero in cui però le note vanno schivate e non suonate. Al cuore dell’esperienza c’è il bisogno squisitamente umano di ricercare il proprio posto nel mondo, di chiedersi chi siamo e quale sia il nostro ruolo all’interno del cerchio della vita e, soprattutto, se c’è qualcosa di più grande di noi a cui rispondere nel momento in cui saremo chiamati a passare dall’altra parte. Sono ancora profondamente innamorato dell’opera di Chris Nordgren e Jordi Roca, al punto che ancora oggi mi dispiaccio per la sua reputazione quasi inesistente anche tra i più attenti al mondo dello sviluppo indipendente. 

FICTION

SPLIT FICTION

TUTTA LA FOLLIA DI HAZELIGHT STUDIOS

Sembra passata un’era geologica da quando Josef Fares, da quasi completo sconosciuto agli occhi del grande pubblico, si prese la scena dei The Game Awards urlando nel microfono quel “fuck the oscars” che lo ha reso istantaneamente un’icona di questo settore. Quel colpo di testa arrivava a margine della presentazione di A Way Out, che è tutto sommato un buon videogioco cooperativo e che ha venduto bene sin da subito, ma a cui è mancata la forza per imporsi come paradigma nell’immaginario videoludico. Fares e il suo team hanno sempre avuto una visione molto precisa di quello che è diventato negli anni il loro videogioco-tipo: un’esperienza cooperativa che impone ai giocatori di trovarsi un partner per poterla esplorare, puntando forte sulla comunicazione e sull’intreccio di abilità e competenze differenti sviluppate nel corso del playthrough. È una formula che ho sempre trovato estremamente affascinante proprio per la riluttanza di Hazelight Studio nel conformarsi ai dettami di un mercato che è sempre più focalizzato sulle esperienze single player iper cinematografiche o su videogiochi multigiocatore inquadrati come servizi a cui destinare centinaia di ore.

Il vero grande successo, però, è arrivato nel 2021, quando a ridosso degli strascichi di una pandemia che ha obbligato tutti a riscoprire nuovi modi di sperimentare la socialità Hazelight ha pubblicato It Takes Two tra gli applausi scroscianti di pubblico e critica. Fu l’anno della rivalsa per Fares, che da quasi completo outcast si portò a casa il premio come videogioco dell’anno da sventolare in faccia a tutti quelli che avevano bollato la sua ossessione per la cooperazione in-game come una perdita di tempo facile da vendere ma incapace di lasciare realmente il segno. Da quella premiazione sono cambiate tante cose: è cambiata l’industria, è cambiato il pubblico ed è cambiato anche il nostro rapporto con i videogiochi. Il mutamento più evidente, però, lo ha visto proprio Hazelight Studio, che forte del suo trionfo ha verosimilmente ottenuto carta bianca da parte di Electronic Arts e ha potuto mettere in cantiere un videogioco che non doveva più temere dubbi e limitazioni di sorta.

Split Fiction è il prodotto di questo infinito marasma di avvenimenti ed è figlio del lungo percorso che ha portato Hazelight ad essere rispettata come una delle aziende migliori sulla mappa in questo momento, e si vede. Sia nel bene (e di bene ce n’è tanto), sia nel male (e di male ce n’è più del previsto). 

EXPEDITION 33

INNAMORAMENTO DEFINITIVO

Da qualche parte nel padiglione stampa della Koelnmesse di Colonia è ancora possibile vedere il segno della mia mascella che mi si staccò dalla faccia di fronte alla presentazione di Clair Obscur: Expedition 33 nel corso della Gamescom 2024. Del gioco di Sandfall Interactive e delle sensazioni che mi suscitò ne ho già parlato in passato, ma quella era pur sempre una raccolta di pensieri derivanti dal primo contatto “a distanza” con il prodotto. Ho smaniato a lungo di poterci mettere le mani il prima possibile e qualcuno deve avermi ascoltato. Ho infatti avuto la possibilità di entrare in contatto con una lunga demo per provare finalmente il gioco e sperimentare il suo combat system e la sua struttura. 

Ve lo anticipo perché per me è importante farlo: la demo fornita alla stampa era molto corposa, per una durata complessiva di circa tre ore, e io mi sono fermato molto prima. Non mi avventurato ad esplorare tutti i contenuti al suo interno perché sono rimasto così tanto convinto della bontà dell’opera da scegliere attivamente di fermarmi e di tenermi il piú vergine possibile in vista della release ufficiale. Credo non ci sia complimento migliore che si possa fare ad una demo, no? 

Entrando più nello specifico, posso dirvi che la porzione di gioco presentata in questo primo hands-on partiva leggermente più in là dell'inizio del gioco. Non c’è stato modo (giustamente, a mio parere) di approfondire l’incipit e la componente narrativa del gioco, ma si è trattato di uno showcase piú che altro incentrato sulla tecnica, sulla presentazione del mondo di gioco e, soprattutto, delle strutture che compongono il gameplay. Mi limiterò, quindi, a fare giusto un piccolo riassunto di quello che sappiamo della premessa narrativa del gioco per tutte quelle persone che si interfacciano per la prima volta con Expedition 33: Nel mondo è comparso uno strano obelisco la cui influenza ha corrotto la materia che si trova intorno ad esso. Ai suoi piedi dorme la Pittrice, una strana creatura mistica che ad intervalli regolari disegna un numero ordinato decrescente sull’obelisco. Ogni volta che viene completata la scrittura, tutte le persone dell’età corrispondente a quella incisa dalla pittrice vengono trasformate in pietra. Il mondo ha provato a rispondere organizzando delle spedizioni di piccoli eserciti mandati ad investigare sull’obelisco e sulla pittrice, esponendosi ai grandissimi pericoli presenti nelle terre corrotte dalla loro influenza negativa. Expedition 33 deve il suo nome al fatto che al giocatore è affidato il controllo di un party facente parte alla spedizione inviata ad investigare dopo la comparsa del numero 34: in quel momento chi ha trentatré anni fa parte della generazione più anziana tra quelle ancora in vita. Non smetterò mai di sperticarmi per raccontare quanto dannatamente trovi affascinante il concept di Clair Obscur, e sono curiosissimo di vederlo espandersi in tutte le sue forme.

BARILI ESPLOSIVI

Una dirigenza inadeguata e incapace

Il barile esplosivo della settimana

Amnesia: The Bunker (Frictional Games, 2023)
Collabora anche tu al censimento globale dei barili rossi che esplodono partecipando all’Osservatorio dei barili esplosivi sul canale Discord.

STEAM NEXT FEST

FEBBBRAIO 2025

Come sapete, su FinalRound non perdiamo mai occasione per darvi una mano a orientarvi in quella meravigliosa baraonda chiamata Steam Next Fest, il festival periodico con cui Valve lascia il palcoscenico agli sviluppatori e rende disponibili centinaia di demo di videogiochi di prossima uscita. Ne ho provate tantissime in questi primi giorni della manifestazione per selezionare le più interessanti da consigliarvi. Vi ricordo che questa edizione di Steam Next Fest si svolge da lunedì 24 febbraio fino a lunedì 3 marzo alle 19.00: organizzate i vostri impegni di conseguenza, perché vale davvero la pena di buttarsi in questo allegro mare magnum. Seguitemi!

Cos'è e come si imposta il filtro famiglia su Switch

Il filtro famiglia, che potreste conoscere anche come parental control, è un insieme di impostazioni che genitori e tutori possono utilizzare per limitare o guidare il modo in cui le bambine e i bambini utilizzano la propria console. Sistemi di questo tipo non sono legati solo ai videogiochi: i primi software ad adottare opzioni di questo tipo furono i browser, seguiti poi da televisori, sistemi operativi (soprattutto mobile) e ovviamente anche le console. Nonostante esistano quindi da almeno 15 anni, vengono spesso ignorati, sia perché proprio non li si conosce, sia perché, con una certa superficialità, si pensa che “ma sì, tanto mio figlia è una smanettona, figurati se si fa fregare”. 

Se però gli si dedica un po’ di tempo, questi sistemi sono validissimi, a patto che li si intenda per quello che sono: un supporto e un aiuto che in nessun modo può sostituirsi all’attività del genitore. Il parental control infatti deve, almeno per come lo sto intendendo io, essere semplicemente un mezzo che rinforza quello che si è deciso in casa, e deve essere soprattutto qualcosa che va sempre condiviso con chi userà la console su cui si imposterà. Con Emma e Elia ne abbiamo parlato prima: gli ho spiegato che dopo mezz’ora di gioco suona una sveglia, perché vuol dire che è finito il tempo che abbiamo deciso avrebbero potuto dedicare al gioco. Loro in questo modo lo sanno e non la vedono come una imposizione unilaterale, visto che poi, quando magari decidiamo che sono stati particolarmente bravi e possono giocare un po’ di più, gliela modifico e possono vedere da soli che 30 minuti non è un numero calato dall’alto e scolpito nella roccia, ma un qualcosa che vale in questo preciso momento e che potrebbe cambiare, in meglio o in peggio a seconda del contesto. Condividere e spiegare quali sono le regole e i limiti è essenziale per cercare di far capire ai propri figli che il parental control non è una gabbia o una prigione, perché nel caso iniziassero a vederlo in quel modo, sarebbe quasi automatico che sviluppino un certo desiderio di evasione.

«Tanto online quanto offline, il genitore non dovrebbe “sorvegliare” ma osservare ciò che fa il figlio» scrive il pedagogista Cosimo di Bari su Uppa, una casa editrice specializzata in pubblicazioni sulla genitorialità e l’infanzia, «La differenza non è solo lessicale, visto che a cambiare è l’atteggiamento nei confronti dell’infanzia. La migliore forma di parental control è in realtà quella di accompagnare il piccolo nei momenti critici, facendogli acquisire fiducia e rendendolo responsabile mentre utilizza i dispositivi. Questo atteggiamento dovrebbe riguardare tanto i momenti in cui il figlio è a casa e utilizza gli schermi, quanto i momenti offline, cercando di notare atteggiamenti o comportamenti insoliti e provando a stabilire un dialogo». 

Insomma, anche in questo caso: ✅ (almeno per ora). 

Comunque, se non credete a me e ai dottoroni, ascoltate Bowser, che alla fine vi dice le stesse cose.

PIRATE YAKUZA

IN HAWAII

Me lo ricordo ancora come se fosse ieri il giorno in cui ho avviato per la prima volta Yakuza Kiwami sulla mia PlayStation. Erano gli anni del revival degli ‘80, quelli in cui internet cominciava a scoprire il city pop giapponese e l’estetica della Tokyo di un tempo, quelli in cui Sega decise di capitalizzare sul fenomeno (con una furbizia che non sembrava competerle da tantissimo tempo) pubblicando Yakuza 0 e attraendo giocatori di tutto il mondo verso una delle sue serie fin lì meno capaci di far breccia nel cuore del pubblico occidentale. Ci fu un momento in cui tutto attorno a me parlava di Yakuza 0 in maniera così insistente che mi sono convinto di voler provare ad approcciare la serie. Per spirito filologico ho deciso di partire dall’inizio – e questa è una cosa che impongo a chiunque mi chieda consigli su dove iniziare – e il resto è storia. L’ho capito subito che io e la creazione di Toshihiro Nagoshi eravamo fatti l’uno per l’altra, ma non immaginavo che a distanza di qualche anno da quel momento mi sarei ritrovato a parlare di quello che, tra serie principale e spin-off, è il sedicesimo videogioco a marchio Yakuza su cui ho messo le mani. Kiryu Kazuma, Goro Majima e Ichiban Kasuga hanno rappresentato un punto fermo della mia vita da videogiocatore, visto che si potrebbe dire senza problemi che sono cresciuto guardandoli invecchiare, aggrappato alle sorti del Clan Tojo quasi come se ne facessi personalmente parte.  

Forse è proprio in virtù di questa grande confidenza con la serie che di fronte al primo trailer di Like a Dragon: Pirate Yakuza in Hawaii ho immediatamente storto il naso. Io, che a Kamurocho ci ho lasciato un pezzo di cuore e che questa serie sento di conoscerla realmente come le mie tasche, ho intravisto da subito che c’era qualcosa che non andava. Dopotutto sono anni che ripeto che, per quanto Yakuza: Like a Dragon sia uno dei miei capitoli preferiti in assoluto, il primo capitolo della saga di Ichiban ha incastrato la serie in una situazione narrativa davvero scomoda. Infinite Wealth questo problema lo ha tamponato concentrandosi sul passato di Kiryu e permettendo ai fan di vecchia data di passeggiare con lui sul viale dei ricordi, anche se questo ha relegato Ichiban in secondo piano e ha indebolito notevolmente il suo arco narrativo (che era molto debole già di per sé). Nonostante abbia voluto molto bene a Infinite Wealth era chiaro che qualcosa si stesse inceppando in Ryu Ga Gotoku Studio. Pirate Yakuza in Hawaii è, almeno per me, la dimostrazione del fatto che non mi sbagliavo.

I VIDEOGIOCHI INDIE PIÙ INTERESSANTI DI MARZO 2025

Il mondo dello sviluppo videoludico indie non sa stare fermo neanche per un momento. E meno male! Con il mese di marzo, inizieremo a entrare nel vivo del 2025 e lo faremo in grande stile: è per questo che questa puntata di Radar sarà più pienotta del solito. E per la prima volta, darò spazio a un DLC. Credetemi, è per un titolo davvero speciale. Senza ulteriori indugi, vi accompagnerò tra aule di tribunale, ecosistemi naturali crudeli e navicelle spaziali, e non solo. 

Accendete il vostro radar: si parte!

IL CAPITOLO PIU' SPETTACOLARE DELLA SAGA

Sviluppare il seguito di una saga iconica che è entrata con prepotenza nell'immaginario collettivo non è mai impresa facile. Bisogna necessariamente fare i conti con diverse tipologie di utenze, aspettative, visioni completamente opposte del franchise di riferimento da parte del pubblico. Oltretutto, in un momento storico come quello che viviamo, la cultura dell'hype tende ad investire certi titoli e a caricarli di aspettative spesso irrealistiche o senza fondamenti concreti, aspetto che rende ogni sforzo dello sviluppatore quasi vano, nell'intento di inseguire una fanbase che non sa esattamente cosa aspettarsi e che è spesso destinata ad essere causa della propria delusione.

BARILI ESPLOSIVI

Preservare è diverso da rifare (male) con l'intelligenza artificiale

Il barile esplosivo della settimana

Left 4 Dead (Turtle Rock Studios, 2008)

Tre cose importanti

Il legame tra cinema e videogioco è sempre più stretto, e non si tratta solo di un’impressione. Basta vedere i risultati dell’ultimo film dedicato al personaggio di Sonic, che hanno segnato l’ennesimo successo al box office; o anche i vari annunci che continuano a susseguirsi sullo sviluppo di adattamenti e di film che, in qualche modo, si rifanno all’industria videoludica. Il punto, che è importante ribadire, è che questo legame non si ferma ai contenuti o alle storie; talvolta va oltre. Talvolta, e i documentari come La vita straordinaria di Ibelin (Netflix) ne sono la prova, coinvolge il linguaggio. E così il modo stesso di sviluppare un film si trasforma. 

Il 21 febbraio, su MUBI, arriverà Grand Theft Hamlet, che di fatto – e stiamo semplificando al massimo – è una lunga, lunghissima sessione di GTA RP (roleplay, ndr). È stato girato durante la pandemia. I protagonisti sono due attori e una filmmaker che decidono, proprio per riempire il vuoto lasciato dal lockdown, di mettere in scena una produzione dell’Amleto di Shakespeare su GTA online. E quindi organizzano provini, fanno uno spot, parlano addirittura di quelli che sono i limiti e i punti di forza del gioco. E fanno tutto senza mai uscire dalla dimensione digitale di GTA: muovono i loro personaggi, parlano attraverso microfoni e si affidano letteralmente alle ambientazioni e ai contenuti già presenti. Se in un primo momento sembra tutto paradossale, perché è impossibile persino riuscire a finire un discorso senza essere convolti in una sparatoria o inseguiti dalla polizia, alla fine Grand Theft Hamlet si trasforma in una riflessione incredibile sul senso stesso di condivisione e di arte.

La tecnologia ha dato tantissime possibilità alle persone ed è diventata a sua volta un tema da prendere seriamente in considerazione. Perché non è solo un mezzo. Spesso ha il potere di influenzare il lavoro degli artisti che decidono di utilizzarla e il modo in cui, poi, gli spettatori finiscono per fruire di un determinato contenuto. E nonostante l’ampio ventaglio di scelte che la tecnica può offrire, le idee giocano un ruolo sempre più centrale. In Grand Theft Hamlet è particolarmente evidente. Sulla carta, non è niente di così rivoluzionario. Di fatto, si tratta dell’ennesima replica di uno dei grandi classici del teatro. Ma il fatto che sia ambientato interamente su GTA cambia tanto il punto di vista di chi racconta quanto quello di chi, poi, guarda.

Abbiamo finito i nostri primi giochi

Con un imprevisto allineamento di corpi celesti, qualche giorno fa sia Emma che Elia hanno finito nella stessa sessione i loro giochi (I Puffi - Missione Vilfoglia e Super Mario Odyssey). È stato un momento significativo per tutti, ma con ordini di grandezza diversi: io ero spezzato dall’emozione e dall’orgoglio, loro contenti ma insomma, circolare che non c’è niente da vedere.

Incontro con John Austin di Pontoco

The Last Clockwinder è uno fra i giochi in VR più interessanti e riusciti degli ultimi anni, un'avventura in prima persona dalla forte componente puzzle che si ispira nelle sue meccaniche alle produzioni di Zachtronics. Nel gioco, bisogna costruire dei meccanismi improvvisati per mettere in funzione grossi macchinari e lo si fa utilizzando cloni robotici della protagonista, che si creano registrando le proprie azioni. Movimenti della testa e delle braccia, spostamento del corpo nello spazio, manipolazione di oggetti… tutto quello che il giocatore fa durante la fase di registrazione viene memorizzato e riprodotto dal clone robotico in un loop di alcuni secondi. Possiamo quindi creare svariate copie di noi stessi che collaborano in sequenza per portare a compimento azioni di vario tipo. È una struttura particolarmente azzeccata anche perché quasi completamente irriproducibile con un sistema di controllo tradizionale, ma soprattutto perché garantisce una versatilità di approccio spaventosa, dato che il giocatore può letteralmente modulare i minimi dettagli di movimento dei cloni tramite il suo corpo. Il motore di gioco registra infatti direttamente gli input che il giocatore dà tramite i controller e il visore, utilizzandoli per riprodurre perfettamente le sue azioni. Insomma, è il genere di cose che mi piace vedere in VR, perché davvero ne sfruttano le potenzialità ben oltre un semplice discorso di immersione nel mondo di gioco. 

The Last Clockwinder è stato sviluppato dallo studio Pontoco, fondato nel 2015 da John Austin, con cui ho avuto modo di scambiare una lunga chiacchierata. Austin nasce come videogiocatore e inizia a sviluppare la sua sensibilità di designer drogandosi di Pokémon e Golden Sun su Game Boy, ma anche di Chu Chu Rocket su Dreamcast. I germi della sua carriera vengono però piantati da Valve quando rende disponibile l’editor per la creazione di livelli Hammer. Austin, grande consumatore di mod, inizia a cimentarsi con la creazione all’interno di Team Fortress 2: “Ho iniziato quando avevo undici anni e immediatamente incappai in un problema: non finivo mai nulla. Ho poi iniziato a sviluppare un sacco di giochi in Flash che non ho mai finito, ma è stato comunque un periodo in cui ho imparato a fare cose. Ho per esempio imparato a usare il mio primo linguaggio di programmazione, ActionFlash. Però sì, creavo tonnellate di prototipi ma non avevo mai la determinazione, o forse anche il tempo, per mettermi lì a completarli e buttarli fuori.”

NELLA

STORIA

Pezzi di Medioevo in Kingdom Come Deliverance 2

Vagheggiato, sognato, talvolta mitizzato. Nella recensione di Kingdom Come Deliverance 2 ho raccontato varie visioni del Medioevo, un periodo storico che ha iniziato a essere discusso, politicizzato, dissezionato e, spesso, travisato già a pochi anni di distanza dalla sua conclusione. Che poi, diciamocelo: nella Storia non esistono cesure nette, e il raggruppamento di secoli e millenni in periodi storici è una mera convenzione. Che ha delle basi empiriche, certo, che rintraccia delle tendenze, delle omogeneità; ma il materiale ribollente della Storia umana e non umana è troppo vivo per essere inscatolato con successo in dei pacchi regalo colorati dotati di una comoda etichetta.

OF THE

NECRODANCER

Chimèra s. f. [dal lat. chimaera, gr. χίμαιρα, propr. «capra»]. [...] In biologia generale, individuo le cui cellule derivano da due diverse uova fecondate unite accidentalmente o sperimentalmente. Spesso i gemelli dizigotici nei mammiferi mostrano di essere chimere per i gruppi sanguigni (scambio di cellule staminali durante la vita fetale). In botanica, l’individuo che risulta costituito da caratteri specifici diversi, derivanti dalla saldatura delle due parti concrescenti nell’innesto. 

Definizione di “chimera” da Enciclopedia Treccani

METAL EDEN

Presentato durante uno dei peggiori State of Play di cui abbia memoria, Metal Eden ha avuto la grande sfortuna (ma non è colpa sua) di essere posizionato nella timeline dell’evento in quello che ci si aspettava fosse il posto riservato a Marathon. Il titolo di Reikon e quello di Bungie condividono, almeno superficialmente, un’estetica in qualche modo simile, e questo non ha giocato a favore di Metal Eden, che – poveraccio – mi è da subito sembrato derivativo. Ripeto che non è colpa di Reikon se Sony gli ha giocato questo mezzo tiro mancino (che poi si fa per dire, visto che gli ha garantito una visibilità più che notevole). Si tratta dopotutto del titolo che potrebbe valere la consacrazione per lo studio di Varsavia, che nel 2017 si presentò al pubblico con Ruiner, recepito abbastanza bene e successivamente diventato un piccolo cult moderno.  

Sono passati otto anni da Ruiner. Tanti, tantissimi per un team con un solo titolo all’attivo, eppure Metal Eden è chiaramente un videogioco estremamente più ambizioso del suo predecessore, e questo lo si è percepito sin da subito grazie alla scala suggerita del suo affascinante mondo distopico. Si tratta, dopotutto, di un FPS ultra-futuristico ambientato da qualche parte nell’universo, in una città chiamata Mobius e in un momento storico successivo alla scoperta da parte dell’umanità della possibilità di salvare la coscienza degli individui in specifici supporti e di poterla quindi replicare virtualmente all’infinito una volta inserita all’interno di corpi sintetici, quindi pur non discostandosi troppo da certe suggestioni estetiche di Ruiner è chiaro che Reikon stia puntando in alto.

BARILI ESPLOSIVI

Sony mostra cose in un periodo un po' così

Il barile esplosivo di questa settimana viene da La Terra di Mezzo: L'ombra della guerra (Monolith, 2017).
Collabora anche tu al censimento globale dei barili rossi che esplodono partecipando all’Osservatorio dei barili esplosivi sul canale Discord.

Il lutto è un’emozione complessa da processare, soprattutto quando non si è minimamente pronti ad affrontarla. La vita sa essere beffarda, pronta a pugnalarti alle spalle quando meno te lo aspetti per ricordarti che hey, alla fine siamo tutti mortali e abbiamo una data di scadenza da cui non si può sfuggire, quindi tocca in qualche modo tenersi pronti per quando toccherà a noi. Di videogiochi che raccontano il lutto ne esistono moltissimi, soprattutto da quando il medium ha iniziato un lento ma costante processo di maturazione che l’ha portato ad affrontare temi e argomenti sempre più complessi nel corso della sua storia più recente; penso principalmente a Gris, Spiritfarer e What Remains of Edith Finch, che hanno saputo raccontare ognuno in maniere differenti il processo di confronto e accettazione della perdita di una persona cara.  

Afterlove EP di Pikselnesia si inserisce all’interno dello stesso filone, ma la sua storia produttiva lo rende in qualche modo unico: Mohammad Fahmi, fondatore dello studio, creatore dei due Coffee Talk di Toge Production e ideatore dello stesso Afterlove EP è venuto a mancare proprio durante lo sviluppo del gioco. Chiamatelo fato, chiamatelo Dio o chiamatelo come vi pare, ma quell’entità a cui ci rivolgiamo in questi momenti è un infame. I membri di Pikselnesia hanno raccontato più volte di quanto sia stato difficile per loro superare il trauma della morte di Fahmi e di quanto sofferta sia stata la decisione di non abbandonare il progetto e portarlo a termine in una situazione del genere. Non faccio assolutamente fatica a crederci. 

PlayStation mette assieme trenta giochi in quaranta minuti. Luci e ombre di quella che sembra una sfiancante gara di resistenza pronta a mietere vittime.

Lo State of Play trasmesso da Sony nella tarda serata del 12 febbraio è stato innanzitutto onesto, poi anche informativo e per alcuni tratti addirittura sorprendente. Sarebbe peraltro ingiusto assegnargli, quale unico merito, quello di aver dato a qualcuno un’alternativa allo scoppiettante sciroppone gusto mentuccia in onda su Rai Uno. Anche solo perché di merito ne ha almeno un altro, accecante come un sole che muore: aver donato a un mondo cieco una nuova ipotesi per convertirsi alla parola di Housemarque, scostando per un attimo il velo su Saros, il progetto con cui i finlandesi festeggeranno i loro trent’anni di attività. Hanno detto che l’esperienza di gioco di Saros, uno sparatutto single player, ripartirà da quella accumulata in Returnal. E quindi è chiaro che se non sarà il miglior gioco per PlayStation 5, sarà almeno il secondo nella classifica assoluta.

Sul PEGI come punto di partenza

Quando da bambini ricevevamo un videogioco, poteva essere qualsiasi cosa: poteva essere molto bello o molto brutto, poteva essere quello di cui si vedeva la pubblicità in televisione oppure un ameno prodotto consigliato (o rifilato) dal commesso di turno. Ma soprattutto, poteva essere molto o molto poco adatto a noi. 

I nostri genitori i videogiochi (il più delle volte, poi certo che ci sono stati quelli impallinati già negli anni Ottanta) non li conoscevano e spesso non li capivano, quindi non avevano la percezione dell’impatto che potessero avere su chi poi effettivamente ci giocava. Oltretutto, ai tempi, la violenza era quasi astratta tanto la tecnologia era arretrata rispetto ad ora, ed è stato solo con il passare degli anni che ci si è un po’ accorti che forse non è che proprio tutto andasse bene per tutti. 

Da un po’ di tempo in Europa esiste un sistema di classificazione dei videogiochi che si chiama PEGI (che sta per Pan European Game Information), che è andato a sostituire le diverse regolamentazioni nazionali in favore di qualcosa di condiviso a livello europeo, e di facile lettura.

Il Giappone delle leggende metropolitane

“Le persone curiose sono dotate di buona immaginazione, e invece di spaventarsi hanno cercato nei secoli di dare spiegazioni agli eventi misteriosi”
Shigeru Mizuki

- ANTEPRIMA -

Io a South of Midnight ho voluto bene sin dal principio. Sarà il fascino estremo che l’ambientazione del bayou esercita su di me, sarà per l’idea di voler rischiare di spingersi addirittura a realizzare un videogioco action in stop-motion a passo 2, ma a me l’idea che gli stessi sviluppatori del non irresistibile We Happy Few volessero sporgersi un po’ oltre la soglia dei loro limiti ha conquistato nonappena ho visto il trailer di presentazione. Ho seguito con genuina curiosità la comunicazione di Microsoft e Compulsion Games ogni volta che ce ne è stata occasione e ho accettato di buon grado l’idea che potesse essere un progetto più contenuto di quello che potesse sembrare sulle prime.

Ho anche seguito con sincera curiosità le discussioni del pubblico sul gameplay trailer e sul fatto che ad alcuni l’idea di ibridare elementi in stop motion e su ambienti renderizzati a sessanta frame per secondo non piaceva affatto perché reputata fastidiosa da vedere. E nonostante fossi dalla parte chi invece apprezzava lo stile strampalato di South of Midnight ho simpatizzato con tutti quelli che ne erano in qualche modo respinti (ma mai con chi ha imbastito i soliti piagnistei imbarazzanti su politiche DEI e il solito spauracchio sul nemico dell’occidente Sweet Baby Inc.). Le opere d’ingegno sono così, e hanno tutto il diritto di rivendicare una propria identità anche a costo di allontanare una parte del loro pubblico potenziale in virtù della loro unicità. Ho rispettato il coraggio di Compulsion in questo senso, almeno finchè ho mantenuto una certa distanza dall’opera.

Poi South of Midnight l’ho provato (con ben due mesi d’anticipo, Kudos a Microsoft per questo) e sono rimasto… interdetto. La demo messa a disposizione della stampa è incentrata interamente sul terzo capitolo del gioco; una scelta azzeccata che permette di iniziare con parte dello skill tree già sbloccata e senza dilungarsi in troppi spiegoni o tutorial introduttivi. Un’oretta di contenuto in cui provare con mano traversal e combat system e prendere contatto con la narrativa e gli ambienti di gioco che fa molto bene quello che si prefigge di voler fare - ovvero dare un’idea generale della struttura e della direzione del gioco. A non essermi piaciuto particolarmente è ciò che ho trovato all'interno di questa preview.

Tavoli pieni di computer, appunti, bozzetti, microfoni e mouse, ma anche di energy drink, sacchetti di patatine e caramelle. Ogni tanto qualcuno entra con delle pizze o delle piadine. Tutti parlano di bolle. C’è chi ti spiega la differenza tra l’echidna e il porcospino. Non molto lontano, una persona sfoglia un dizionario sul dialetto molisano. A tarda sera ti chiedono di improvvisare un pezzo rap, precisando che “più è brutto, più ci torna utile”. Poco prima, hai provato a mimare dei termini dialettali mai sentiti. E tra sabato e domenica ho pure fatto after. 

Sono alcuni frammenti sparsi della mia recente esperienza come volontario alla Global Game Jam 2025 (dal 24 al 26 gennaio), sede di Milano. Sono qui per raccontarvi questo bel momento. E per consigliarvi di tenere d’occhio le future Game Jam. 

Ma facciamo un passo indietro, perché negli anni mi sono reso conto che non tutti sanno cosa sia la Global Game Jam, anche all’interno del mondo videoludico. Si tratta di un evento in cui bisogna sviluppare un videogioco in 48 ore, seguendo un tema che viene assegnato all’inizio. In realtà è possibile anche realizzare anche altri prodotti ludici, ma quasi tutti scelgono il videogioco. Quest’anno il tema era “Bubble”. Le bolle. Che può essere potenzialmente declinato in tantissimi modi: bolle di sapone, bolle social, bibite gassate o alcolici con le “bollicine”, i dialetti come “bolle” linguistiche e molto altro. Si può fare un po’ quel che si vuole, basta che nel mezzo ci siano le bolle. Come potete intuire, in 48 ore è difficile che venga prodotto il nuovo Grand Theft Auto o Half-Life 3. Ciò che emerge sono dei piccoli prototipi giocabili, ma alcuni di questi contengono delle idee molto interessanti.

Il tempo dell’attesa

Nelle mie letture erratiche, qualche mese fa sono inciampata in L’arte dell’attesa, della giornalista tedesca Andrea Köhler, pubblicato in Italia da add editore nel 2022. Da persona che attende una serie di eventi importanti, che richiedono tanto, ma tanto tempo per succedere – con un considerevole margine d’incertezza, che poi è proprio di un po’ tutte le cose della vita – mi sono lasciata stregare da una lettura tutto sommato breve per i miei standard di accanita lettrice, ma molto densa dal punto di vista dei contenuti.  

Oltretutto, devo confessare di essere una persona che fa una grande fatica ad aspettare. O meglio: faccio una grande fatica ad aspettare tenendo le mani in mano. Non c’è angolo delle mie giornate che resti vuoto. Nella mia capillare manutenzione delle ventiquattr’ore che abbiamo a disposizione, presto un’attenzione maniacale al gesto del riempire il tempo. Quando un giorno non ci sarò più, credo che rimpiangerò amaramente i libri che non ho letto, i videogiochi che non ho giocato, i film che non ho visto, le volte in cui non sono andata a ballare con gli amici. Cerco di fare in modo che questi rimpianti futuri possano essere ridotti il più possibile. Eppure, a volte non resta che aspettare: il prossimo autunno con i suoi bei funghi non arriverà prima, qualsiasi cosa io faccia. “L’isola di riposo più misteriosa della nostra vita è senza dubbio il sonno, che per tutta la notte ci consente di esercitarci in quell’attesa dalla quale, prima o poi, non ci sveglieremo più”, scrive Köhler. Centoventisei pagine così. Intensissime.

Per questi motivi, l’idea di “un’avventura trasformativa che esplora l’arte dell’attesa” – così è descritta dai suoi sviluppatori sulla pagina Steam del gioco – mi intrigava non poco. E così, dopo il trailer di annuncio più o meno un annetto fa, mi sono messa ad aspettare. Ora all’attesa si sono sostituite le riflessioni: poco fa ho concluso While Waiting, dopo circa quattro ore di gioco. È un videogioco che fa quel che promette, va detto. Si aspetta in diverse situazioni (cento, per la precisione) nell’arco di un’esistenza umana, quella di un tizio imbronciato quanto e più di Donald Trump, e per giunta con la stessa ridicola pettinatura a leccata di vacca. Sì, diciamo che tra me e lui non c’è stata simpatia istantanea, per usare un eufemismo.

BARILI ESPLOSIVI

The Sims è come la vita: buffa, spaventosa e a volte divertente

Il barile esplosivo di questa settimana viene da Warframe (Digital Extremes, 2013).
Collabora anche tu al censimento globale dei barili rossi che esplodono partecipando all’Osservatorio dei barili esplosivi sul canale Discord.

L'INSOSTENIBILE PESO DELLE AMBIZIONI

Quella che sto per raccontarvi è una storia di ambizione, di aspirazioni incredibili che termina con un fallimento purtroppo fragoroso, ma è anche il racconto del sogno di alcuni tra i creativi più sottovalutati della storia del videogioco. Perché sì, le opere d’arte o d’ingegno possono essere ambiziose, possono aspirare a distruggere un concetto o delle convenzioni universalmente accettate per cambiare per sempre il modo in cui il pubblico si relaziona al medium a cui fanno riferimento. Di esempi di successo ne esistono tantissimi, da Metal Gear Solid che trasforma per sempre il modo in cui ci rapportiamo alla narrativa della guerra nei videogiochi a Portal che ha cambiato per sempre il volto dei puzzle game, passando per quello che Shenmue e GTA hanno fatto al modo in cui concepiamo l’open world e addirittura a quello che un trailer interattivo come P.T. ha significato per l’horror moderno. Se siete qui sulle pagine virtuali di Criptidi, però, sapete che la storia di questo medium è lastricata di fallimenti fragorosi, e quella di oggi è una puntata dedicata ad uno di quei fallimenti. Forse il più illustre di sempre, se chiedete a me.

Oggi sono qui per raccontarvi Xenogears.

Un early access in salita

Un ragazzo avvolto in un lungo mantello rosso tossisce sangue. In sottofondo, il suono spettrale dei sintetizzatori, come a imitare il gemito oltreumano di un theremin. Tre titani dagli occhi rosa si stagliano contro il cielo, e dopo qualche secondo marciscono sotto la luce di un lampo che attraversa le nubi. Sono tre impressioni, tre ricordi dell’indimenticabile cinematica iniziale di Hyper Light Drifter, opera prima di Heart Machine che nel 2016 si catapultò come un meteorite nella scena dello sviluppo indipendente, consacrando Alex Preston e il suo team con un debutto semplicemente clamoroso. 

Clamoroso per visione e per stile, per la sua capacità di tirare dentro il giocatore in un mondo morente come il protagonista, in grado di scattare negli scenari bidimensionali con la grazia della rondine e di barcamenarsi con ferocia in un sistema di combattimento che strizzava l’occhio all’hack-and-slash, alternando con successo armi bianche e pistole che sparavano inconfondibili laser rosa. Non solo: anche l’esplorazione era gustosissima. Guardando ai primi capitoli di The Legend of Zelda, Preston e soci sono riusciti a ricostruire la magia che provavamo da bambini, quando non sapevamo cosa nascondeva la schermata successiva: uno scrigno? Una torma di nemici? O, finalmente, la nostra adorata principessa? In Hyper Light Drifter, poteva trattarsi di caverne, di segreti utili a comprendere meglio il misterioso universo di gioco, o magari di un gigantesco cuore pulsante, simbolo della malattia cardiaca congenita che affligge Alex Preston fin da quando era bambino.

C’è un oppressivo senso di malinconia e di morte incombente, in Hyper Light Drifter, senza che questo schiacci mai il giocatore ostinato e deciso a combattere. Sei anni dopo, la stessa ostinazione avrebbe contraddistinto Rei, staffetta del Vuoto protagonista del videogioco che ha segnato il passaggio dello studio alle tre dimensioni: Solar Ash. In un mondo vibrante dagli orizzonti sterminati, riempito fino a traboccare da colori fluo, Heart Machine aveva dato piena prova di saper governare la tridimensionalità (con le sue inevitabili complessità), sacrificando, però, un po’ della ruvida magia di Hyper Light Drifter. In effetti, il pubblico non aveva apprezzato questo passaggio, e le vendite furono ben meno lusinghiere rispetto a quelle dell’opera prima della squadra di Preston. Resto convinta che Solar Ash sia un prodotto ingiustamente sottovalutato: colgo questa occasione per consigliarlo senza riserve a chi ama muoversi in distese suggestive e immense, inseguendo nemici immensi che strizzano l’occhio a Shadow of the Colossus, con una scrittura eccezionale nel costruire un mondo convincente e vivo, sci-fi in sensi spesso diversi da quelli tradizionali, ormai spesso massicciamente virati verso il cyberpunk.

Il primo Falò del Confronto

Quest’immagine, così come il logo di Crossgen, l’ha fatta Alessandro Barci. Che fa tante cose, tra cui un podcast.

C:\> Febbraio è sempre stato un mese prolifico per il mondo dei videogiochi, offrendo ai giocatori titoli memorabili che hanno segnato la storia dell'intrattenimento elettronico.
C:\> Un viaggio attraverso i giochi pubblicati in questo mese ci porta a riscoprire alcuni capolavori indimenticabili.

AUDENTES FORTUNA IUVAT

“Il Medioevo inventa tutte le cose con cui ancora stiamo facendo i conti, le banche e la cambiale, l'organizzazione del latifondo, la struttura dell'amministrazione e della politica comunale, le lotte di classe e il pauperismo, la diatriba tra Stato e Chiesa, l'università, il terrorismo mistico, il processo indiziario, l'ospedale e il vescovado, persino l'organizzazione turistica, e sostituite le Maldive a Gerusalemme o a San Jago de Compostela e avete tutto, compresa la guida Michelin. [...] Ma se si torna al Medioevo solo rabberciando, mai ricostruendolo nella sua interezza e autenticità (quale?), allora forse ogni sogno del Medioevo (dal 1492 ad oggi) non rappresenta il sogno del Medioevo ma il sogno di ‘un’ Medioevo. Se ogni sogno del Medioevo è il sogno di un Medioevo, di quale sogno e di quale Medioevo parliamo?”

BARILI ESPLOSIVI

Se fai i saluti nazisti, la gente ti tratta da nazista

Il barile esplosivo di questa settimana viene da Yakuza: Like a Dragon (Ryu Ga Gotoku Studio, 2020). Collabora anche tu al censimento globale dei barili rossi che esplodono partecipando all’Osservatorio dei barili esplosivi sul canale Discord.

Un seguito nelle rovine del capitalismo

“Che cosa fate quando il vostro mondo comincia a crollate? Io vado a fare una passeggiata e, se ho davvero fortuna, trovo dei funghi”. È questo l’incipit de Il fungo alla fine del mondo. La possibilità di vivere nelle rovine del capitalismo, dell’antropologa Anna Lowenhaupt Tsing (edito in Italia da Keller nel 2021). Uscito ormai dieci anni fa per i tipi di Princeton University Press, Il fungo alla fine del mondo è già un classico tra gli appassionati di ecologia, etnografia e antropologia. E di funghi, naturalmente. Perché il volume di Tsing è un viaggio avvincente nei mondi inaspettati creati da uno dei funghi più ricercati e inafferrabili al mondo: parlo di Tricholoma matsutake, specie che prospera in foreste perturbate dall’uomo. Sì, perché i matsutake crescono al meglio sotto i pini contorti (Pinus contorta) maturi, particolarmente frequenti in foreste che hanno subito robuste perturbazioni antropiche in passato, come incendi e importanti interventi di taglio della legna di altre specie di alberi. I matsutake sono rari, e hanno un profumo potente, caratteristico: secondo un’amica che ho incontrato in Giappone nella caldissima estate del 2023 e che si reca in missione in numerosi Paesi sperduti del mondo per conto della Croce Rossa Internazionale, “Hanno il profumo di casa”. Per questo, quando parte porta sempre con lei un brodo fatto con matsutake in polvere. “Oh, matsutake: / L’emozione prima di trovarli”, scriveva il poeta giapponese Yamaguchi Sodō a cavallo tra XVII e XVIII secolo.

Perché parlo di matsutake nella recensione di Citizen Sleeper 2? È presto detto: il libro dedicato da Anna Lowenhaupt Tsing a questo fungo è stato annoverato da Gareth Damian Martin tra le principali fonti d’ispirazione che hanno portato alla nascita del primo Citizen Sleeper. E, come ben ricorderà chi lo ha giocato, i funghi – matsutake compresi – sono presenti nel gioco, e sono protagonisti di quello che, a mio avviso, è il finale più magico dell’epopea spaziale di Martin. Che ora torna con un seguito, sempre ambientato nelle rovine del capitalismo interplanetario, sempre guidato dalla grande lezione dei matsutake, capaci di prosperare in boschi disastrati e di creare un intreccio inestricabile di uomini e funghi. Hobbisti, micologi, professionisti della raccolta, acquirenti che desiderano regalare il prezioso matsutake a una persona cara: tutti sono inestricabilmente legati dal micelio di Tricholoma matsutake. “Non è facile sapere come guadagnarsi da vivere, ancor meno come evitare una distruzione planetaria”, scrive Tsing. “Fortunatamente abbiamo ancora compagnia, umana e non umana. Possiamo esplorare le estremità incolte dei nostri paesaggi deflagrati – i margini della disciplina capitalista, della scalabilità e delle piantagioni di risorse in stato di abbandono. Possiamo ancora cogliere l’aroma di terreni comuni latenti – e l’inafferrabile aroma dell’autunno”.

TOKYO XTREME RACER

Un ritorno inaspettato

Se leggete FinalRound da qualche tempo dovreste aver capito che a me i videogiochi in accesso anticipato non piacciono. È più forte di me, ma l’idea di approcciare un’opera parziale per poi doverla abbandonare per mesi o anni in attesa della release ufficiale della sua versione 1.0 mi sfianca mentalmente anche solo pensandoci. Preferisco aspettare per godermi la versione definitiva tutta assieme senza costringermi a porzionare la mia esperienza, motivo per cui non ho ancora nemmeno sfiorato titoli che attendo febbrilmente come No Rest for the Wicked e Hades 2. Per Tokyo Xtreme Racer ho voluto fare uno strappo alla (mia) regola, un po’ perché per me il fatto che a diciannove anni da Import Tuner Challenge sia uscito un nuovo capitolo della serie rappresenta un vero e proprio miracolo videoludico, un po’ perché la sua natura da arcade racer rende l’idea di abbandonarlo in attesa della sua forma finale molto più semplice da tollerare. 

Quindi sì, dopo non so neanche più quanto tempo sono finalmente tornato a calcare le autostrade di Tokyo a bordo di alcune tra le mie automobili preferite di sempre e devo essere brutalmente onesto con voi: non mi sarei mai aspettato che sarebbe stata un’esperienza così positiva.

Parliamoci chiaro: Genki è sempre stato un team microscopico all’interno del mare magnum dell’industria videoludica, fortemente ancorato ad una filosofia di sviluppo molto lontana dai budget gargantueschi che hanno caratterizzato tanti racing game nell’epoca d’oro del genere. Dopo essere scomparso dalle scene per quindici anni (l’ultimo titolo pubblicato era Spectrobes: Origins su Wii nel 2009) non era per nulla scontato che il team avrebbe fatto bene, soprattutto se si pensa al fatto che quella dell’early access è una formula che non aveva mai utilizzato prima. eppure, con mia grande sorpresa, Tokyo Xtreme Racer mi è piaciuto tantissimo.

LE REGOLE CHE CI SIAMO DATI

Una cosa che ci ha aiutato molto, soprattutto con Figlia No. 1 (Emma, quella grande), è stata l’esserci dati una struttura, flessibile quando serve, ma che comunque potesse aiutare lei e noi a “incasellare” un po’ meglio la nostra vita. Nulla di militaresco o eccessivamente draconiano, solo linee guida semplici legate ad orari o abitudini che potessero guidarli (e guidarci) tra le più disparate attività. 

Banalità eh? Tipo che non si prende un gioco nuovo se non si sistema quelli in giro, o che se ci sono ospiti e amici la TV è off limits, o ancora che se vogliono portare qualcosa in giro, lo devono preparare e averne cura loro, accettando che possa rovinarsi o perdersi. Banalità, dicevo, che però ci hanno aiutato ad avere uno schema comportamentale utile per certi contesti e che soprattutto iniziasse a creare un nesso tra quello che si vuole e quello che si deve fare per ottenerlo. Se per caso siete genitori, niente di tutto questo vi è nuovo. 

Per questo motivo, quando abbiamo visto in loro il desiderio di far diventare i videogiochi un’attività più costante, abbiamo pensato a come introdurli in modo che non si passasse da zero a cento nel giro di poche ore. L’idea è che il videogioco diventi qualcosa che loro sanno di poter sì fare sempre, ma all’interno dei limiti che ci siamo dati. Prima però di parlare di questi limiti forse ha senso porsi un’altra domanda: ma va bene farli giocare? Io ovviamente la mia risposta ce l’ho già (e non è “alla loro età già mi facevo i chiusoni col Game Boy, cosa vuoi che sia”), ma ho cercato un’opinione un po’ più informate e autorevole della mia, che è a fatica informata figuriamoci autorevole. Elena Del Fante, che fa la psicologa e che si occupa proprio dell'uso dei videogiochi come strumento educativo, terapeutico e di potenziamento cognitivo, deve aver intercettato un filo di ansia in me, e mi ha intanto rassicurato sul fatto che intanto sia abbastanza normale volerci andare con i piedi di piombo (diciamo che la sua formulazione era più complessa, questa è una mia interpretazione), ma soprattutto che alla fine i videogiochi non sono niente più che «strumenti, e il loro impatto dipende interamente da come vengono utilizzati». Il consiglio della Dottoressa Del Fante è intanto quello di introdurli in maniera graduale rispettando i limiti della bambina o del bambino (✅), non superare le due ore al giorno intervallando delle pause (✅), e trovare dei momenti ricorrenti da dedicare al gioco, evitando le ore serali (✅ ma con un po’ meno di convinzione, perché la partitina dopo cena ogni tanto ce la facciamo).

ORIGINS

Non tutti sanno che Dynasty Warriors, prima di fondare il genere musou con l'apprezzato secondo capitolo, nasce come il più tradizionale dei picchiaduro incontri. Non si trattava di un titolo particolarmente ispirato o innovativo ed è stato sviluppato nell'epoca della 3D mania inaugurata da Tekken e Virtua Fighter, ma è interessante considerare i punti di contatto tra i due generi. Se vogliamo, il musou non è altro che la naturale evoluzione dei beat 'em up a scorrimento. Si tratta di titoli che solitamente utilizzano un combat system semplificato e vengono visti come passatempo scaccia-pensieri ed in grado di fornire un'enorme sensazione di potenza, data dalla possibilità di falciare infinite orde di nemici ed essere gli eroi del campo di battaglia. 

Con gli anni, la serie Dynasty Warriors è riuscita a ritagliarsi uno spazio importante all'interno dell'immaginario collettivo e contemporaneamente ad espandersi diventando uno dei generi prediletti per gli spin-off di anime conosciuti ed apprezzati come One Piece, Berserk e Hokuto No Ken.

Tuttavia, nonostante questo abbia portato alla serie Koei Tecmo un notevole successo economico, ha anche posto sul genere musou un pesante stigma che gli sviluppatori faticano a rimuovere: quello di essere un genere semplice, poco profondo e senza alcuna raffinatezza tecnica.

Dopo una timida ripresa con Dynasty Warriors 8 ed una pessima svolta open world del nono capitolo, Koei Tecmo prova a dare dignità e spessore ad una saga che stagna ormai da troppo tempo e necessita assolutamente di nuova linfa vitale. Origins vuole quindi essere un nuovo punto di partenza, che immerge il collaudato combat system della saga in un contesto più ampio, con più spunti narrativi e un maggiore approfondimento psicologico dei vari condottieri che popolano le turbolente lande della Cina dei Tre Regni.

BARILI ESPLOSIVI

Un evento di Microsoft con giochi molto belli

Il barile esplosivo di questa settimana viene da F.E.A.R. First Encounter Assault Recon (Monolith Software, 2005). Collabora anche tu al censimento globale dei barili rossi che esplodono partecipando all’Osservatorio dei barili esplosivi sul canale Discord.

I VIDEOGIOCHI INDIE PIÙ INTERESSANTI DI FEBBRAIO 2025

Febbraio sarà un mese pieno di uscite: da Kingdom Come Deliverance 2, passando per Civilization VII, fino ad arrivare a Monster Hunter Wilds (salvo rinvii dell’ultimo secondo, naturalmente!) non mancheranno videogiochi capaci di canalizzare centinaia di ore del prezioso tempo degli appassionati di tutto il mondo. Ma non per questo dovremmo smettere di guardare all’attualità indie, perché ci sarà un gran daffare anche in questo settore del mercato. E allora, senza ulteriori indugi, andiamo alla scoperta di quattro interessanti uscite “piccine” previste nei prossimi trenta giorni. Vi ricordo che da gennaio Radar viene registrata anche in formato video: vi lascio i link alla scorsa puntata, disponibile sia su Spotify, sia su YouTube. 

Accendete il vostro radar: si parte!

Giocare nella crisi climatica

GOLF GOLF

Nel 2024, l’Europa decide di statalizzare una serie di grandi industrie per tentare di contrastare la crisi climatica con la geoingegneria. Nel 2046, nonostante gli sforzi, a causa dello scioglimento dei ghiacciai si forma un nuovo oceano, chiamato Greater Baltic Ocean. Nel 2063, sul pianeta Terra viene rintracciata una anomalia spazio-temporale, e una stazione spaziale viene posizionata a orbitare sul punto esatto per studiarla. 

Niente male come premesse per un videogioco che si chiama Mini Mini Golf Golf, no? 

L’incrocio di spade tra crisi climatica e golf non è nuovo. Era già stato messo in campo da Demagog Studio nel 2018 con Golf Club: Nostalgia (inizialmente pubblicato con il nome di Golf Club: Wasteland), giusto per fare un nome piuttosto noto. La Terra era stata trasformata in un enorme campo da golf per i ricchi terrestri trasferitisi su Marte a causa delle condizioni climatiche del pianeta, ormai incompatibili con la vita. E se come simulatore di golf Golf Club: Nostalgia lasciava molto a desiderare – ma una simulazione accurata non era il suo obiettivo – resta difficile ancora oggi pensare a un incontro più grottesco e azzeccato: quello tra una mazza da golf, una pallina bianca e lo sporco cemento dei palazzi in rovina che si stagliano contro il cielo plumbeo del pianeta abbandonato.

CRESCERE CON I VIDEOGIOCHI

Il 22 settembre del 2017 sono diventato genitore per la prima volta, ma mi sono sentito davvero sentito un papà solo qualche mese dopo, quando abbiamo iniziato a giocare. Sia chiaro, l’amore per lei è stato totale sin da prima che nascesse, ma nei primi mesi di vita, almeno nel nostro caso, essere suo padre era più un supporto logistico e tecnico che altro. Quando però ha iniziato a interagire, e a giocare, beh, le cose sono cambiate. Sono passato dal sentirmi “il signore vicino alla mamma” all’essere davvero suo padre, all’essere in grado, insomma, di costruire una connessione e un rapporto che fosse solo nostro. 

Questo rapporto si è sviluppato soprattutto con il gioco, e non è stato facile. 

A me da bambino non è mancato nulla, ma non ho mai davvero “giocato” con i miei genitori (o almeno non me lo ricordo, vai a sapere), per cui, proprio a livello pratico, non sapevo come si facesse (e pure ora che ho acquisito una certa pratica, a volte fatico). Il gioco, esattamente come è successo con suo fratello qualche anno più tardi, è stato una specie di catalizzatore del nostro rapporto. 

Avanti veloce allo scorso Natale: sotto all’albero, Emma e Elia, cioè i miei figli, hanno trovato la loro prima console. 

Questo progetto nasce proprio per raccontare come nasce (e se nasce) un giovane videogiocatore e come si trasforma e cambia (se cambia) la vita di un bambino che inizia a videogiocare così come quella del genitore che li guida. Siamo la prima generazione di genitori che conoscono i videogiochi, che sanno cosa sono, quali sono i loro pregi e i loro difetti, e che possono aiutare i propri figli fornendogli degli strumenti adatti a vivere questo tipo di esperienze nel modo migliore possibile. 

Io sono Alessandro Zampini, racconto di videogiochi da ormai un po’ di tempo, e questa è Cross Gen.

«Io vi dico: bisogna aver ancora un caos in sè per poter generare una stella danzante. Io vi dico: voi avete ancora del caos in voi».

Sono le parole di Friedrich Nietzsche nella Prefazione del suo Così parlò Zarathustra (nella traduzione italiana di Renato Giani). Questo caos creativo, legato alla capacità di trascendere i propri limiti, è qualcosa che ritroviamo talvolta negli oscuri recessi di internet. In un modo – certo – diverso da quel che Nietzsche si sarebbe aspettato. Ma rimane un’immagine molto efficace per introdurre i tre videogiochi di cui andremo a parlare. Infatti è proprio nel caotico anonimato di una piattaforma dove (quasi) tutto è permesso che sono potute nascere tre “stelle danzanti”. Stiamo parlando di videogiochi che sono nati su 4chan, che per molti è effettivamente l’emblema delle forze del caos che strisciano sotto la (più o meno) rassicurante superficie di internet. 

4chan nasce nel 2003, fondata da Christopher Poole traendo ispirazione dalla preesistente imageboard giapponese 2channel. Anche 4chan nasce come uno spazio online in cui pubblicare e commentare delle immagini, legate principalmente a manga e anime. Una delle caratteristiche di 4chan è che i vecchi thread vengono progressivamente eliminati. Un’altra è l’anonimato dei suoi utenti. Non a caso, i suoi frequentatori si definiscono spesso “anons”. Ben presto, 4chan cresce e si suddivide in varie sezioni, legate a un gran numero di interessi. C’è per esempio /v/, in cui si parla di videogiochi, mentre /p/ è destinata agli appassionati di fotografia e /m/ è per i mecha, giusto per fare alcuni esempi. Su 4chan sono anche presenti un gran numero di contenuti pornografici e politicamente scorretti. I contenuti bannati sono pochi, per cui è possibile trovare un po’ di tutto.

BARILI ESPLOSIVI

Switch 2 è il maglione che si riceve a Natale

Il barile esplosivo di questa settimana viene da Forgive Me Father (Byte Barrel, 2021).
Collabora anche tu al censimento globale dei barili rossi che esplodono partecipando all’Osservatorio dei barili esplosivi sul canale Discord.

Si può friggere un uovo in cima al Monte Everest?

Quanto costa un uovo? Pochi centesimi per noi predoni dei discount.
Quanto vale un uovo? Dipende. Per me quasi nulla, per chi ha fame infinitamente di più.
La domanda piú importante di tutte, però, è un’altra: Si può friggere un uovo in cima al Monte Everest? 

Arctic Eggs è un videogioco che parla di uova all’interno di una distopia artica brutalista in cui l’occhio di bue è diventata una merce così preziosa e rara che esistono persone il cui unico compito nella vita è quello di sorvegliare le stie in cui vengono custodite gelosamente le galline. Per me un uovo rappresenta spesso e volentieri solo un ingrediente della carbonara che mi cucino nei giorni in cui voglio evadere dai diktat della nutrizionista, per gli “abitanti” di Arctic Eggs incarna invece la massima espressione del lusso proibito a cui aggrapparsi nei momenti più difficili della complicata vita loro gelida esistenza.

Nintendo ha svelato la sua prossima console, che è la stessa di oggi (quasi). Ovvero: tutto il peso che si porta sulle spalle un solo numero.

Il 2 aprile Nintendo presenterà l’intero progetto Switch 2, svelato oggi in maniera molto sommaria attraverso un filmato di… due minuti e ventidue secondi. Switch 2 sarà tutto ciò che il nome lascia intendere ed è probabile che non sarà poi molto di più di questo. Sarà la seconda versione della stessa idea di console. Quanto già mostrato in questo primo approccio dimostra di volersi muovere sugli stessi binari e conferma in sostanza tutte le anticipazioni trapelate fino a oggi. 

C’è una certa onestà intellettuale da parte di Nintendo, che non ha voluto nascondersi dietro a una supposta rivoluzione che non ci sarà. Se per la prima volta nella tua storia metti il numero 2 nell’intestazione di un tuo hardware da gioco, significa che stai giocando a carte scoperte. Non vuole dire che si sappia già tutto e che non potranno esserci risvolti inattesi, trovate interessanti e interpretazioni degne della curiosità e della spinta innovatrice che hanno sempre contraddistinto Nintendo. Però vuole dire che quelle arriveranno, se arriveranno, dopo. Quando a tutti sarà già chiaro cosa sarà il Nintendo Switch 2, perché probabilmente avranno visto questo video o ne avranno letto da qualche parte. Ed è un video che parte dallo Switch che abbiamo conosciuto fin dal 2017, per poi allungarlo, allargarlo e stiracchiarne un po’ i due Joy-Con, fino a che non ottiene Switch 2. 

Uno schermo più largo, due controller più grandi con un aggancio magnetico alla console e un piedistallo integrato a primo acchito molto più affidabile di quello del primo modello dello Switch, ecco quello che si vede e che non può essere messo in discussione. Quello che si intuisce, ma di cui non si sa ancora nulla, è il pulsante quadrato aggiunto al Joy-Con di destra. Ma poi sarà un vero pulsante? Inoltre: nel filmato, per qualche secondo, i Joy-Con vengono appoggiati a una superficie sulla parte dell’aggancio magnetico e fatti scivolare. Come funzionerà? Che interazione specifica dovrebbero garantire in quel modo?

Il miglior racing game a cui non avete mai giocato

La cultura dell’automotive giapponese è costellata di nomi che ne hanno segnato la storia in maniera più o meno diretta. Se doveste ritrovarvi in una discussione con un appassionato state pur certi che prima o poi lo sentirete parlare di Keiichi Tsuchiya, da molti considerato il padre del drifting moderno, di crew leggendarie come i No Good Racing e il Mid Night Club o di elaboratori che si sono distinti negli anni per i loro traguardi pazzeschi nella ricerca della performance a tutti i costi nei loro garage come Mine’s, Spoon Sports e Re Amemiya. Per comprendere le specificità di questa cultura è però importante capire prima un aspetto fondamentale di come si è evoluto il mondo dell’automobilismo giapponese nel corso degli ultimi cinquant’anni. A differenza di quanto successo in occidente sin dall’alba dell’automobile, in cui il motorsport è sempre stata una disciplina professionistica tendenzialmente nobile e strettamente legata all’alta società (quella parte di pubblico che, molto semplicemente, poteva permettersi una carriera nel settore), in Giappone è esistita – ed esiste tutt’ora – una stretta commistione tra il professionismo da pista e la cultura sommersa delle gare clandestine.

Molti piloti e preparatori giapponesi hanno sempre avuto un rapporto molto stretto con il sottobosco illegale dello street racing, perché in tanti arrivarono alla conclusione che per andare forte in pista era prima necessario farsi le ossa sulle strade pubbliche. Tanto per fare un esempio, nel 1987 Keiichi Tsuchiya era un pilota professionista e per anni ha militato in tanti campionati turismo del paese, raggranellando peraltro dei buoni risultati nel corso della sua carriera, eppure divenne una delle personalità più chiacchierate del settore quando pubblicò dei video che lo ritraevano mentre lanciava di traverso la sua toyota AE-86 giù dai passi di montagna in un contesto del tutto illegale (questo arrivò quasi a costargli lo straccio della licenza professionistica, ma questa è un’altra storia). 

Che ad aprire le schermate introduttive di Donkey Kong Country Returns potesse esserci il logo di Retro Studios, era un’ipotesi che nessuno aveva ventilato. Metroid Prime 3 Corruption aveva a quel punto tre anni sulle spalle ed era già stato chiarito come la squadra responsabile dell’eccellente trilogia in 3D di Samus Aran volesse cambiare aria. Il risultato parlò a favore della scelta, perché Donkey Kong Country Returns si rivelò essere un gioco di piattaforme anche migliore di quelli degli anni Novanta a cui si ispirava. E pure questa, se vogliamo, fu una bella sorpresa.

Il potere della parola

Spesso le novità si nascondono in bella vista dentro spazi già ben noti. Che, però, hanno ancora molto da dire e da dare. Pensate ai cruciverba – tanto amati dalle nonne italiane, e non solo – della Settimana Enigmistica: distese bianche e nere divise in griglie, composte da caselle da riempire con lettere e altre da lasciar stare (quelle nere, naturalmente). Un divertimento sotto l’ombrellone, certo, ma anche un modo per mantenere il cervello attivo e in forma. In gran parte, facendo leva su conoscenze già possedute: chi ha condotto il Festival di Sanremo nel 1995? Chi è il chimico torinese noto per una celebre legge sui gas? 

I cruciverba sono un’invenzione piuttosto recente, anche se più o meno da sempre l’essere umano gioca con le parole. Il primo cruciverba venne pubblicato il 21 dicembre 1913 su Fun, il supplemento domenicale del quotidiano The New York World: gli sforzi dei quotidiani tesi a fidelizzare i lettori grazie al gioco sono quindi piuttosto risalenti nel tempo, e oggi sono proseguiti da grandi entità, come The New York Times, che nel 2022 ha acquistato per una cifra (pare) astronomica il fenomeno ludico Wordle. E sì, Wordle è un altro gioco basato sulle parole, come i cruciverba; e dei cruciverba condivide la semplice, semplicissima struttura a griglia. Ordinata, precisa, geometrica. Cardo e decumano che si incrociano ad angolo retto nelle nostre menti.

BARILI ESPLOSIVI

Vendo software house disperatamente

Il barile (non) esplosivo di questa settimana viene da Astrobot (Team ASOBI, 2024).
Collabora anche tu al censimento globale dei barili rossi che esplodono partecipando all’Osservatorio dei barili esplosivi sul canale Discord.

Analisi delle simbologie nascoste dietro ai tatuaggi di Like a Dragon

Una delle mie carte Pokémon preferite di sempre è il Magikarp disegnato da Shinji Kanda per l’espansione Paldea Evolved. C’è qualcosa che rende l’uso dei colori di Kanda e la sua magistrale composizione dell’immagine davvero sopraffini; un’eleganza rara in un medium come quello delle carte collezionabili che eleva questo Magikarp ben al di sopra di tantissime altre creature illustrate appositamente per il TCG di The Pokémon Company.

Il percorso di Takara, fino a quel punto, era stato abbastanza lineare. Fondata a Tokyo nel 1955, alla fine degli anni ’70 dello scorso secolo inizia a occuparsi anche di videogiochi, lavorando quasi esclusivamente sulle conversioni di giochi altrui. Quando con il suo Neo Geo SNK prova l’esistenza di una dimensione parallela a quella in cui le uniche protagoniste sono le console a 16 bit di Sega e Nintendo, Takara diventa parte dell’equazione aprendo un portale verso quella dimensione. Sono sue le conversioni quasi-impossibili di un certo numero di successi del Neo Geo, dedicate al Super NES e al Mega Drive. È il marchio di Takara a comparire negli angoli delle illustrazioni di copertina delle trasposizioni di Fatal Fury e Fatal Fury 2, di King of the Monsters e Art of Fighting (tra gli altri).

L’arte di Hieronymus Bosch e Metaphor: ReFantazio

«Di cosa sognava Bosch? Della Passione di Cristo, del male, della stupidità dei soldati, della vanità e caducità del mondo terreno, dell’inferno con i suoi strumenti di tortura, della tentazione, alla quale anche i santi riuscivano a stento a resistere» 

Max Jakob Friedländer

Uno fra i padri fondatori dei CRPG

Quello di Brian Fargo è un nome fondamentale nella storia dei giochi di ruolo per PC e, tutto sommato, in quella dei videogiochi occidentali in senso più ampio. Attivo fin dai primi anni Ottanta, ha creato una serie importantissima di quel decennio come The Bard’s Tale e ha fondato Interplay, uno fra i publisher dominanti degli anni Novanta, a cui dobbiamo pietre miliari come Baldur’s Gate, Fallout, Torment e anche tantissimi altri grandi titoli anche al di fuori del suo genere preferito. Il gioco di ruolo occidentale come lo conosciamo oggi, insomma, in un modo o nell’altro deve parecchio al lavoro di Fargo e delle persone con cui negli anni ha scelto di collaborare. Oggi il suo studio inXile Entertainment, diventato interno a Microsoft nel 2018, è al lavoro su Clockwork Revolution, di cui ancora conosciamo poco. In attesa di scoprirne di più, vi racconto la lunga chiacchierata che ci siamo fatti quando l’ho incontrato qualche tempo fa...

A volte semplicemente non entri nello zaino

“All’inizio pensavo di non essere abbastanza forte per venire a protestare, ma poi ho concluso che tutti, non importa quanto piccoli, devono essere qui”

Tang, studente, 15 anni

BARILI ESPLOSIVI

Anche a te e famiglia

Il barile esplosivo di questa settimana viene da The Division 2 (Massive Entertainment, 2019).
Collabora anche tu al censimento globale dei barili rossi che esplodono partecipando all’Osservatorio dei barili esplosivi sul canale Discord.

I VIDEOGIOCHI INDIE PIÙ INTERESSANTI DI GENNAIO 2025

Tra un pandoro e l’altro (panettone, stammi lontano!), FinalRound non dimentica di tenere sott’occhio l’attualità indie. Eccoci arrivati a commentare le uscite di gennaio 2025, a un anno di distanza dalla nascita di Radar, l’appuntamento fisso con i videogiochi indipendenti più interessanti in uscita entro il mese successivo. Il 2024 è volato, e il nuovo anno sembra serbare tante sorprese per gli appassionati di produzioni piccole e grandi. Questo mese vi parlerò di quattro graditissimi ritorni da parte di quattro team davvero in gambissima, con una grande varietà di generi e ambientazioni. 

Accendete il vostro radar: si parte!

BARILI ESPLOSIVI

Prenderla bene

Il barile esplosivo di questa settimana viene da Dead Cells (Evil Empire, 2018).
Collabora anche tu al censimento globale dei barili rossi che esplodono partecipando all’Osservatorio dei barili esplosivi sul canale Discord.

CARTOLINE DI UNA STORIA D'AMORE DURATA VENT'ANNI

Kazunori Yamauchi aveva un sogno.  

Amava le automobili in maniera così pura e sincera che voleva digitalizzarle e portarle nelle case di tutti, tentando nel frattempo di trasmettere quel sentimento così profondo e irrazionale a chiunque entrasse in contatto con le sue creazioni. Sony questo lo scoprì quando gli commissionò lo sviluppo di Motor Toon Grand Prix, un kart racer cartoonesco in cui Yamauchi riuscì ad inserire una fisica di guida sorprendentemente realistica nonostante la sua stramba estetica slapstick. Quella fu la scintilla che accese in Sony l’interesse nei confronti di Kazunori, a cui diede carta bianca per creare la serie che lo rese una leggenda dell’industria. Gran Turismo nasce così, germoglia dalla malsana fissazione di un appassionato di automobili per la simulazione corsistica su console e diventa una di quelle che in gergo chi fa il mio mestiere chiama smash hit.  

La storia delle origini e dello sviluppo di Gran Turismo è costellata di aneddoti e avvenimenti incredibili, un’epopea fatta di ambizioni gigantesche ed enormi difficoltà tecniche da superare per raggiungere un obiettivo – almeno sulla carta – impossibile. Si potrebbe parlare del successo strepitoso di Gran Turismo, della collaborazione con una leggenda del jazz giapponese come Masahiro Ando dei T-Square, dello sviluppo travagliatissimo di Gran Turismo 2 o ancora del salto quantico che rappresentò Gran Turismo 3 A-Spec per il medium tutto, così avanti che sembrava piegare le leggi della programmazione al proprio volere per raggiungere un risultato finale semplicemente impensabile per l’epoca. Il fatto è che il 2024 segna il ventesimo anniversario di quello che ancora oggi rappresenta forse il miglior videogioco automobilistico di sempre.

METAPHOR

RE:FANTAZIO

TRA EASTER EGG, RELIGIONI E CULTURA ORIENTALE

Lo ammetto: sono un fan di Shoji Meguro dell'ultim'ora. Nonostante abbia giocato durante la mia adolescenza numerosi titoli ATLUS, e sia stato da essi segnato, non avevo ancora raggiunto la maturità musicale necessaria a comprendere l'importanza delle sue sperimentazioni in fatto di colonne sonore. A mia discolpa, tuttavia, c'è da dire che il percorso dell'ermetico e sperimentale compositore nipponico è giunto a pieno compimento solo di recente ed ha acquisito senso compiuto solo alla luce delle sue ultime, gigantesche opere.

DAY OF THE DEVS

THE GAME AWARDS 2024 EDITION

In un anno in cui il variegato mondo dei “videogiochi piccini” (che qui su FinalRound tanto amiamo) si è fatto valere alla grandissima – complice una certa scarsità di produzioni tripla A di vero peso – Double Fine Productions e iam8bit sono tornati a farsi sentire con l’edizione TGA del Day of the Devs, lo show che due volte l’anno celebra il mondo dello sviluppo indipendente e dà voce ai dev, chiamati a parlare a un vasto pubblico delle opere che hanno in cantiere. Il Day of the Devs è nato nel 2012, prima dei The Game Awards (che quest’anno hanno festeggiato i primi dieci anni di vita) e hanno contribuito in maniera tutt’altro che marginale a garantire un forte supporto agli sviluppatori, in maniera sempre gratuita. 

Oggi il Day of the Devs opera come una organizzazione non profit e viene supportata da sponsor e donazioni dal basso, incoraggiate dalla loro piena deducibilità fiscale, secondo la legge statunitense, che di contro impone a questo tipo di enti penetranti controlli e obblighi di trasparenza finanziaria. Questo riconoscimento da parte della normativa USA nasce dalla meritevolezza dell’interesse perseguito dall’organizzazione: quello di supportare gli sforzi degli sviluppatori indipendenti di videogiochi. Rispetto allo show di un anno fa, mi sono sfuggite le ragioni della sua collocazione un giorno prima rispetto alla serata dei TGA: l’accorpamento dei due eventi – il Day of the Devs prima, i TGA subito dopo – garantiva, a mio avviso, una migliore visibilità allo show creato da Double Fine Productions e iam8bit. In ogni caso, non sono mancati, come da tradizione, annunci bizzarri da inquadrare nei nostri radar per il prossimo futuro.

In realtà è un articolo sul ritorno di Screamer, il più grande videogioco italiano di ogni tempo.

C’era una nebbia milanese, giovedì notte, a Milano. Ho lasciato presto la festa di Round Two al cinema Notorious ai margini della città, provando timorosamente a tagliare i banchi di umido con i fari dell’auto fino a casa. È all’incirca la stessa nebbia che ho ritrovato dentro al televisore arrivato a casa, quando Geoff Keighley aveva varato da poco la sua crociera attorno al mondo degli annunci, con tappe obbligate per consegnare qualche premio e un’ampia rappresentanza di scuole di pensiero e di origine dei videogiochi (purtroppo sempre più vicine e confondibili tra di loro, ma vabbè). Era la nebbia che sbuffava fuori dal trailer di The Witcher IV, con cui CD Projekt Red torna nel suo mondo fantasy a quasi dieci anni dall’uscita del precedente episodio di enorme successo. No, rifacciamo: per ora non torna proprio nessuno, perché lo studio polacco non si è espresso nemmeno sull’anno di uscita del gioco.

I The Game Awards 2024 e la voglia di fare festa dopo due anni di funerali

Il momento più bello in assoluto dei The Game Awards 2024 credo sia stato inequivocabilmente quello in cui Swen Vincke, CEO di Larian Studios, è salito sul palco per annunciare i candidati al premio per il miglior gioco dell’anno. Prima di passare virtualmente il testimone ad Astro Bot di Team Asobi, Vincke ha infatti pronunciato un discorso meraviglioso che vi riporto (tradotto) per intero:

 “A quanto pare non sarò solamente la prima persona a sapere quale sarà il videogioco vincitore stasera, ma in realtà so già anche quale sarà il vincitore dell’anno prossimo, di quello dopo e di quello dopo ancora. Come faccio a saperlo? Beh, me lo ha detto un oracolo. [...] L’oracolo mi ha detto che il Game of the Year del 2025 lo vincerà il videogioco di uno studio che avrà compreso la formula che serve per arrivare su questo palco. È una formula così semplice da essere quasi stupida, ma per qualche motivo continuiamo a dimenticarcene. Quello studio avrà creato quel videogioco perché quello è il videogioco che i suoi membri avrebbero voluto giocare in prima persona, lo avranno creato perché non era mai stato realizzato prima. Non lo creeranno per aumentare il valore delle loro azioni, non lo faranno per mettersi al servizio di un brand, né per soddisfare aspettative di vendita arbitrarie o per paura di essere licenziati nel caso in cui quelle aspettative non vengano soddisfatte. Le persone a capo del progetto, oltretutto, avranno proibito ai dipendenti di infarcire il gioco con elementi il cui unico scopo è quello di aumentare i guadagni senza curarsi del game design; non avranno trattato i loro sviluppatori come numeri su un foglio, non avranno trattato i loro giocatori come utenti da sfruttare, non avranno preso decisioni mirate al breve periodo e all’ottenimento di benefit e bonus. Sapranno che, mettendo il gioco e il team davanti a tutto, i ricavi arriveranno da soli. Saranno guidati dalle idee e il loro obiettivo sarà quello di far divertire i giocatori, e avranno capito che se gli sviluppatori non si divertono allora non si diverte nessuno. Avranno capito il valore del rispetto e che se avranno trattato bene sviluppatori e pubblico allora questi saranno pronti a perdonarli se e quando le cose non andranno per il verso giusto. Ma, soprattutto, avranno avuto a cuore il loro videogioco perché amano i videogiochi. È davvero così semplice, lo ha detto l’oracolo”.

CATASTROFE INTERATTIVA

Non so quanti se lo ricordano, ma c’è stato un periodo preciso nella storia della televisione italiana in cui l’inizio dell’estate coincideva con la messa in onda di un numero quasi incalcolabile di film catastrofici. I cosiddetti disaster movie hanno colonizzato i palinsesti estivi, occupando i tubi catodici di tutto il paese con le loro assurde storie di terremoti giganteschi e diluvi universali scatenati sulle città di mezza America. Deep Impact, Towering Inferno, Twister, Deep Impact, The Day After Tomorrow, Armageddon…la lista è davvero lunghissima e comprende al proprio interno una quantità incalcolabile di possibili catastrofi naturali raccontate in tantissimi modi differenti tra loro. Piccolo trivia inutile ma simpatico: tecnicamente parlando anche Titanic appartiene alla stessa categoria.

Unpacking si è manifestato sugli store digitali a novembre 2021, dopo circa tre anni di sviluppo durante i quali era già salito agli onori della cronaca grazie ad alcuni post sui social diventati virali.

Raro caso di gioco dalla personalità veramente unica, mi ha fatto subito innamorare e ci ho giocato con gran gusto godendomelo assieme a mia figlia, che per altro a distanza di anni ancora ogni tanto chiede di rimetterci mano per riordinare stanze e mostrarlo alle amiche. 

Per questo motivo, quando ne ho avuto occasione, mi sono lanciato sulla possibilità di incontrare la direttrice creativa Wren Brier, e farmi raccontare la sua storia e qualche aneddoto sullo sviluppo del gioco. E farle registrare un video di saluti per mia figlia, che fa sempre scena.

Musica, Maestra!

«Se Simurgh ti svelerà il suo volto, scoprirai
Che tutti gli uccelli, che siano trenta o quaranta o più,
non sono altro che ombre gettate da quel disvelamento.
Quale ombra è mai separata dal suo creatore?
Capisci?
L’ombra e il suo creatore sono una cosa sola,
Quindi vai oltre le apparenze e gettati nel mistero» 

Da La conferenza degli uccelli di Fariduddin ‘Aṭṭār 

BARILI ESPLOSIVI

L'anniversario dell'anno

Il barile esplosivo di questa settimana viene da Deathloop (Arkane, 2021).

Trent’anni fa, più o meno in questi giorni, è uscita la prima PlayStation. Non sono tanti i momenti nella storia dei videogiochi in cui con precisione chirurgica si può stabilire che ci sia stato un prima e un dopo, ma questo è certamente uno di questi. In giro trovate un sacco di racconti, classifiche e ricordi e l’ho fatto anche io in Day One raccontando due dei giochi a cui sono più affezionato: Final Fantasy IX e, inspiegabilmente per i miei gusti, Driver. Se volete leggerne qualcuna, mi sono piaciute questa di GamesIndustry e Keith Stuart sul Guardian. Tra l’altro, se avete aggiornato PS5 ma non ancora avviato la console, preparate i fazzoletti. 

Sempre per rimanere in casa Sony, vuoi vedere che il terzo tentativo (stiamo parlando di console portatili) è quello buono? 

Togliendo questa recensione mi sembra di capire che Indiana Jones and the Great Circle sia una bomba. Devo dire che non mi stava dicendo molto ma ora ho voglia di giocarlo. Arriva anche sul Game Pass. 

Cosa fare per costruire una critica antifascista che possa, nel suo piccolo, migliorare il mondo. 

Una nuova versione di Genie, uno dei tanti tool basati sull’intelligenza artificiale di Google, pare sia in grado di creare un intero mondo di gioco a partire da una sola immagine. È insieme una cosa eccezionale e spaventosa, e io non ho ancora capito quale delle due cose sia predominante. Ma ne sono comunque affascinantissimo.

Ubisoft chiuderà XDefiant nel 2025. Non è il primo e non sarà l’ultimo live service game che chiuderà nei prossimi mesi. 

Che poi io capisco anche che il mercato punisca i giochi che non riescono a dare quel qualcosa in più portandoli alla chiusura, ma allo stesso modo non mi capacito di come quando un gioco fa invece tutto quello che dovrebbe, e pure con una certa grazia, venga comunque bastonato. Messaggio a cura del movimento per la rivalutazione di Star Wars Outlaws. 

Star Citizen è arrivato a 750 milioni di dollari raccolti. E no, non è uscito. 

Tutti ormai fanno dei giochi di carte, collezionabili e non. Come se il mio portafogli fosse infinito. E quindi dopo Magic, Pokémon, One Piece e Lorcana ora arriveranno pure il Gwent (il gioco di carte di The Witcher), quello di League of Legends e il mazzo di carte ispirato a Balatro. 

Sapete che inizia il periodo di classifiche e di “meglio di”. In 10 minuti qua Polygon parla dei suoi migliori 50 giochi dell’anno.

UN SERVIZIO DI DAY ONE

Gli accadimenti nel mondo dei videogiochi di dicembre, un mese che ha un padrone e svariate leggende.

“It’s in the Game” è un documentario in quattro puntate che ripercorre le origini della serie di Madden NFL, una delle franchigie di videogiochi di maggior successo di ogni tempo. È disponibile su Amazon Prime Video. Nella prima puntata c’è un passaggio in cui si chiede a Trip Hawkins, fondatore di Electronic Arts e forza motrice del primo gioco di Madden nel 1988, se voglia parlare del 3DO. All’inizio degli anni Novanta Hawkins si gettò nel progetto 3DO Company, una console potente e versatile, ma più di ogni altra cosa un modello di vendita e di equilibri tra editori e costruttori molto differente. Hawkins ci pensa un po’, quindi declina: 3DO fu un fallimento. Altri intervistati ci tengono a specificare che quando Hawkins volò in Giappone per cercare un partner per 3DO, che poi trovò in Matsushita, parlò anche con Sony. Non ci fu interesse da parte di Sony, ma proprio da quell’incontro si accese la scintilla che avrebbe portato alla nascita di PlayStation, si sostiene nel documentario.

A tu per tu con la giornalista Gina Lombardi di Indiana Jones e l'Antico Cerchio

Il 9 dicembre, su Xbox e pc, arriverà Indiana Jones e l’Antico Cerchio, il nuovo videogioco di Machine Games e Bethesda. Ambientato alla fine degli anni Trenta, riprende buona parte degli elementi che hanno reso famoso Indiana Jones: il mistero, lo scontro con i nazisti; la corsa contro il tempo, un viaggio tra paesi e città diverse; il brivido della sfida e dell’avventura. Nel cast di attori, insieme a Troy Baker (The Last of Us) che presta la sua voce al protagonista, c’è anche Alessandra Mastronardi (Master of None, One Trillion Dollars, To Rome With Love, I Medici) che interpreta la giornalista Gina Lombardi. 

Per Alessandra lavorare a un videogioco è stata una scoperta continua. Non si aspettava un mondo simile, con questo livello di segretezza. La prima volta che ha fatto il provino per il suo ruolo non sapeva nemmeno di che titolo si trattasse. Glielo hanno detto solamente dopo, e ne è stata felicissima. L’impegno sul set, racconta, non è stato poi così diverso da altre esperienze che ha fatto in passato. La più grande differenza è stata l’assenza totale di costumi e di scenografie, mentre la cosa più strana è stata dover girare la propria morte.

BARILI ESPLOSIVI

Il miglior evento sui videogiochi lo ha fatto Devolver

Il barile esplosivo di questa settimana viene (anche se sullo sfondo e lontano) da Getting Over It with Bennett Foddy (Bennett Foddy, 2017).

SPERO FACCIA MALE

Parlare di Mouthwashing senza fare spoiler è complicatissimo e, soprattutto, renderebbe questa recensione infinitamente più debole. Per raccontare adeguatamente il gioco ho bisogno di trattare anche solo superficialmente alcuni avvenimenti sottili ma importantissimi che ne puntellano la trama, quindi siete avvisati.

C’è un’insostenibile verità con cui dobbiamo fare i conti: in Italia i videogiochi vengono tradotti molto poco e questo è un male. Il mercato italiano non è particolarmente rilevante nel vasto panorama videoludico, sia per quanto riguarda le vendite sia per lo sviluppo dei videogiochi in sé (ma questa è un’altra triste storia). Si compra poco e quindi si traduce poco perché la localizzazione comporta degli investimenti onerosi, soprattutto quando i giochi contengono una mole di parole non indifferente. Eppure i videogiocatori italiani esistono e sono anche tanti, ma si limitano ad acquistare i titoli più popolari o se vogliamo mainstream. EA Sports FC 24 e GTA V troneggiano da tempo sul podio delle vendite italiane e ogni tanto fa capolino un Elden Ring o qualche altro AAA, ma altri prodotti vengono completamente ignorati. 

Eh, è colpa di Call of Duty, signora mia! 

In realtà no, perché anche la pirateria gioca un ruolo fondamentale nella mancata localizzazione di molti prodotti, perché se ci divertiamo a smanettare con uTorrent ma non vogliamo spendere € 15,00 su Steam per sostenere il mercato, allora non possiamo lamentarci più di tanto. Oggi si parla molto di questo argomento, ma c’è un gioco in particolare che viene sempre guardato con un certo timore reverenziale e che molti sostengono di non aver potuto giocare proprio per via della sua complessità non dal punto di vista del gameplay, ma dal punto di vista linguistico: Disco Elysium.

I VIDEOGIOCHI INDIE PIÙ INTERESSANTI DI DICEMBRE 2024

Il 2024 sta ormai per chiudersi, e con lui volge alla fine anche il primo anno di questa rubrica. Grazie per l’accoglienza che le avete dedicato e per l’interesse che manifestate nei confronti di produzioni decisamente più piccole rispetto a quelle che solitamente vengono portate alla ribalta dalla stampa specializzata. Ma, come ci dimostrano le uscite del mese di dicembre, la qualità non ha nulla a che fare con la quantità di investimenti economici fatti in una produzione, anzi: spesso la bellezza si nasconde in angolini poco battuti. 

E allora entreremo nelle pieghe dello spaziotempo su un percorso di minigolf destabilizzante, ci faremo strada distruggendo tutto ciò che ci capita a tiro, vestiremo i panni di un samurai accompagnato da un micio e poi useremo il nostro violino per riattivare il macchinario che muove il mondo. 

Siete pronti? Accendete il vostro radar: si parte!

Digital Eclipse racconta il gioco perfetto per eccellenza

Anche a modificare l’angolazione da cui lo si guarda, Tetris Forever rimane un tributo convincente a uno dei più grandi videogiochi di sempre. O semplicemente al più grande, per quanto mi riguarda. Se lo si interpreta come un documentario, Tetris Forever offre testimonianze inedite e una copertura quasi inattaccabile della materia. A cui poi si aggiunge il bonus di un bel po’ di versioni di Tetris da poter provare tra un capitolo e l’altro. Prendendolo quale raccolta di videogiochi, il pacchetto di Digital Eclipse è rigoroso e include una varietà e una grande profondità di versioni e declinazioni di Tetris. Il tutto, poi, è infiocchettato con interviste e digitalizzazioni di materiale d’epoca mai così copioso e soddisfacente.

La parte più riuscita delle operazioni che ricadono sotto all’etichetta Gold Master Series di Digital Eclipse, è che riescono a mettere assieme lo studio della materia e poi la materia stessa, i videogiochi. Nessuna delle due prevale sull’altra ed entrambe raggiungono livelli di dedizione che è raro trovare in edizioni antologiche dei videogiochi. Anzi, la Gold Master Series di Digital Eclipse riesce in sostanza a dare un senso all’idea stessa di “raccolta antologica” applicata ai videogiochi, finalmente. Ora non resta altro che trovarle una denominazione meno banale e poi iniziare a far girare la voce, fino a imporla come “la Criterion dei videogiochi”, posizione che merita.

La storia dei videogiochi indie

Che cos’è un indie?

Diciamo fin da subito che scrivere una storia dei videogiochi indie significa necessariamente procedere per approssimazione. Questo perché “indie” è una di quelle parole che – grosso modo – evocano un’idea nella nostra testa, ma che non siamo in grado di definire con esattezza nel momento in cui ci viene chiesto cosa voglia esattamente dire trovarsi davanti a un “videogioco indipendente”. E anche se ne fossimo in grado, la nostra definizione sarebbe probabilmente diversa da quella di altre persone. Se poi uscissimo al di fuori del medium videoludico, il tutto diverrebbe ancor più complesso (pensiamo a quanto sia commerciale molta musica etichettata come “indie”, banalmente). Segnalo anche che c’è chi (Maria B. Garda e Paweł Grabarczyk) sottolinea che “indie” e “indipendente” sono due cose diverse. Ma non allontaniamoci più del dovuto. 

Possiamo fare una lista, breve e certo non esaustiva, di ciò che viene comunemente citato quando si parla di videogiochi indipendenti.

BARILI ESPLOSIVI

Vent'anni di Half-Life 2

Il barile esplosivo di questa settimana viene proprio da Half-Life 2 (Valve, 2004). Collabora anche tu al censimento globale dei barili rossi che esplodono partecipando all’Osservatorio Barili Esplosivi.

Un viaggio nella geografia del lutto di Silent Hill 2

Una delle figure centrali nella narrativa horror è, da sempre, quella della casa infestata. Pur essendo un clichè ormai vecchio di secoli quello della haunted house è un contesto che continua a funzionare splendidamente perché fa leva su un tipo di paura estremamente comune. È la paura degli oggetti comuni, o meglio il terrore atavico che ciò che sembriamo conoscere e controllare alla perfezione durante la nostra vita possa un giorno sfuggire da quel controllo, obbligandoci a doverci relazionare con essi senza però poter prevedere il loro comportamento. La casa è forse uno degli spazi a cui più siamo legati nel corso della nostra vita, è così importante che in ogni società esiste una chiara distinzione tra chi ne abita una e chi invece non può (o non vuole) farlo. Ce lo raccontiamo generalmente come uno spazio felice, comodo e sicuro, non a caso è dove torniamo a fine giornata e dove troviamo ad attenderci persone a cui – tendenzialmente – vogliamo bene. Il concetto stesso di “famiglia” si lega a doppio filo alla coabitazione di una casa.

Nonostante questa sua connotazione generalmente positiva (o forse proprio a causa di essa), però, capita di avere paura delle nostre case. Succede specialmente di notte, quando il buio ne cela gli angoli e i dettagli. A chi non è capitato da bambini (o anche da adulti) di trovarsi al centro di una stanza di casa propria, al buio, e di sentire l’urgenza di scappare verso il proprio letto? È un sentimento universale che nasce dalla malcelata paura che quegli spazi così conosciuti e all’apparenza sicuri possano celare al loro interno tutta una serie di pericoli e presenze nefaste e che possano in qualche modo rivoltarsi contro di noi. È esattamente su questo sentimento che fa leva il tropo della casa infestata, ed è esattamente per questo che continua a funzionare così bene su di noi come pubblico. 

In un suo splendido videosaggio dedicato all’argomento (Control Anatomy, and the Legacy of the Haunted House), Jacob Geller analizza il fenomeno da un punto di vista estremamente affascinante, puntando sul fatto che siamo noi a voler tornare ad esplorare spazi ostili come la Oldest House di Control o la casa di Anatomy e che, per questo, quelle case sono sì infestate, ma da noi.

Keiichiro Toyama è sempre stato uno dei creativi che più ho apprezzato tra quelli che hanno deciso di sporcarsi le mani con questa cosa del fare i videogiochi. Alla fine Silent Hill poteva essere pure un colpo di fortuna propiziato dalla giovinezza, ma non ti inventi Forbidden Siren prima e Gravity Rush poi se non sei uno con le idee giuste, no? Ecco, sì, le idee sono sempre state al centro del percorso intrapreso da Toyama, sin dai tempi del suo folgorante esordio in Konami, ed è per questo che negli anni è stato idolatrato come un genio di questo settore.

 Non è mai bello veder “cadere” uno dei propri idoli. Davvero.

Se chiedete in giro Slitterhead è stato accolto come un pessimo videogioco. Non che i trailer facessero presagire qualcosa di profondamente differente, beninteso, eppure ci ho sempre voluto credere almeno un po’. Guardavo le presentazioni del titolo d’esordio di Bokeh Game Studio e ci rivedevo dentro lo stesso spirito che ha animato in passato tanti piccoli team giapponesi senza soldi ma con la voglia di creare qualcosa che potesse in qualche modo lasciare il segno. Parlo di produzioni come Disaster Report, Earth Defence Force o Tokyo Jungle, videogiochi sicuramente poco appariscenti se messi a confronto con i grandi tripla A che occupano il palco di questo mercato impazzito (e spesso tristemente appiattito) ma carichi di idee che in qualche modo li hanno trasformati in piccoli cult da quella nicchia di appassionati abbastanza ricettivi da voler scavare sotto i difetti per trovare qualcosa che fosse realmente di valore.

BARILI ESPLOSIVI

Non è facilissimo capire se PS5 Pro è davvero Pro

Il barile esplosivo di questa settimana viene da Wasteland 3 (inXile Entertainment, 2020).
Collabora anche tu al censimento globale dei barili rossi che esplodono partecipando all’Osservatorio Barili Esplosivi.

Recensione

Secondo un articolo pubblicato da Variety, testata specializzata in cinema e televisione, le due stagioni di Arcane sono costate circa 250 milioni di dollari. Parliamo di 18 episodi, quindi di una media per puntata di circa 13 milioni di dollari. Sono tanti? Sono pochi? Sono, anzi, abbastanza? Perché il punto, con una produzione come Arcane, è esattamente questo: non ci troviamo davanti a niente di già visto o di già tentato; e ogni cosa – ogni scelta artistica e ogni scelta tecnica – rappresenta una piccola, grande rivoluzione. Un primissimo passo in un mondo ignoto. 

Arcane è arrivata in un momento preciso. Quando, cioè, Hollywood e le piattaforme streaming hanno scoperto (pardon: riscoperto) il potenziale delle storie tratte dai videogiochi. League of Legends non aveva nessun bisogno di una serie tv per raggiungere un altro pubblico – è League of Legends: anche chi non gioca ai videogiochi ne ha sentito parlare almeno una volta. Probabilmente la spinta che ha dato il via a questa operazione è stata un’altra; probabilmente, Riot Games – che è la società che ha sviluppato League of Legends – cercava come i suoi competitor di allargare la propria riconoscibilità. 

Se Hollywood ha dimostrato di avere bisogno delle storie dei videogiochi per continuare a parlare a un pubblico ampio e attivo (e lo dimostrano sia il successo di The Last of Us che quello di Fallout, senza dimenticare – e in questo caso parliamo di cinema – i risultati al box office del film di Super Mario), le realtà videoludiche stanno cercando di trasformarsi e di spingersi altrove, su mercati differenti. E così nascono i giochi da tavolo, i film, le serie, i libri; il merchandising. E, talvolta, le carte da collezione. Un brand è buono finché, in un modo o nell’altro, può consolidare la propria base e la propria visibilità e continuare, parallelamente, a portare soldi e – semplificando al massimo – clienti. Quindi sì, la nascita di Arcane non deve coincidere per forza con le aspirazioni artistiche del team di sviluppo. Quando però Riot Games ha deciso di procedere con il progetto, è chiaro che le premesse iniziali, di pura visione industriale, sono state affiancate da altri spunti.

MEA MAXIMA CULPA

Pensieri sul DLC di Blasphemous II e sulla situazione in Spagna

Felipe Juan Pablo Alfonso de Todos los Santos de Borbón y Grecia, meglio noto come Re Felipe VI di Spagna, non si è forse mai augurato di essere nato basso. Penso, però, che potrebbe essere successo qualche giorno fa, quando è stato duramente contestato da una folla inferocita a Valencia. Un metro e novantasette d’uomo che, suo malgrado, torreggiava per le strade piene di manifestanti urlanti; un bersaglio perfetto per il fango di uomini e donne che hanno perso tutto. La Regina Letizia, imbrattata di terra, è scoppiata in lacrime. 

I video sono surreali: si vede avanzare per strada l’alto depositario di un potere ormai fuori tempo, la camicia coperta da un giaccone color marrone scuro. E se secoli fa il corpo sacro del sovrano poteva ancora sembrare la panacea di tutti i mali – capace di canalizzare poteri superiori, di guarire gli infermi, di offrire conforto a chi soffre – ora resta soltanto un uomo che avanza, come tutti, con i piedi impastati nel fango che ha travolto in questi giorni la Spagna, in una via crucis dolorosa che mostra che ormai il re non soltanto è nudo, ma è anche inutile, inerme. Soltanto un uomo troppo alto.

FRATERNAUTI ALLA CARICA

Forse c’è stato un fraintendimento tra noi e Nintendo, fatto scivolare lungo questi sette anni di Switch, anni puntellati da successi che hanno stravolto le vite dei loro azionisti, ma anche caratterizzati da quelle che sono sembrate delle occasioni perse. A questo riguardo credo abbia senso fermarsi un attimo a riflettere. Anche Mario & Luigi: Fraternauti alla Carica può essere inserito tra le chance che la generazione di Switch non ha sfruttato al meglio, ma è una valutazione che dipende almeno in parte dalle aspettative. Quelle che ci si è fatti sul gioco, ma anche l’idea che si ha della console di Nintendo più in generale.

La natura ibrida di Switch ha di fatto consegnato nelle sue mani una doppia eredità, fatta dell’esperienza che Nintendo ha accumulato in circa trent’anni di hardware da gioco da salotto e portatile. È stata annullata la distanza tra i due modi di intendere i videogiochi, con conseguenze non sempre immediatamente leggibili. Le serie che sono nate e hanno avuto successo sulle linee portatili delle console Nintendo avrebbero dovuto essere trasportate su Switch producendosi in un salto verso l’approccio e gli standard produttivi di quelle assaporate a casa? O la natura (anche) portatile, della console prima e delle stesse serie dopo, giustifica il fatto che continuano a esistere videogiochi di Nintendo che somigliano, per le ambizioni pacate, alle loro controparti del passato per Game Boy, Game Boy Advance, DS e 3DS?

UN SERVIZIO DI DAY ONE

La storia dei videogiochi di novembre in trentacinque anni di uscite, tra venerati maestri, apprezzati mestieranti e nomi ingoiati dalle nebbie dei tempi.

Per Paolo Sorrentino, il regista tra gli altri de La grande bellezza, “la malinconia è un vestito che ti ritrovi a indossare”. “Io sono malinconico da quando ho quattro anni”, ha poi concluso, presentando all’inviato di un telegiornale il suo nuovo Parthenope, nelle sale dalla fine di ottobre. Ricordare quello che è stato è un meccanismo che si innesca con maggiore frequenza tanto più sono gli anni che ci si è messi alle spalle. È un automatismo un po’ stucchevole, spesso oliato da una generosa dose di autoconvincimento, che dà ai ricordi la forma che vogliamo. Prendete i commenti sotto a un video musicale su YouTube, un qualsiasi video musicale di una canzone di un certo successo. Se è stata pubblicata almeno dieci anni fa, è matematico che ci troverete almeno una persona che dice in modo lapidario: “eravamo felici e non lo sapevamo” (ma sono valide anche altre formule equivalenti). Non si scappa, è così. 

Dice l’utente TheHowlingDawn: “a quei tempi non avevamo alcuna preoccupazione :(”, è il terzo commento al video in versione “rimasterizzata (?) in HD” di Fireflies di Owl City. Potrebbe non farvi suonare alcuna campanella in testa, ma cercate il video o la canzone, concedetegli 15 secondi e vi tornerà in mente. È un pezzo pop che rimastica un po’ dell’atteggiamento indie e molto dei suoni dei The Postal Service, scivolando velocemente verso un’interpretazione appena meno nauseante di un rockettino made in Maroon 5. Eppure anche quella, per qualcuno, è la colonna sonora di anni migliori o, come minimo, meno stressanti.

C’era Fireflies in cima alla classifica di Billboard alla fine di novembre del 2009, quando Just Dance debuttava nei negozi dei principali mercati per i videogiochi. Sono passati quindici anni dacché qualcuno in Ubisoft ha pensato che il telecomando Wii di Nintendo potesse prestarsi a coreografie improvvisate di fronte al televisore. Se ci pensate bene era una sorta di evoluzione del karaoke. Just Dance è rimasto con noi, ogni autunno torna a timbrare il cartellino e per il colosso franco-canadese è una delle poche certezze rimaste a disposizione, in anni fatti di svolte prese contromano.

Per qualcuno accorgersi che sono passati quindici anni da quel primo Just Dance sarà uno shock, per altri potrebbe essere una sorpresa. A molti, infine, non fregherà proprio nulla (ma ne abbiamo anche per loro). La prima volta che ho pensato a Just Dance stavo ammazzando il tempo in uno storico HMV di Oxford Street a Londra, nelle ore buche di un qualche press tour (o forse impegnato in un weekend di relax). Era due posti di lavoro fa, tre traslochi più indietro, anni prima di un matrimonio e di un figlio. Insomma, avrei detto che tra Just Dance e il 2024 fossero passati almeno trent’anni.

UN PROMETTENTE NUOVO CAPITOLO, TRA ALTI E BASSI

Monster Hunter è indubbiamente una delle saghe principali di Capcom e sicuramente sarà uno dei capisaldi nel futuro prossimo dello sviluppatore nipponico. I motivi del successo della serie sono in realtà molteplici ed a volte, apparentemente, in conflitto tra loro.Uno dei punti di forza maggiori della saga è sicuramente la scalabilità dell'esperienza e la perfetta combinazione tra profondità del gameplay ed accessibilità, da sempre una chimera per qualunque tipo di videogioco.  

Chiunque, dal principiante allo speedrunner più esperto, può riuscire a godersi un capitolo di Monster Hunter, seppur a livelli diversi. Il cacciatore neofita potrà dilettarsi a far gruppo con i propri amici, accumulando materiali e potenziando il proprio equipaggiamento fino a rendere semplici anche gli scontri più impegnativi.Il tutto senza magari far caso alle combinazioni ottimali di equipaggiamento o alle combo più dannose, ma semplicemente godendosi il titolo come una corposa esperienza cooperativa per delle divertenti serate in compagnia.

BARILI ESPLOSIVI

Netflix non vuole correre troppi rischi

Il barile esplosivo di questa settimana viene da Granblue Fantasy Relink (Cygames, 2024).
Collabora anche tu al censimento globale dei barili rossi che esplodono partecipando all’Osservatorio Barili Esplosivi.

I VIDEOGIOCHI INDIE PIÙ INTERESSANTI DI NOVEMBRE 2024

Ormai quasi un anno fa iniziava il viaggio di Radar, la rubrica che a cadenza mensile racconta le uscite più intriganti sul mercato dei videogiochi indipendenti. Novembre è in arrivo, e allora eccoci qui con una nuova carrellata di titoli per illuminare le serate di questo autunno fin troppo piovoso. Questo mese sono ben cinque e tutti davvero promettenti, soprattutto se come me amate gli sviluppatori che hanno il coraggio di uscire fuori dagli schemi consolidati. 

Accendete il vostro radar: si parte!

SHIRO AND THE COAL TOWN

La prima e unica volta in cui sono stata in Giappone era luglio, le cicale frinivano fortissimo e faceva un caldo disumano. Un giorno dovevo andare al centro convegni PACIFICO di Yokohama (pochi giorni prima che vi tenessero i mondiali di Pokémon, peraltro) e attraversare la città fu uno slalom tra i poliziotti. Sembravano aver sostituito i pedoni: erano letteralmente ovunque. Questo perché al PACIFICO avrei trovato l’Imperatore Naruhito e l’Imperatrice Masako del Giappone: erano seduti di fronte a un paravento ricoperto di foglia d’oro, elegantissimi. Li guardavo come si guarda un unicorno apparso all’improvviso al centro della stanza. 

Il Giappone è l’unico Paese ad avermi regalato momenti di questo tipo, anche quando – come avviene per la maggior parte del tempo – “lo vivo da casa”, per così dire. E lo faccio più o meno da sempre, perché la mia passione per la cultura giapponese è nata prestissimo, grazie a un libriccino di miti e leggende che porto sempre con me a ogni trasloco. Il coraggio di Momotaro, i dubbi di Urashimataro, e poi il dispettoso tanuki che si trasforma in teiera bollente per tormentare i monaci: il Giappone è per me innanzitutto un insieme di storie straordinarie, una finestra che si è aperta nella mia infanzia e che poi, un giorno, mi ha portata in circostanze particolarissime a osservare gli ultimi imperatori rimasti al mondo – non che un impero sia una cosa bella di per sé, ecco, ma li ho guardati come si osserva un pezzo di passato che ti casca di colpo davanti, come un meteorite arrivato dallo spazio profondo.

THE

SPOTLIGHT

RECENSIONE

Ho perso il conto di tutte quelle volte in cui nella vita mi sono ritrovato a organizzare serate horror con gli amici. Una pizza, una birretta, qualche schifezza da sgranocchiare e una scarica di film horror a basso budget da iniettarsi nelle cornee sono state per anni uno dei miei passatempi preferiti in assoluto. Dev’essere stato così anche per Brian Singh e Crista Castro, fondatori e unici membri di Cozy Game Pals, che qualche tempo fa hanno annunciato al mondo di star lavorando ad un videogioco ispirato dal loro amore per il cinema horror degli anni ‘90. Il loro Fear The Spotlight è infatti il primo dei cinque progetti a cui Blumhouse, storico produttore e distributore di film dell’orrore, ha deciso di appoggiarsi per tentare di colonizzare anche il mercato del gaming, ed è un prodotto estremamente debitore di una certa estetica e di un certo modo di intendere la materia.

STEAM NEXT FEST

OTTOBRE 2024

È sempre grande festa in casa FinalRound quando Valve dà fuoco alle polveri e parte quella caotica e ribollente meraviglia che è Steam Next Fest. Alcuni dei titoli che vi avevo consigliato nel corso dell’edizione di febbraio 2024 sono già usciti, dando eccellente prova di sé (penso a Ultros, INDIKA, ma anche Harold Halibut); ora è tempo di guardare al futuro più o meno remoto. Per farlo, vi consiglierò varie demo – tra cui alcune davvero pazzerelle – presentandovi i giochi in questione a partire da quelli con la data d’uscita più vicina. E allora pronti, partenza, via!

BARILI ESPLOSIVI

Un furto di dati e un evento Xbox

Il barile esplosivo di questa settimana viene da Lovers in a Dangerous Spacetime (Asteroid Base, 2015). Collabora anche tu al censimento globale dei barili rossi che esplodono partecipando all’Osservatorio Barili.

Le cose fatte con calma

Con una selezione di trailer proposti da altri, Microsoft e Xbox sono tornati a vestire con più convinzione il ruolo che si sono scelti un quarto di secolo fa: quello del padrone di casa, del platform holder. I trenta minuti dell’Xbox Partner Preview sono arrivati in coda a mesi complicati ma interessanti, in cui il marchio nero-verde ha più volte mischiato le carte, pucciando l’alluce nelle acque degli editori per piattaforme altrui. Se quello è già un pezzetto di presente (vedi alla voce Sea of Thieves per PlayStation ) e una golosa prospettiva per il futuro a partire da Indiana Jones e L’Antico Cerchio (previsto per il 2025 sulla console di Sony), la parte più corposa della quotidianità di Xbox è ancora fatta di… Xbox (nel senso delle console della famiglia). 

Il nome scelto per il breve ma efficace evento di questo autunno sottolinea la posizione in cui si è voluta rimettere Microsoft: qui ci sono partner, compagni di viaggio che stanno preparando qualcosa per i nostri hardware da gioco. Lo stile comunicativo adottato si è rivelato in linea con gli altri appuntamenti del mondo Xbox in tempo di pace, quando cioè non si va a muovere guerra agli avversari con l’artiglieria pesante in periodi di (fu) E3 e dintorni. Alle roboanti animazioni che eruttano “World Premiere” allo svelarsi di un nuovo progetto, si sono sostituite delle educatissime schede riassuntive distribuite alla fine dei blocchi di annunci. Una cosetta sobria che mi sento di applaudire per l’efficacia comunicativa, ma anche perché abbassa di qualche decibel il volume, costantemente assordante, di questo settore. O di questo pianeta, più probabilmente.

Pensieri sparsi sulla demo di Citizen Sleeper 2: Starward Vector

Dalla critica videoludica allo studio di architettura e storia, passando per i game studies e la letteratura sperimentale, fino ad arrivare a immaginare i fondali marini del pianeta Gliese 667Cc. Pieni di funghi, tantissimi funghi. I lettori di Pixel già sanno che amo Gareth Damian Martin, il suo strabordante eclettismo – quelle elencate sopra sono soltanto alcune delle strade che ha intrapreso – e, soprattutto, della sua opera prima in campo videoludico, In Other Waters. Martin prova una fascinazione particolare per lo spazio profondo: sia In Other Waters che il suo secondo videogioco, Citizen Sleeper, sono ambientati tra le stelle, a una distanza siderale dal nostro pianeta. Nonostante questo, l’esperienza umana è centrale – anche se in In Other Waters controlliamo l’intelligenza artificiale che “anima” lo scafandro di una xenobiologa (!), mentre in Citizen Sleeper vestiamo gli impegnativi panni di un androide in balia dei malfunzionamenti del suo corpo. 

Mi sono avvicinata con gioia alla demo di Citizen Sleeper 2: Starward Vector, disponibile nel corso di questa ricchissima Steam Next Fest autunnale. L’uscita di questo seguito è prevista per il 2025 e, visto lo stato di questa fetta abbastanza ampia di gioco (si gioca in poco più di un’ora), penso ci siano buone speranze perché questa finestra temporale venga rispettata. Oltre a Martin, anche stavolta al timone del progetto, tornano il disegnatore Guillaume Singelin con le sue spettacolari illustrazioni, capaci di catturare la forza e, al contempo, la fragilità dei personaggi rappresentati, le cui vite sono sospese in un sistema spaziale post-capitalistico impietoso e violento, e il compositore Amos Roddy, il cui sound design era stato uno dei maggiori punti di forza del primo capitolo.

La tradizionale caccia alle stelle funziona meglio, se aspetti vent’anni prima di rifarla.

Super Mario Party Jamboree è un panino al latte con prosciutto e maionese, di quelli che riempiono sempre un vassoio alle feste dei più piccoli. Non è cibo stellato, ma a meno di intolleranze e diete specifiche, è facile iniziare a buttarne giù in quantità, pensando che dopotutto non serva chissà quale ricetta gourmet per arrivare soddisfatti al giorno dopo. Poi a un certo punto devi smettere, perché la soddisfazione viene meno e la sazietà si raggiunge nella metà del tempo. 

Non mi mettevo attivamente di fronte a un gioco della serie di Mario Party da qualcosa come vent’anni, dagli anni del GameCube. La fine della relazione potrebbe essersi consumata con Mario Party 6, quello che utilizzava il microfono di cui ci ricordiamo in tre, incluso Yoot Saito che lo aveva modellato a mano per il suo Odama, il primo gioco per la console cubica a utilizzarlo. Non c’erano state urla, drammi, cuori infranti, accuse infamanti o meschine rimostranze: il rapporto con Mario Party si era semplicemente esaurito. La formula del gioco dell’oca digitale di Nintendo, ripetitiva per sua natura, non mi aveva mai preso particolarmente, se non in occasione di qualche ritrovo tra amici. In quei casi attraversare una partita da 30 turni rimanendo svegli era una parte strutturale dell’esperienza, anche più dei tragicomici minigiochi che dal 1998 costituiscono l’ossatura della serie.

Ovvero, del motivo per cui amo il mondo del videogioco indie

“Quando tutti i draghi saranno morti, cosa farai, Judero? Il conflitto è prezioso per te, lo percepisco” 

Saining Shee

Il guerriero-druido Judero e la strega Bessie Dunlop sorseggiano una tazza di tè mentre se ne stanno seduti su due grossi funghi. È difficile prendere Judero sul serio: basta poco per accorgersi che è, in realtà, una action figure. Bessie ha la pelle verdastra, un nasone importante e scarso interesse per l’opinione del prossimo. Nel villaggio di Breith si mormora che ci sia lei dietro ai crescenti conflitti sociali che tormentano la popolazione: i mostri che vagano nelle lande, i bambini spariscono, le famiglie sono segnate dalla diffidenza, e gli inglesi stanno premendo con sempre più insistenza nel sud della Scozia, invadendo parte della regione. Ma no, Bessie si limita a raccogliere erbe e parlare con le fate; non c’è lei dietro a tutto questo.

Il pallido ritorno di Nomada Studio

Nomada Studio è un team a cui voglio davvero tanto bene. Gris è stato un videogioco molto importante nella mia vita perché, al di lá del fatto che posso anche essere abbastanza d’accordo con le critiche per la distanza che esiste fra il suo messaggio e le meccaniche con cui viene raccontato, sono pochi i videogiochi ad aver trattato il lutto con quella sincerità. C’era qualcosa nell’avventura di quella ragazza a cui la perdita aveva strappato la voce che fu capace di rapirmi, riuscendo a parlare direttamente ad una parte intima di me, e riuscì a segnarmi nel profondo. Gris mi fece male, e se ancora oggi me lo ricordo con un certo trasporto è sicuramente merito di questa sua inaspettata capacità.

BARILI ESPLOSIVI

SVEGLIAAA!!11!!!1!!

Il barile esplosivo di questa settimana viene da Never Grave: The Witch and The Curse (Frontside 180, TBD). Collabora anche tu al censimento globale dei barili rossi che esplodono partecipando all’Osservatorio Barili.

Hollow Home, la demo del videogioco che parla dell’invasione russa in Ucraina

“In questo gioco sono presenti suoni di esplosioni e sirene antiaeree che potrebbero causare disagio e rievocare ricordi dolorosi. Si consiglia la fruizione a un pubblico non impressionabile”

DOMANDE SENZA FINE

La voce di Alex Anderson Crow è monocorde, sempre. È lei l’anima di Iris Dormer, protagonista di Phoenix Springs: una donna che vive in uno Stato evidentemente preda di un regime dittatoriale – elemento appena accennato, mai approfondito nel gioco – ma soprattutto una reporter decisa a scoprire che fine ha fatto suo fratello Leo. È lui il primo pensiero di Iris mentre siede sul treno, all’inizio dell’avventura. E i pensieri sono il cuore pulsante di Phoenix Springs, un punta e clicca che lasciava intuire di essere più innovativo, a livello di meccaniche, rispetto a ciò che è davvero – non che questo sia un difetto di per sé, sia chiaro.

ReFantazio

“Non c'è nulla di più difficile da gestire, di esito incerto e così pericoloso da realizzare dell'inizio di un cambiamento.”

Niccolò Macchiavelli, Il Principe

SPARKING

ZERO

Sarebbe piuttosto pleonastico parlare del contributo della saga Dragon Ball e di Akira Toriyama nella cultura pop moderna. E' stato fatto mille volte ed è sotto gli occhi di tutti, quindi non aggiungerebbe nulla di nuovo alla trattazione. 

Uno sforzo intellettuale più utile sarebbe piuttosto inquadrare la serie Budokai Tenkaichi, di cui Sparking Zero è l'esponente più recente, all'interno del genere fighting game. Sebbene i picchiaduro abbiano un'unica denominazione, sono uno dei generi più variegati e stratificati del mondo videoludico. La categorizzazione del genere si è evoluta tantissimo negli ultimi anni ed ogni sviluppatore fa rientrare, ormai consciamente, un proprio titolo all'interno di un determinato "contenitore". 

BARILI ESPLOSIVI

Tencent ci sta provando con Ubisoft

Il barile esplosivo di questa settimana viene da Uncharted 2 (Naughty Dog, 2009). «Archeologia barilica per Uncharted 2: bombole di propano, in questo caso. E un gioco massimalista come questo non poteva esimersi dallo spargerle ovunque e in grande quantità», labentia.signa rende l’#OsservatorioBarili un posto migliore.

Con questo lavoro, invece, il turbinio emotivo nel quale mi getta Silent Hill 2 mi rende meno un medico all'opera e più un fan sfegatato che torna a un concerto della sua boy band preferita, dopo anni e anni di pausa e una reunion annunciata a sorpresa. Il secondo horror di Team Silent è il mio gioco preferito, non ne ho mai fatto segreto. E il modo di gestire le mie sensazioni nei confronti del remake di Bloober team, quindi, è stato il primo scoglio da superare. 

Inizialmente ho pensato che avrei dovuto lasciare da parte tutto quel bagaglio di ricordi ed emozioni che il titolo originale mi ha lasciato nell'anima ancora oggi, poiché altrimenti avrei avuto il rischio che la sola nostalgia canaglia potesse influenzare il mio giudizio. Poi però mi sono detto che Silent Hill 2 (e la serie in generale) è un'opera che utilizza fattori emotivi, veicolati attraverso allegorie e simbolismi, come perno identitario e cavallo di battaglia rispetto al resto dell'offerta ludica horror; far tacere quelle voci per intero, di conseguenza, avrebbe potuto impedirmi di aprire la mente e il cuore al ritorno della mia amata saga.

Come James Sunderland, quindi, mi sono dato una lavata di faccia, mi sono guardato allo specchio e ho dato una parvenza d'ordine ai miei pensieri, scandendo con ordine gli elementi per i quali questo titolo potrebbe giovare di un rifacimento nel 2024, e separandoli al contempo da quelli che percepisco come intoccabili.

IL SUPEREROE DISTOPICO

Quello degli endless runner è stato un fenomeno travolgente del mobile gaming dei primi anni ‘10. Fu il periodo di massimo splendore degli store digitali di Apple e Android, un territorio inesplorato in cui sono confluiti centinaia di videogiochi in miniatura che tentavano di interpretare in maniera del tutto nuova un mercato che fino a quel momento aveva faticato a trovare una sua identità. Canabalt, Temple Run, Agent Dash e Subway Surfers hanno popolato gli smartphone di praticamente chiunque in quel periodo, per poi venire rimasticati come appendici dei reel di Instagram utili a riempire le porzioni vuote dello schermo sotto ai video dei tanti Andrew Tate-wannabe che infestano i social network dove tentano di convincere quelli come me che oggi non si può più dire niente o che cercano di vendermi corsi accelerati per sviluppare un mindset adatto a permettermi di vivere come uno shark della finanza e trasformarmi in un grande imprenditore della domenica con una mission chiara in mente.  

A pensarci bene già solo questo meriterebbe un approfondimento dedicato, ma questa è Criptidi, è la rubrica di FinalRound dedicata ai videogiochi dimenticati che meritano una seconda occasione o anche solo un briciolo di attenzione per evitare che scompaiano dalla memoria collettiva, e in questa occasione voglio parlare d’altro.